SALMOS COMPULSIVOS

MANSO. Alejandro Cardozo Hernández. Nota de Luis Alberto Angulo

2012-01-31T17:37:00.001-08:00

Les presentamos hoy un poema y una nota de Luis Alberto Angulo que tratan el reciente asesinato terrorista del perro "Dominó" en la Facultad de Derecho de la Universidad de Carabobo. Evidentemente en nuestra universidad prevalece la fetidez del albañal antes que los silenciosos actos que nos reconcilian con la vida. Suponemos entonces que la próxima promoción de abogados honrará a Charles Manson: alguno de sus miembros lo liberará de la prisión para proponer a la U.C. el Doctorado Horroris Causa correspondiente (por supuesto, compartido por curas cabrones, periodistas misóginos y docentes terroristas). El administrador compulsivo de este blog.

Manso

Alejandro Cardozo Uzcátegui

Si no muerdes
te lanzarán de un tercer piso
manso animal
menearás la cola hasta la muerte
por eso ¡muerde rabioso!
¡muerde perro!
¡muerde hasta el final del hueso!
que tu dentada asuste a los hijos de puta que te quieren tirar
al precipicio
tritura atenaza rasga roe
a otros
para que sepan
que no serás presa fácil
que tus colmillos se bañarán con la sangre del primero
que no conozca tus andares.

Nota de Luis Alberto Angulo: El poeta Alejandro Cardozo, junto al poema que presentamos, escribe un correo desde el país Vasco diciendo: “Ayer -o anteayer- lanzaron a un perrito del tercer piso de un edificio de tu Universidad. Te adjunto un poema al respecto, a ver, si hay suerte, y le llega el viento del poema a la hez que lanzó al indefenso animal”. Debo contestarle que esa no es mi Universidad, nunca lo ha sido ni lo será jamás. Esa es quien niega la mía, la nuestra, la posible. La negadora, no solamente ha lanzado un perrito desde un tercer piso, en fecha reciente asesinó a balazos a una estudiante de último año de medicina. Otro estudiante de derecho (graduado en la Facultad de Educación) fue asesinado por un sicario mientras abría un pequeño negocio en la misma casa de estudios. Recuerdo también a otro estudiante asesinado mientras trataba de conciliar a dos grupos en pugna. No poeta, no es esa mi Universidad. Gracias por el poema y por estar atento pese a la distancia, usted pertenece a la mía.

PASTICHE DE AFORISMOS SOBRE POÉTICA (2). José Carlos De Nóbrega

2012-01-26T05:55:00.001-08:00

PASTICHE DE AFORISMOS SOBRE POÉTICA (2)
José Carlos De Nóbrega
Ilustración: Mujer sentada de Cristóbal Ruiz

6.- Un poema es absurdo: a los ojos, a los oídos, a la inteligencia. No al estómago donde residen las emociones, dice Aquilino, Reynaldo Pérez Só. El poema es una experiencia única e irrepetible, tanto en su escritura como en su generosa y sentida lectura. Su existencia no radica ni se justifica en el acercamiento escolástico de parte de despistados críticos y amargados profesores. Es texto que afecta maravillosa y terriblemente a otros libros vivos, los hombres, como bien lo dice Gracián en El Confesionario. Por eso el poeta nos recuerda que “La palabra es muy posterior en la construcción de un poema”, ello en una vindicación a la primera de sus instancias: el Poema-Vida que apunta a la transparencia de la expresión y no, mil veces no, a la construcción fútil de fachadas barrocas y abstrusas que tan sólo esconden ruinas y objetos estériles.

7.- El Mal introduce la sorpresa, la innovación en este mundo rutinario. Sin él, llegaríamos a la uniformidad, sucumbiríamos en la idiotez, José Antonio Ramos Sucre. ¿Acaso la Poesía tiene color? ¿Es moral o amoral? ¿Es blanca o negra? ¿La Poesía salva o extravía al hombre? De lo que si se puede estar seguro, en la precariedad de la lengua y el habla, es su actitud escurridiza ante la discusión y la polémica estériles. No presta su voz a homilías moralistas desde oxidados púlpitos, ni a discursos consolatorios que provengan de socialistas utópicos u organizaciones de caridad. Parafraseando a Eliot, cuando se aproximaba a la obra de Baudelaire, la poesía puede transformarse en una blasfemia u oración invertida que cante a la vida en las sucias calles pletóricas de prostitutas chupando en los rincones, cadáveres acuchillados y borrachos de cráneos aplastados por los caballos. Se detiene en la dulce orgía que se adueña de la belleza de los objetos en el mundo, sin importar su consistencia o tenor. Es oportuno un comentario de la poeta portuguesa Sophia de Mello Breyner Andresen: “La moral del poema no depende de ningún código, de ninguna ley, de ningún programa que le sea exterior, pero, porque es una realidad vivida, se integra en el tiempo vivido”. De ahí su intemporalidad, así simule ser un objeto apremiado por la entropía o la depreciación del tiempo histórico.

8.- En el poema el cuerpo es el espacio / y es el lastre, El Gallo Enrique Mujica. El aforismo sugiere que el poema es la contemplación y la autopsia de un cadáver exquisito, por supuesto, más allá de la escritura automática, bien sea la descubierta por André Breton o la vivenciada hasta los tuétanos por un tipo llamado Antonin Artaud.

9.- Quien no ve el mundo para perturbar, no merece respeto ni paciencia, René Char. El poema no es una insípida fotografía del entorno. Por el contrario, nos puede conmover en la plácida transparencia de un haiku o por medio de la increpación en la simulación de un código del escándalo, a la manera de las crudas letrillas satíricas de Quevedo. Antes que transformar el mundo, la Poesía procura una mirada sesgada e inédita de él. Fundada, eso sí, en la capacidad de asombro del hombre, atrofiada por el ruido y la prisa pecuniaria y consumista.

10.- La belleza del ánfora de barro pálido es tan evidente, tan cierta, que no puede ser descrita. Pero yo sé que la palabra belleza no es nada, sé que la belleza no existe en sí pero es apenas el rostro, la forma, la señal de una verdad de la cual ella no puede ser separada. No hablo de una belleza estética pero sí de una belleza poética. Sophia de Mello Breyner Andresen.

PASTICHE DE AFORISMOS SOBRE POÉTICA (1). José Carlos De Nóbrega

2012-01-19T07:15:00.000-08:00

PASTICHE DE AFORISMOS SOBRE POÉTICA (1).
José Carlos De Nóbrega

El propósito de las palabras es transmitir ideas. Cuando las ideas se han comprendido, las palabras se olvidan. Chuang Tzu.

1.- La poesía es arte que se manifiesta por la palabra, como la música es arte que se manifiesta por los sonidos, y la pintura arte que se manifiesta por los colores y las líneas, Johannes Pfeiffer. Pese a su óptica e influjo fenomenológicos, tal concepto es pertinente en su transparencia y simplicidad. La Poesía, sin duda, constituye la afortunada fusión de la palabra, la musicalidad y la imagen en la aproximación paradójica al mundo que seduce tanto al poeta como al lector devoto. Es la más grande y omnipresente de las artes, pues ennoblece la lengua de los hombres, como dice Jorge Luis Borges. Además, no puede circunscribirse al estrecho y mezquino espacio del término “literatura”, o -peor aún- de la infame categoría “género literario”. Ha forjado desde sus inicios –lo cual desborda la mismísima invención de la escritura- un metalenguaje propio que abarca e impregna al mundo y sus objetos. Las pinturas rupestres de las cuevas de Altamira suponen el vínculo habido entre filosofía y poesía: El asombro contenido en la mítica visión del universo que se ha plasmado en tan ásperas y primigenias paredes.

2.- Un poema no se baña dos veces en el mismo río, Efrén Barazarte. En este caso, antes del comento, es obligatorio aclarar que el poeta lo manifestó en el último tercio de una faena presocrática, blandiendo la toledana frente al escurridizo miura. El aforismo apunta a la multiplicidad de lecturas que el texto poético sugiere. Asunto que aparenta ser obvio, pero de difícil asimilación: Pues una ramplona y presuntuosa hermeneútica del poema sólo conduce a un callejón sin salida, llámese análisis estructural o lectura transdisciplinaria del texto literario, o mútese en la estúpida costumbre de asirlo por vía de la consideración biográfica y anecdótica del poeta. La lectura y el lúdico goce del poema estriban en el sacro y delicuescente instante en que nuestros ojos topan –de improviso- con la revelación portentosa: las abejas bullen en la colmena, ebrias de miel, tendiendo un puente pleno de emociones.

3.- La Naturaleza ama esconderse, Heráclito. La Poesía es una apología de tal aforismo. Es un suplicio de Tántalo o un extenuante afán de Sísifo determinar qué verdad subyace en el poema. Los versos no forman parte de decálogo moral alguno, ni mucho menos de la inútil preceptiva de tratadistas que utilitariamente buscan hallar la comprensión de lo incomprensible. El paisaje interiorizado se oculta tras la geografía y la aprehensión topográfica fundada en la biografía del poeta. Es comparable a los cervatillos traviesos, candorosos, febriles y juguetones que recorren la mística campiña que es el Cántico Espiritual de San Juan de la Cruz.

4.- Sin mentir, no decir toda la verdad que es un desangrar del corazón, Baltasar Gracián. Si tomamos en cuenta el aforismo anterior y lo contrastamos con una consideración cursi y kitch del poema, el comento de este aserto descansa entonces en el silencio de los espacios en blanco con el que nos premia la Poesía. ¿Cómo describir el imperceptible sonido de los pétalos de los tulipanes estrellándose deliciosamente en el piso?

5.- Porque no el mucho saber harta y satisface al alma, sino el sentir y gustar las cosas internamente, San Ignacio de Loyola. Más allá de ver y experimentar con la imaginación de los sentidos “la longitud, anchura y profundidad del infierno”, no es posible la Poesía apelando solamente a los artilugios del intelecto y la retórica. En muchos afortunados casos, el poema comienza a moverse en el vislumbre de una imagen aparentemente salida de no se sabe dónde. Como bien lo comenta Octavio Paz, en ello consiste el salto al vacío. Sin embargo, la imagen fue sentida, acariciada y soñada en la imprecisión del momento, en el estremecimiento de las vísceras. Entonces, la preocupación gramatical pasa a un segundo plano o, mejor aún, queda de lado y a la vera del juego del lenguaje.

Camilo Jiménez, periodista y profesor de Comunicación Social de la Javeriana, renunció a su cátedra (pues sus alumnos son analfabetas funcionales).

2012-01-06T05:10:00.000-08:00

El siguiente texto -desconocemos si es real o apócrifo- no pretende asumir el pesimismo de los profetas del desastre o la soledad de la voz que clama en el desierto, sin embargo puede constituir una advertencia pertinente acerca del pobrísimo uso que hacemos de la lengua. Esperamos trascender la perplejidad de la perrita que ilustra este post: Es menester que los docentes destierren la apatía fruto de salarios bajos y polémicas politiqueras estériles, en tanto primer paso para agarrar al toro por los cachos. P.S.: Evidentemente, a los que aspiran ser comunicadores sociales sólo les importa el oropel de la Televisión. ¿Cuál es el interés de los estudiantes de Letras que sienten repulsión por la Poesía?
El compulsivo administrador de esta página blog.

Camilo Jiménez, periodista y profesor de Comunicación Social de la Javeriana, renunció a su cátedra.

Un párrafo sin errores. No se trataba de resolver un acertijo, de componer una pieza que pudiera pasar por literaria o de encontrar razones para defender un argumento resbaloso. No. Se trataba de condensar un texto de mayor extensión, es decir, un resumen, un resumen de un párrafo, en el que cada frase dijera algo significativo sobre el texto original, en el que se atendieran los más básicos mandatos del lenguaje escrito -ortografía, sintaxis- y se cuidaran las mínimas normas: claridad, economía, pertinencia. Si tenía ritmo y originalidad, mejor, pero no era una condición. Era solo componer un resumen de un párrafo sin errores vistosos. Y no pudieron.

No voy a generalizar. De 30, tres se acercaron y dos más hicieron su mejor esfuerzo. Veinticinco muchachos en sus 20 años no pudieron, en cuatro meses, escribir el resumen de una obra en un párrafo atildado, entregarlo en el plazo pactado y usar un número de palabras limitado, que varió de un ejercicio a otro. Estudiantes de Comunicación Social entre su tercer y su octavo semestre, que estudiaron doce años en colegios privados. Es probable que entre cinco y diez de ellos hubieran ido de intercambio a otro país, y que otros más conocieran una cultura distinta a la suya en algún viaje de vacaciones con la familia. Son hijos de ejecutivos que están por los 40 y los 50, que tienen buenos trabajos, educación universitaria. Muchos, posgraduados. En casa siempre hubo un computador; puedo apostar a que al menos 20 de esos estudiantes tiene banda ancha, y que la tele de casa pasa encendida más tiempo en canales por cable que en señal abierta. Tomaron más Milo que aguadepanela, comieron más lomo y ensalada que arroz con huevo. Ustedes saben a qué me refiero.

Por supuesto que he considerado mis dubitaciones, mis debilidades. No me he sintonizado con los tiempos que corren. Mis clases no tienen presentaciones de Power Point ni películas; a lo más, vemos una o dos en todo el semestre. Quizá, ya no es una manera válida saber qué es una crónica leyendo crónicas, y debo más bien proyectarles una presentación con frases en mayúsculas que indiquen qué es una crónica y en cuántas partes se divide. Mostrarles la película Capote en lugar de hacer que lean A sangre fría. Quizá, no debí insistir tanto en la brevedad, en la economía, en la puntualidad. No pedirles un escrito de cien palabras, sino de tres cuartillas, mínimo. Que lo entregaran el lunes, o el miércoles.

De esas limitaciones y dubitaciones, quizá, vengan las pocas y tibias preguntas de mis estudiantes este último semestre, sus silencios, su absoluta ausencia de curiosidad y de crítica. De ahí, quizá, vengan sus párrafos aguados, con errores e imprecisiones, inútilmente enrevesados, con frases cojas, desgreñadas. Esos párrafos vacilantes, grises, que me entregaron durante todo el semestre. Pareciera que estoy describiendo a un grupo de zombis. Quizá, eso es lo que son. Los párrafos, quiero decir.

El curso se llama Evaluación de Textos de No Ficción y pertenece a la línea de Producción Editorial y Multimedial de la carrera de Comunicación Social de la Universidad Javeriana. En cuanto a lecturas, siempre propuse piezas ejemplares en los géneros más notorios de la no ficción: crónica, perfil, ensayo, memorias y testimonios. A partir de clásicos nacionales y extranjeros, los estudiantes componían escritos como los que debe elaborar un editor durante su ejercicio profesional. Primero, un resumen: todos los textos de los editores son breves, o deberían serlo -contracubiertas, textos de catálogo, solapas, etcétera-. Una vez que la mayoría hubiera conseguido un resumen pertinente y económico, pasábamos a escritos más complejos: notas de prensa y contracubiertas, para terminar con un informe editorial o una reseña.

En el centro de todo el programa estaban la participación y la escritura de textos breves a partir de otro texto mayor. Insistí siempre en la participación en clase para fomentar actividades que noto algo empañadas en la actualidad: la escucha atenta, la elaboración de razones y argumentos, oír lo que uno mismo dice y lo que dice el otro en una conversación.

El otro concepto transversal, la economía lingüística, buscaba mostrarles la importancia de honrar la prosa. Si uno en 100 palabras debe sintetizar un libro de 200 páginas, debe cuidar cada palabra, cada frase, cada giro. En últimas, la palabra escrita les dará de comer a estos estudiantes cuando sean profesionales, no importa si se desempeñan como editores de libros, revistas o páginas web, como periodistas o como profesores e investigadores.

Los estudiantes de este último semestre, y los de dos o tres anteriores, nunca pudieron pasar del resumen. No siempre fue así. Desde que empecé mi cátedra, en el 2002, los estudiantes tenían problemas para lograr una síntesis bien hecha, y en su elaboración nos tomábamos un buen tiempo. Pero se lograba avanzar. Lo que siento de tres o cuatro semestres para acá es más apatía y menos curiosidad. Menos proyectos personales de los estudiantes. Menos autonomía. Menos desconfianza. Menos ironía y espíritu crítico.

Debe ser que no advertí cuándo la atención de mis estudiantes pasó de lo trascendente a lo insignificante. El estado de Facebook. "Esos gorditos de más". El mensaje en el Blackberry.

Nunca he sido mamerto ni amargado ni ñoño: a los 20 años, fumaba marihuana como un rastafari y me descerebraba con alcohol cada vez que podía al lado de mis cuates. Quería ver tetas, e hice cosas de las que ahora no me enorgullezco por tocarlas. Empeñé mucho, mucho tiempo en eso. Pero leía.

No sé. En esos tiempos lo importante, creo, era discutir, especular, quedar picados para buscar después el dato inútil. Interesaba eso: buscar. Estoy por pensar que la curiosidad se esfumó de estos veinteañeros alumnos míos desde el momento en que todo lo comenzó a contestar ya, ahora mismo, el doctor Google.

Es cándido echarle la culpa a la televisión, a Internet, al Nintendo, a los teléfonos inteligentes. A los colegios, que se afanan en el bilingüismo, sin alcanzar un conocimiento básico de la propia lengua. A los padres que querían que sus hijos estuvieran seguros, bien entretenidos en sus casas. Es cándido culpar al "sistema". Pero algo está pasando en la educación básica, algo está pasando en las casas de quienes ahora están por los 20 años o menos.

Mi sobrino le dice a su madre, mi hermana, que él sí lee mucho, en Internet. Lo que debe preguntarse es cómo se lee en Internet. Lo que he visto es que se lee en medio del parloteo de las ventanas abiertas del chat, mientras se va cargando un video en Youtube, siguiendo vínculos. Lo que han perdido los nativos digitales es la capacidad de concentración, de introspección, de silencio. La capacidad de estar solos. Solo en soledad, en silencio, nacen las preguntas, las ideas. Los nativos digitales no conocen la soledad ni la introspección. Tienen 302 seguidores en Twitter. Tienen 643 amigos en Facebook.

Dejo la cátedra porque no me pude comunicar con los nativos digitales. No entiendo sus nuevos intereses, no encontré la manera de mostrarles lo que considero esencial en este hermoso oficio de la edición. Quizá la lectura sea ahora salir al mar de Internet a pescar fragmentos, citas y vínculos. Y en consecuencia, la escritura esté mudando a esas frases sueltas, grises, sin vida, siempre con errores. Por eso, los nuevos párrafos que se están escribiendo parecen zombis. Ya veremos qué pasa dentro de unos pocos años, cuando estos veinteañeros de ahora tengan 30 y estén trabajando en editoriales, en portales y revistas. Por ahora, para mí, ha llegado el momento de retirarme. Al tiempo que sigo con mis cosas, voy a pensar en este asunto, a mirarlo con detenimiento. Pongo el punto final a esta carta de renuncia con un nudo en la garganta.

LAS CELESTIALES: UNA PARODIA DE LOS DISCURSOS AUTORIZADOS.José Carlos De Nóbrega

2011-12-15T11:22:00.000-08:00

LAS CELESTIALES: UNA PARODIA DE LOS DISCURSOS AUTORIZADOS
José Carlos De Nóbrega

El padre parecía una capitular de oro; yo, junto a él, una insignificante minúscula impresa en tinta roja. José Rubén Romero: La vida inútil de Pito Pérez.

La agudeza literaria de Miguel Otero Silva se exhibe sin freno en dos de sus obras más disímiles entre sí: Tenemos la incendiaria parodia del discurso católico que es Las Celestiales, con sus Santos asaeteados por la coprolalia popular, y la aproximación poética a la figura de Jesucristo vertida en el texto novelístico de La piedra que era Cristo (no podemos olvidar el impactante monólogo de la cabeza cortada de Juan el Bautista que escarnece la banalidad impía del rey Herodes). Ambos textos no sólo refieren el espíritu rojo y ateo de su autor (rebatido hoy por el insulso desencanto burgués de su hijo, Miguel Henrique, pésimo editor y peor editorialista del diario El Nacional), sino el apetito descarado del escritor por desmontar los discursos autorizados que sustentan el Poder vertical, mezquino y usurero que tritura sin clemencia a las mayorías. La literatura acomete la labor profética de promover e instaurar a cómo dé lugar la justicia social. Ya lo manifiesta ese vagabundo y borracho de Pito Pérez: ¡Pobre de los pobres! Yo les aconsejo que respeten siempre la ley, y que la cumplan, pero que se orinen en sus representantes. Por supuesto, la ley hecha carne en la lucha revolucionaria de a de veras, no la propuesta por los grandes laboratorios de la propaganda periodística, historiográfica e ideológica que pretenden pervertirla y envilecerla. El discurso diabólico, como ocurre con el habla salvaje y primaria de los niños y los locos, es un recurso insoslayable para atacar y poner en evidencia la fragilidad y la corrupción de un orden de cosas bizarro que ha invadido a los templos y las academias: La política de ultratumba, con sus cielos de algodón y sus infiernos carbonizados –no entendemos aún por qué la burocracia eclesiástica nos quita la sala de espera que es el purgatorio-, engorda las finanzas vaticanas y protestantes, amén de proveer de carne fresca a curas y obispos pedófilos; nuestras universidades autónomas, experimentales o paralelas coinciden en la tercerización laboral de docentes y empleados y la cosificación del conocimiento a expensas de los intereses de grupos de poder. La Iglesia está penetrada por la politiquería más árida, en tanto que las academias son el detritus de organizaciones religiosas que hacen acólitos con su verborrea terrorista y macabra. Es justa y necesaria la lucidez satánica para ir a contracorriente del imperio de la lasitud vital.

Este gran rosario inverso, integrado por 25 coplas picantísimas y prevaricadoras, tuvo dos ediciones: la primera de 1965, firmada con el pseudónimo doble de Iñaki de Errandonea (alias Miguel Otero Silva), Sacerdote Jesuita, como compilador y comentarista, además de Fray Joseba Escucarreta (alias Pedro León Zapata), S.J., en tanto ilustrador que caricaturiza a santos y mártires. Fue una bomba que estalló simultáneamente en la meritita cara de la histérica feligresía y en las barbas remojadas de la anquilosada jerarquía católica. Valga la desaprobación del Cardenal José Humberto Quintero: No está de sobra advertir que ese libro, en el que de propósito se ataca a la Religión y a las buenas costumbres y se hace mofa de los santos, se halla por ello mismo comprendido en la publicación del canon 1.399 del Código de Derecho Canónico. La segunda edición data de 1974, Ediciones de José Agustín Catalá, la cual agrega un prefacio de Miguel Otero Silva en carne y hueso que simula una apología exquisita de tan vituperado texto diabólico. Las Celestiales constituye un ejercicio transgenérico a la par de referentes notables como Borges, Bioy Casares e incluso Héctor Murena: La copla, destacada en negritas y caracteres gigantes, se fusiona con la prosa dialógica que se regodea en la impostura, el humor negro y una apasionada óptica crítica de la Historia de la Iglesia Católica. El Papado es la alcabala religiosa que tan sólo merece un jalón de papada aparejado con la carcajada del vulgo: Al Papa Ruperto Doce / ni lo menciona la Historia, / porque se cagó una noche / en la Silla Gestatoria. En este fetiche, nada que ver con la estupenda silla de Van Gogh, queda al descubierto el culo y los cojones del Papa electo, pues el colegio cardenalicio debe templar las dos bolitas para evitar que otra Juana la Papisa escarnezca tan sagrada institución machista. Fetichismo y escatología van de la mano en lo que toca a la crítica del catolicismo, a los fines de configurar un intervalo estético y apóstata que nos retrotrae a Rabelais, el Decamerón de Boccaccio y Pasolini, el Nazarín de Galdós y Buñuel, el Satiricón de Petronio y Fellini e incluso el crucifijo inverso del cura Carlos Borges que lame y eyacula el voluptuoso cuerpo femenino. Qué decir de los prejuicios y mitos urbanos que aún despierta la orden jesuítica, suponemos entonces una dulce venganza de parte de ambos coautores: Hiciste lo que quisiste, / San Ignacio de Loyola, / pero quisiste ser Papa / y te pisaste una bola.

LA PUNTUALIDAD DEL VENEZOLANO: ENTRE EL MITO Y LA ANARQUÍA. José Carlos De Nóbrega

2011-12-15T11:13:00.000-08:00

LA PUNTUALIDAD DEL VENEZOLANO: ENTRE EL MITO Y LA ANARQUÍA
José Carlos De Nóbrega

No es que he llegado tarde: ustedes llegaron demasiado temprano. Héctor Lavoe, el Rey de la Puntualidad (valga la paráfrasis).

Hace mucho tiempo que desconfiamos de la caracterización de las personas por vía del gentilicio y la idiosincrasia: Sea apología o descrédito, tal juicio apunta a lo Standard, al lugar común y –en consecuencia- a la simplificación del pensamiento. Por ejemplo, contrastemos dos ópticas que fracasan en el tratamiento del mismo asunto: esto es el mito de la pureza de la raza en nuestro medio (muy a pesar de la tolerancia y afabilidad del venezolano). Por un lado, se afirma que nuestro mestizaje es una tara genética que ha traído consigo la impuntualidad, la flojera, la improvisación y una disposición dionisíaca al bochinche (jurunguen, a tal respecto, el fofo corpus teórico de la antropóloga neonazi Beatriz de Majo, discípula del CEN de AD). Tan sólo se salvarían nuestras mujeres, acreedoras de premios de belleza y deudoras del bisturí famélico de Osmel Sousa. Cruzando la calle en dirección a la acera opuesta, pensadores de la izquierda venezolana insisten que la inmigración europea de los años cincuenta respondió a una política pérezjimenista de blanqueamiento racial (lo cual implica la confortabilidad de las teorías conspirativas en la consideración de los fenómenos sociales). ¿Qué decir de los desplazados, políticos o no, por el acoso del fascismo y el hambre durante la guerra y la postguerra? El único blanqueamiento político-racial admisible es el de Barack Obama, heredero de la saga tejana de los Bush. Por supuesto, atribuimos el blanqueamiento literal de Michael Jackson al influjo maternal -¿filicida?- de Diana Ross y Elizabeth Taylor. Es menester la prevención respecto a las líneas simplistas del pensamiento, pues son un sucedáneo de la sociedad esclavista que persiste en promover la infelicidad (como se sabe, la tercerización laboral es uno de sus productos más recientes). Así ocurre con la tan divulgada y escarnecida impuntualidad de los venezolanos, un pretexto que añora a la godarria zahiriendo impíamente al pardaje, clase a la cual pertenecemos y que se desternilla de la risa ante las afectadas maneras de los defenestrados amos del valle y sus estúpidos apólogos.

La impuntualidad del venezolano es proverbial, colindante con la cotidianidad y la mitología urbana. ¿Tal vicio tiene su origen en nuestra condición mestiza o en la esencia misma de un orden de cosas que se nos impone sin piedad? Mientras que Beatriz y sus cachimbos anglosajones pontifican nuestra parda indisciplina, observamos que masas de venezolanos madrugan para acudir a sus centros de trabajo y de estudio. Muy a pesar del desmadre urbanístico que desemboca en el colapso, la ineficacia del sistema de transporte privado por obra y gracia de su cartelización (amén de las debilidades del Metro) y el despropósito político encaramado en el autobús del progreso, esa masa trabajadora es susceptible de ser retratada en su precariedad y belleza por un arte comprometido (a contracorriente del panfleto).

La burocracia moderna venezolana, en especial la criada a expensas del manguareo adeco-copeyano, ha sido una dispensadora de ineficiencia, impuntualidad y villanía: Posee la odiosa patente de la cultura de los números, esto es repartir 20 tickets numerados para atender a tan pírrico grupo de personas en una jornada y someter a la gran mayoría a la vacuna impuesta por gestores corrompidos. Mientras la masa ciudadana espera su turno a la intemperie, los funcionarios llegan en el impune ejercicio del retardo comentarios insulsos y hablillas mediante. No vale nada madrugar, dado el infierno de cuello blanco que aún nos espera en ciertas dependencias.

Obviamente, es un imperativo deslastrarnos del modo de producción capitalista que nos reseca y explota a más no poder: Se nos va el tiempo en la plusvalía que nos arrebatan, no sólo en su forma económica sino en la estragada condición física y mental del cuerpo (respecto al imperialismo, tenemos que tan sólo ha cambiado la tecnología armamentista, la práctica colonial hoy es incluso peor que la del siglo XIX; pregúntenle a Obama, Sarkozy o Berlusconi). La acumulación del capital no olvida ni perdona: No hay siquiera cortos plazos para la autorrealización de la clase trabajadora, lo cual es harto indignante. Ustedes me increparán: ¿Quién carrizo es este polemista compulsivo que pontifica contra el orden establecido? Un obrero de la educación y la escritura que mañana viernes debe hacer un desayuno-almuerzo-merienda a las 5 am, a los fines de completar una negrera jornada de trabajo en la Universidad y luego en el liceo. Sin embargo, hacemos de tripas corazón para escribir textos que bordean el anarcotrostkismo, la poesía y la compulsión por la vida. Como dice Joaquín Sabina, de las dos majas de Goya me gusta la misma que tú.

25 POEMAS: UNA REEDICIÓN EN LOS AFECTOS. José Carlos De Nóbrega

2011-11-10T17:58:00.000-08:00

25 POEMAS: UNA REEDICIÓN EN LOS AFECTOS
José Carlos De Nóbrega

canta
pues el río está solo
Reynaldo Pérez Só

Es grande nuestro contentamiento a raíz de la afortunada reedición de 25 poemas (2011) de Reynaldo Pérez Só por parte de Fundarte, no obstante sus casi 29 años de edad: Su transparencia y vitalidad persisten todavía en la terquedad más impune. Para aquel entonces (1982), disfrutábamos a los 18 años Demián y El Lobo Estepario de Hermann Hesse, así como también Última luna en la piel de Orlando Chirinos (volumen de cuentos publicado igualmente por Fundarte). Es una colección poética solar, de una luz clarísima hasta el enceguecimiento que nos remite a un maestro como Armando Reverón o, mejor aún, a un mago de la objetualidad plástica llamado Mario Abreu. Ahora sí sé por qué se me antoja un poemario ligado a la literatura de formación o bildungsroman: Hallamos muchos textos llenos de frescura y lozanía (estoy pleno / de sol y corro / entre campos / crece el árbol crece / en mi vista) que conviven con otros pocos más duros (he dejado que la muerte / me socave / no he hecho nada), siendo estos últimos un puente para un libro puntual como Matadero (1986).

Efectivamente, 25 poemas es un magnífico libro de transición: ratifica el inicio asombroso que significó Para morirnos de otro sueño (1971), amén de completar la evolución de su discurso patente en Tanmatra (1972) y Nuevos Poemas (1975). El poema 5 apela tan sólo a dos adjetivos para aproximarnos a la sensualidad, esto es a la poesía que se apoya en lo tocable: el árbol / y el algodón de la cama // la puerta / entornada // que voy entrando / de cuerpo // en la puerta misma / en el árbol que veo / con el suave algodón. El Decir, inmediato y austero, puede forjar así nomás imágenes sinestésicas y placenteras en la ausencia de la estridencia formal y metafórica: hincamos el diente en la piel toda pelusa del durazno, sin piedad ni mea culpa. Los siete primeros poemas simulan la creación del mundo: Además de su carnalidad, tenemos el Acto de Fe consecuente (cuando el sol no / existe / otro sol camina / y hace día // en la lluvia yo creo / yo creo en la tierra / que crezco) e incluso un lúcido Apocalipsis del séptimo día con su arrebatamiento –el juego del escondite- y ulterior epifanía (hace sueño en el campo / es apenas / sol / sueño como soñar hasta tarde / pequeño / terrón para apretarse en la mano // si hay viento y si hay / volarás / campo húmedo / de la lluvia). Nos basta acompañar –en curiara- a los ríos, ello en la indecible presencia de la muerte día a día: no miento otro muerto / me toca // no diré nada / nada. Sólo es posible confrontar y convivir con la muerte en la abyecta cotidianidad de las luces y sombras.

EN MEDIODÍA supone el corpus adosado a la semana de la creación: el elogio de la luz que arropa y ennoblece al objeto poético, comparte el mundo con la punzante duda de índole religiosa –en tanto modo de vida que se opone al discurso de Poder de rituales y misterios-. Permítasenos citar casi todo este poema perturbador e inquietante: señor si fueran tus / labios / si fueran tus labios // esa calle y su paso / se fue y se repite // una noche pondría / en mi almohada / no el mar ni los bosques // las montañas y la / vuelta / hacia la misma calle / no se entrega a / la muerte / oh animal mío / señor / tus labios? No en balde sus dos versiones –nos referimos a la primera y segunda edición del poemario bajo el sello de Fundarte-, la fractura del verso por vía del encabalgamiento, sumada al porrazo de la anáfora, recrean contundentemente y sin remilgos retóricos la experiencia y la agonía de forcejear con la muerte (por supuesto, en pos de una bendición en suspenso). Sin embargo, nos conmueve hasta el tuétano de huesos astillados esta otra interrogante, dramática y amorosa, que increpa al paisaje interiorizado: tú que tienes cuerpo / hierba / adónde iré a parar / pequeña / adónde?

Si de algo se precia este libro, es de su corporeidad enclavada en la contingencia y la cruda inmediatez de la voz poética. Una unidad de conjunto apolínea y fundamentalista sólo conduce a Paraísos artificiales, esto es la antesala del despropósito egótico y académico que pretende encorsetar a la Poesía misma. He aquí otra muestra a contracorriente: será que existe / otro cuerpo // un viento más perfecto / que este / que ha movido la puerta // no debe importarme que tengo / ganas de caminar / verdaderamente ganas.

En Valencia de San Desiderio, viernes 14 de octubre de 2011.

RECITAL POÉTICO EN EL INSTITUTO DE TECNOLOGÍA DE VALENCIA, MARTES 15 DE NOVIEMBRE DE 2011, 9 AM

2011-11-06T06:26:00.000-08:00

Recital Poético en el Instituto Universitario de Tecnología de Valencia

Fesha y hora: Martes, 15 de noviembre · 9:00 am - 12:00 m

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Lugar: Instituto Universitario de Tecnología de Valencia , La Manguita, entre la UPEL Valencia y la Zona Educativa del estado Carabobo

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Creado por José Carlos De Nóbrega

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Más información He aquí la siguiente invitación:

El próximo martes 15 de noviembre de 2011, a las 9 am., la Coordinación de Extensión y Cultura del Instituto Universitario de Tecnología de Valencia realizará, en su salón de seminarios, una lectura de poesía. Ente los poetas invitados figuran: Vielsi Arias, Juan Medina, Luis Alberto Angulo, Reynaldo Pérez Só y Enrique Mujica. La presentación de estos poetas estará a cargo del escritor José Carlos De Nóbrega.

CICLO DE CHARLAS "NOVIEMBRE DIABÓLICO, 2011" DEL GRUPO LI PO Y EL GRUPO LITERARIO ENRIQUETA ARVELO LARRIVA

2011-10-31T05:13:00.000-07:00

Están cordialmente invitados a participar en el Ciclo Noviembre Diabólico, una serie de conversatorios dedicados a estudiar la presencia del diablo como personaje en diversas manifestaciones culturales.

A continuación el cronograma de actividades:

Sábado 05 de noviembre:

"El diablo y la música" a cargo del músico Régulo Castro.
Lugar: Librerías del Sur Valencia, Primer nivel del Centro Comercial Camoruco, Avenida Bolívar Norte.

Hora: 10 am

Sábado 12 de noviembre:

Conversatorio sobre "Amalec" a cargo del poeta Reynaldo Pérez Só y una charla sobre el narcocorrido por el escritor José Carlos De Nóbrega.
Lugar: Librerías del Sur Valencia, Primer nivel del Centro Comercial Camoruco, Avenida Bolívar Norte.

Hora: 10 am

Sábado 19 de noviembre:

Charla: "Dos textos lúdicos sobre el diablo" a cargo del escritor José Carlos De Nóbrega.
Lugar: Librerías del Sur Valencia, Primer nivel del Centro Comercial Camoruco, Avenida Bolívar Norte.

Hora: 10 am

Sábado 26 de noviembre:

Charla: "La maldad cotidiana según Saki" a cargo del ensayista Pedro Téllez.
Lugar: Librerías del Sur Valencia, Primer nivel del Centro Comercial Camoruco, Avenida Bolívar Norte.

Hora: 10 am

EL BOOM REVISITADO (MÁS ALLÁ DE LA PUBLICIDAD Y EL MERCADEO). José Carlos De Nóbrega

2011-10-28T07:14:00.000-07:00

EL BOOM REVISITADO (MÁS ALLÁ DE LA PUBLICIDAD Y EL MERCADEO).
José Carlos De Nóbrega

He aquí un adelanto de mi libro de ensayos "Salmos Compulsivos / El Libro de los Aforismos Comentados", de próxima aparición en Valencia de San Desiderio. Por supuesto, ya se había publicado en el diario "El Venezolano" de Guayana. Espero que lo disfruten.J.C.D.N..

“-¿Aceptaría usted la afirmación de que, en cierta forma, el boom es invento suyo?
“B: No, pero me gustaría creer que he contribuido a eso que seguimos llamando boom, aunque es un término que no me gusta.
“-¿Por qué no le gusta?
“B: Porque un boom implica siempre un fondo de falsedad, y ya digo desde el principio que yo creo que realmente ocurre que en este momento la narrativa latinoamericana, la de esta generación, debe contar entre las dos o tres más importantes del mundo”. Carlos Barral entrevistado por Tola y Grieve (1971: p. 15).

Tal es el problema de las etiquetas y los remoquetes realzados en el “ismo”: Facilitan las taxonomías literarias pero propenden a una lectura y consideración manchadas por la superficialidad del slogan publicitario. La agrupación de autores en una generación, por lo general, distrae al lector en la degustación de la personalidad y el estilo de cada quien y cada cual. Topamos con un cliente snobista antes que con un lector lúdico. Quizás por tal razón, Charles Bukowski –el personaje- se siente oprimido y comprimido entre la tabiquería que es el espacio burocrático obsequiado por un codicioso editor en un lujoso piso de NYC (magnífica versión fílmica de Marco Ferreri de sus Cuentos de la Locura Corriente, con un Ben Gazzara esparciendo papeles en un gesto alcohólico y anarquista). Ahora bien, la generación del Boom no es afectada por la inmediatez de las campañas publicitarias, ni por el prestigio de los premios internacionales; su aporte a la narrativa latinoamericana y, mejor aún, en lengua española, es inconmovible y trascendental. Vale más, por ejemplo, el guiño cómplice que nos hace Julio Cortázar cada vez que sus cuentos vindican la lectura asombrosa, tierna y juguetona en oposición a un entorno raído y mustio por la rutina en la urbe post-industrial. Si de algo han servido las modernas técnicas de marketing editorial, es precisamente en el hecho controversial de dar a conocer con amplitud la obra de nuestros escritores. Ello sin importar las lecturas cuasi disléxicas de algunos editores y críticos literarios.

Los cuatro egregios del bien o mal llamado Boom –Gabriel García Márquez, Mario Vargas Llosa, Carlos Fuentes y Julio Cortázar-, amén de su condición de exiliados en momentos puntuales de su vida y obra, han constituido un notable estadio en la evolución de la narrativa latinoamericana. Por supuesto, no como isla a la deriva respecto a sus antecesores (Roberto Arlt, Felisberto Hernández, Jorge Luis Borges, Adolfo Bioy Casares, Juan Rulfo, Miguel Ángel Asturias), sino como la continuidad de la ola que comprende la cresta y los reflujos internos. En la entrevista citada al inicio, Carlos Barral así lo reconoce:

“B: Sí, a mí me parece que la narrativa de esta generación, a la que identificamos cuando hablamos del boom, con respecto a sus antecedentes en la historia de la literatura hispanoamericana, representa un cambio muy considerable en cuanto a la universalidad de la ambición de lo que trata de expresar y, justamente, eso es lo que la identifica, lo que la despega en cuanto a la tradición. Pero en cuanto al instrumental, no ha hecho más que perfeccionar lo que ya era de primera calidad” (Tola y Grieve, 1971: páginas 14 y 15).

Efectivamente, Julio Cortázar es cómplice y lector atento de la obra de Felisberto Hernández, sobre todo en el discurso o en la disposición del instrumental, acomodada la cama de disección en la que yace la resbaladiza realidad. Ambos problematizan y parodian la realidad hundiendo afilados bisturíes en su desgastado corpus: El discurso fantástico se funde y justifica a plenitud por vía de la ironía y el desenfado. Alberto Cousté lo espeta sin medias tintas: “Cortázar –cronopio crónico- ha intentado una obra que irrita hasta el crujir de dientes a quienes no pertenecen a la tribu” (en Cortázar, 1980: p. 7). Ello con un gran vuelo poético: “pero no sé por qué en ese momento se me daba por pensar que también a veces papá y mamá sacaban el pañuelo para secarse, y que también en el pañuelo había una hoja seca que les lastimaba la cara” (Cortázar, 1980: p. 77). Es el final del cuento Después del Almuerzo, en el que el protagonista alivia un sentimiento de culpa suyo y de sus padres al convivir forzosamente con un personaje innominado y minusválido. Qué decir, además, de la particular oralidad sureña –en Argentina o fuera de ella-impregnada en sus cuentos y novelas. Muy a pesar de que no se identifica –sobre todo en lo político- con Jorge Luis Borges (recordemos lo que le dijo a José Pulido en una entrevista acerca de un cuento suyo dedicado a Borges: “ ‘No puede ser’ comentaron los lectores argentinos y tenían razón: al final del cuento decía: este cuento se lo he dedicado al pintor venezolano Jacobo Borges”; Pulido, 1982: p. C-16), hay cierta vinculación en lo que toca a las preocupaciones y búsquedas de ambos pibes: la literatura fantástica y el juego que acarrea explayarla en el papel, llevar al lector vendado por los pasadizos múltiples y postizos del laberinto narrativo. Paradójicamente, Jorge Luis Borges le publicó en la revista Sur el cuento Casa Tomada, en el inicio mismo de su periplo literario y luego geográfico. Por otra parte, Carlos Fuentes adaptó al cine la novela Pedro Páramo de Rulfo, no obstante las diferencias de fondo y forma -e incluso políticas- entre ambos narradores mexicanos. Si bien Fuentes recibió la influencia de John Dos Passos y su Manhattan Transfer, especialmente en lo que toca a la técnica narrativa, el Gabo absorbió otro tanto de la obra novelística de William Faulkner: la decadencia del sur de los Estados Unidos, posterior a la Guerra de Secesión, se transplanta con poderosa personalidad del condado de Yoknapatawpha al Macondo del Trópico, asolado por las disputas políticas y bélicas internas, amén de la explotación de la Compañía Bananera encarnada sin duda por la United Fruit Company. En resumidas cuentas, la generación del Boom significa la continuidad de la ruptura con la narrativa realista latinoamericana, de corte positivista y nativista, iniciada en los años treinta y consolidada a partir de los cincuenta; sobre todo a la luz de los rasgos diferenciales y las contradicciones habidas entre esas tres generaciones. La línea evolutiva de nuestra narrativa no se asimila a la recta, más bien se esboza como una elipse: remite a la noción de ciclo, de un retorno o reacomodo del discurso y sus instrumentos expresivos, así como también la revisión o aireación de la temática.

Las críticas al Boom han sido de diverso calibre, destacándose dos aparejadas con una miope y maniquea apreciación: confundir universalidad y contemporaneidad con un sentimiento de cosmopolitismo extemporáneo, tal como ocurrió con la obra poética de Darío; y, su inmediata antípoda, el excesivo color local o exotismo que aparentemente abunda en muchos de los casos. Carlos Fuentes, le sale al paso a la primera de tales críticas parciales: “Pero también la aspiración cosmopolita, digámoslo con esa palabra que a veces tiene un sentido peyorativo, me parece muy importante, sobre todo en ese momento en que, como dice Octavio Paz, somos por primera vez contemporáneos de todos los hombres” (Rodríguez Monegal, 1977: p. 122). No se trata de asumir una ciudadanía universal superficial y forzada, más bien hallar en el cosmopolitismo la cabeza de turco que derrumbará el aislacionismo de América Latina, producto de un proceso de neocolonialismo que ha venido ahogando su espíritu mestizo y heterogéneo. Sólo así se podría comprender la materia de la que está hecha la Rayuela de Cortázar: el exilio físico es un magnífico pretexto para el arraigo en el terruño; la oralidad, la carga onomatopéyica y la salvaje seducción de las imágenes que forja el lenguaje hablado en los puertos y los arrabales de Buenos Aires (el lunfardo recreado antes por Arlt sin cortapisas), constituyen su más válida y sentida prueba. En lo que corresponde al exotismo, los críticos pretenden que los cuadros de costumbres, el paisaje selvático e incluso urbano, además de la recreación de las contradicciones políticas y sociales, rayan en lo pintoresco. No se tiene en cuenta o no se repara un tratamiento estético y personal del paisaje rural y urbano: bien sea en casos tales como La Casa Verde y Pantaleón y las Visitadoras de Vargas Llosa, en las que la selva –además de escupir animales y portentos- sobredimensiona la precariedad, la desolación y la humanidad de los personajes, más allá de la determinista argumentación positivista; o las novelas de Carlos Fuentes que tienen como centro épico, lírico e histórico a la ciudad de México, en un afán de deconstruir historiografías que entumecen y alienan la conciencia de los mexicanos y, por extensión, de los latinoamericanos. Carlos Barral lo asevera con conocimiento de causa: “Yo creo que no y, sobre todo, el exotismo es completamente impredicable en las novelas de Cortázar, por ejemplo, o lo es escasamente en la mayor parte de las novelas de Vargas Llosa” (Tola y Grieve, 1971: p. 17). Es innegable, pese a la irregularidad de ciertas obras, que los autores a los que se les encasilla con el mote del Boom, han redescubierto a América Latina realizando la travesía colombina a la inversa: seducir al público español y europeo con un éxito poco común en el devenir de la literatura de habla hispana. Son herederos, qué duda cabe, de las maravillosas historias de los Cronistas de Indias y de los mitos, las cosmogonías y cosmologías oriundos de la América Precolombina. No en balde uno de sus paradigmas escriturales descansa en la obra del Inca Garcilaso de la Vega.

He aquí un magistral cierre de la figura, sierpe que mordisquea su propia cola al amparo de la tormenta: “que todo lo escrito en ellos era irrepetible desde siempre y para siempre, porque las estirpes condenadas a cien años de soledad no tenían una segunda oportunidad sobre la tierra” (García Márquez, 1984: p. 325). Nuestra condición mestiza y pluricultural, sin duda facilitó la escritura del continente desde el ‘centro’ a la ‘periferia’. Siendo el exilio forzado (Roa Bastos o Carpentier) o no (García Márquez, Vargas Llosa o Fuentes), los narradores latinoamericanos expresaron, desde el tuétano hasta el blanco de la página, una sensación de extrañamiento y de saudade –término portugués que trasciende la nostalgia- por su América Latina, acosada en ese entonces por cruentas dictaduras y las constantes profanaciones de su soberanía, fuere cual fuere el Imperio. La retroalimentación respecto a la cultura literaria y artística del centro, amén del padecimiento y afecto por la suya propia –acogotada en la despectiva categoría de periferia-, posibilitó la edificación de una obra diversa, maravillosa y harto peculiar. Adolfo Colombres (2004) acompaña tal razonamiento:

“Así como Europa partió siempre del presupuesto de la superioridad de su cultura, nosotros partimos del presupuesto de la insuficiencia de la nuestra, y quisimos suplir ese hipotético vacío con reverencias, con miradas extrañadas, exotistas, como si fuéramos viajeros europeos de paso y no nativos de este suelo” (páginas 240 y 241).

La narrativa latinoamericana a partir del Boom, llamémosle así o no, ha acertado en el reconocimiento del mal diagnosticado antes por Colombres. Asimismo, en la cura posible de la enfermedad: la creación del antivirus partiendo de la constitución misma del virus, de la epidemia. Revisar lo mejor del aporte europeo, reconstruir nuestra cultura propia y ser amos y señores de nuestro espíritu mestizo, heterogéneo y escurridizo. En el ejercicio, si se quiere, libertario y paradójico de la ciudadanía latinoamericana; desterrando los extremos que conducen a la villanía y al modo de vida servil: ¡Ni la globalización ni el realismo socialista que uniforman y mutilan el pensamiento y las pasiones!

Maracay, diciembre de 2005.

REFERENCIAS BIBLIOGRÁFICAS.

Colombres, Adolfo (2004). América como Civilización Emergente. Buenos Aires: Editorial Sudamericana.
Cortázar, Julio (1980). El Perseguidor y otros relatos. Barcelona (España): Bruguera.
García Márquez, Gabriel (1984). Cien Años de Soledad. Bogotá: Oveja Negra.
Pulido, José (1982). Lo confieso: tengo momentos de desánimo (Entrevista a Julio Cortázar). En Diario El Nacional, Caracas, 16 de marzo de 1992, p. C-16.
Rodríguez Monegal, Emir (1977). El Arte de Narrar. Caracas: Monte Ávila.
Tola de Habich, Fernando y Grieve, Patricia (1971). Los Españoles y el Boom. Caracas: Tiempo Nuevo.

ACERCAMIENTO A LA POESÍA DE MIGUEL HERNÁNDEZ, SÁBADO 22 DE OCTUBRE DE 2011, 2 PM, LIBRERÍAS DEL SUR, PLAZA BOLÍVAR, CARACAS

2011-10-20T17:47:00.000-07:00

HE AQUÍ ESTA CORDIAL INVITACIÓN:

Acercamiento a la poesía
de Miguel Hernández

Ponentes: Luis Alberto Angulo y José Carlos De Nóbrega

y Recital poético

Sábado, 22 de octubre de 2011, 2pm.
Lugar: Librería del Sur, Plaza Bolívar.
Caracas Venezuela.

LUIS BUÑUEL O LA ENTOMOLOGÍA SALVAJE (2/2). José Carlos De Nóbrega

2011-10-08T06:11:00.000-07:00

LUIS BUÑUEL O LA ENTOMOLOGÍA SALVAJE
José Carlos De Nóbrega

3.- Una de las encuestas surrealistas más célebres comenzaba con esta pregunta: ‘¿Qué esperanza pone usted en el amor?’ Buñuel, que era uno de los encuestados, respondía: ‘Si amo, toda la esperanza; si no amo, ninguna.’ Carlos Barbáchano. Por supuesto, el aforismo o la cita se refiere a L’amour fou, esto es el Amor Loco en tanto revolucionario punto cenital que abrasará no sólo a los amantes, sino especialmente a la sociedad burguesa que los reprime incansablemente. Los alaridos placenteros de Lya Lys y el rostro convulso y sangrante de Gaston Modot, en el marco del poema surrealista que es La Edad de Oro, se contraponen salvajemente al amor mediatizado y cosificado por el entramado de la cultura burguesa y católica (de este último valga una muestra: el cura glotón del film Él, 1952, sublima su noción al decir que este pollo está muy rico). Si bien San Pablo privilegia el amor muy por encima de la fe y la esperanza (para muchos, su error consistió en que le dio piso a la institucionalidad católica con sus Papas cabeza de pescado y sus salas de tortura), Buñuel le da una gran vuelta al alicate que nos aprieta el cuero: La caridad cristiana ni siquiera es un sucedáneo ilusorio del amor al prójimo, por el contrario, constituye un eufemismo grotesco del más ortodoxo individualismo (que, por supuesto, se traduce en la superioridad moral); de allí el fracaso existencial de Viridiana, Nazarín o Francisco, personajes harto atribulados que transitan el irregular camino de bachacos que se balancea entre la tragedia y la ópera bufa. En Nazarín, observamos que Beatriz no supera la sumisión al machista El Pinto: se dio cuenta, a instancia de la madre castradora, que había sustituido el amor alienado al maltratador por el “piadoso” amor devoto –carnal e histérico también- al cándido cura descalzo. Sólo el enano Ujo persiste en su amor denodado a la fea y publicana Andara. Paradójicamente, Archibaldo de la Cruz –entre la santidad y la abyección- tiene un final sospechosamente feliz: Va del brazo de la hermosísima Lavinia (encarnada por la sensual Miroslava Stern, quien se suicidaría días después de finalizado el rodaje de Ensayo de un Crimen de 1955), pues se le exculpó de sus crímenes del pensamiento y la ensoñación compulsiva. Nos hallamos ante la gratificación que significa la imaginación en estado de erupción amorosa, sin importar las víctimas propiciatorias o sustitutas que nos provee el arte (en el caso de Archibaldo, tenemos la cremación del maniquí que recrea la brutal belleza de Lavinia). Siguiendo al poeta Benjamín Peret, nuestro mundo “hostil al amor y a toda libertad real”, se muerde a sí mismo al separar contranatura el espíritu y la carne, sádica fuente primaria del malestar humano.

4.- Soy el pichón de cóndor desplumado / por latino arcabuz; / y a flor de humanidad floto en los Andes, / como un perenne Lázaro de luz. César Vallejo. Por supuesto, un entomólogo moral como Buñuel nos muestra –muy complacido- su bestiario particular a lo largo de su obra fílmica. Independientemente de quién lo soñó o lo dibujó (Buñuel, Dalí o Pepín Bello), la imagen de los dos burros muertos que se descomponen sobre el piano como eslabón de un rosario traumático (integrado también por un par de seminaristas, un corcho y un melón) que arrastra el protagonista, nos impacta, asquea y maravilla en una escena insoslayable de Un Perro Andaluz. La cultura burguesa es un pesado fardo que nos entorpece el acceso a ese estado de total empatía llamado Amor Loco. En otra escena de la misma película, el hombre enmudece y la palabra se convierte en erizo parido por la lampiña axila de la mujer. A tal respecto, Carlos Barbáchano es categórico en su apropiación de la vida y obra de Luis Buñuel: “Animales y personas conviven bajo los mismos techos, hasta confundirse igualmente. Ambos comparten la misma naturaleza; beben y defecan en las mismas aguas”. En La Edad de Oro, la protagonista espanta a una vaca que hasta entonces dormía plácidamente en una cama de lujo. Se trata de la composición de una fábula negra, sin moraleja ni contenidos edificantes, que desdice nuestra condición humana. En otras palabras, la interacción de bestias y seres humanos implica un intercambio de roles; en nuestro caso, somos víctimas de una metamorfosis licantrópica a la inversa (el hombre como depredador de sí mismo, más allá del instinto, enfermizamente apegado a las relaciones de dominio). He aquí la desengañada fluencia surreal en la poesía de César Moro: “Serás un volcán minúsculo más bello que tres perros sedientos haciéndose reverencias y recomendaciones sobre la manera de hacer crecer el trigo en pianos fuera de uso”. No podemos olvidar el sueño de Pedro en Los Olvidados: La gallina le obsequia al niño un solazador augurio que lo reconcilie con su madre, la cual matará su hambre con sendos filetes; sin embargo, el Jaibo –agazapado debajo del camastro- le frustra el festín cual gallinazo desvergonzado. En El Ángel Exterminador, los burgueses no pueden traspasar su prisión edificada en prejuicios y supersticiones de clase; paradójicamente, los corderos se pasean impunes por toda la mansión, sólo que van en dirección al reducido matadero ocupado por una turba hambrienta y perversa. Definitivamente, el Diablo hecho mujer patea el culo piadoso de San Simeón el estilita, muy a pesar de ser siervo de Dios.

Valencia, 6 de agosto de 2011.

LUIS BUÑUEL O LA ENTOMOLOGÍA SALVAJE (1/2). José Carlos De Nóbrega

2011-09-30T04:50:00.000-07:00

LUIS BUÑUEL O LA ENTOMOLOGÍA SALVAJE (1/2)
José Carlos De Nóbrega

1.- Su legado espera y su revisión no hace sino encontrar a uno de los cineastas más auténticos y más sinceros de ese arte séptimo, que a través de sus ojos fue un magnífico intento por atravesar los mundos construidos a fuerza de no reconocer lo que está sucediendo. Marisol Pradas. Más allá de su militancia en el surrealismo (movimiento estético post-romántico que, al igual que el Modernismo dariano, fue agotado por pésimos imitadores), amén del banal intento por explicar su obra cinematográfica en función de una consideración reduccionista de su biografía, Don Luis Buñuel Portolés (22/2/1900-29/7/1983) nos sigue seduciendo e inquietando en su rigurosa y descarnada visión del mundo. Muy pocos han sido capaces de estudiar, diseccionar y derruir los fundamentos equívocos de la sociedad burguesa. No sólo hay una lectura anarquista del mundo que le tocó vivir, la cual no descansa a su vez en los meros referentes (Sade, Goya, Gómez de la Serna o Pérez Galdós), sino también la configuración de un discurso artístico, político y ético que está enraizado en su periplo vital (estridente como los tambores de su Calanda natal que aún retumban en los oídos de Nazarín o en los locos amantes de “La Edad de Oro”). Este artista no escatima detalles que evidencian las contradicciones que marcaron su vida entera: el conservadurismo como estilo de vida en contraposición al espíritu libertario; las obsesiones que involucraban el fetichismo católico muy español, además de tabúes y perversiones sexuales que –según él mismo- tocaban su morbosa curiosidad intelectual pero no su práctica cotidiana; la austeridad discursiva no en balde su profusa e incendiaria imaginación (equiparable, si se quiere, a “Historia del Ojo” de Georges Bataille). No olvidemos la disciplina y la eficiencia en el oficio de rodar, montar y producir películas, rasgo que va a contracorriente –sólo en las mentes desprevenidas- de un desbordado vuelo imaginativo. Si bien hay irregularidades en su obra fílmica (nos encanta el período mexicano más que su segunda etapa francesa), Luis Buñuel es un clásico en todo el sentido de la palabra: Cada vez que le releemos, nos gusta más y nos hace mucho más cómplices de su campaña rebelde y anarquista sin concesiones de ningún tipo (ni estéticas, ni políticas, mucho menos crematísticas). La colmena que es nuestro mundo continúa a merced de su mirada entomológica, salvaje y caníbal.

2.- Buñuel es un moralista y protesta contra el racionalista: como el puritano, intenta aplicar las normas de la moral a todo impulso y sentimiento del hombre. Raymond Durgnat. En su biografía “Luis Buñuel”, este crítico anglosajón hace una interesante aproximación no exenta de contradicciones internas: Plantea que Buñuel es un exponente moralista –suponemos que en la tradición de moralistas españoles como Gracián, Quevedo e incluso Ignacio de Loyola- del “cine de tesis”, lo cual ha sido desmentido por el mismo autor cinematográfico en los siguientes términos “es absurdo fijar un problema a priori e intentar demostrar algo en una película”. Creemos que Drugnat, titubeando y dándose de coces con el aguijón, se topa con la respuesta: “Buñuel se expresa a sí mismo, no en el sentido de hacer manifiestos, sino en el sentido de vivir experiencias con nosotros”. He allí el espíritu de la comuna inmerso en lo más esencial de su filmografía. El ojo entomológico es el hilo conductor que nos permite compartir una contemplación cruda de nuestra sociedad: Entre otras cosas, Buñuel apela a la transición discursiva que parte del cine documental para desembocar en el de ficción (por ejemplo, tenemos el inicio de La Edad de Oro de 1930 que se refiere a un aparente tratamiento positivista de la vida de los escorpiones, o el arranque documental de Los Olvidados de 1950 que expone la marginalización de una significativa mayoría infantil y juvenil a la sombra del mítico progreso de las grandes urbes occidentales). Tenemos también la exposición despiadada de la decadente cultura burguesa, esta vez en el laboratorio ácido y objetivista de las situaciones extremas: Trátese de los burgueses apresados en el gran salón –luego, al final, en la nave central de la Catedral- de El Ángel Exterminador (1962); o de otros burgueses que infructuosamente logran disfrutar una cena en El discreto encanto de la burguesía (1972), tiroteados en la modorra por terroristas o expuesta su precariedad mientras caminan sin rumbo en una carretera rural sin fin (en la intermitencia que comprende la ensoñación impía y la realidad escurridiza). La crítica es contundente también respecto al lumpen-proletariado: Recuérdese la orgía desagradecida e inmoral de los mendigos en Viridiana (1961) que parodia La Última Cena de Da Vinci; o el trato envilecedor y depredador que se tributan entre sí el Jaibo, Pedro y su madre, Ojitos y el ciego en la barriada de Los Olvidados, pues son víctimas y victimarios que reproducen las relaciones de poder auspiciadas por el sistema capitalista. Desconfiamos con Buñuel, en un acto rebelde e hiperrealista, de la bondad innata que Rousseau le atribuye a la humanidad.

RICARDO PIGLIA O EL DESMONTAJE DEL CANON POLICIAL. José Carlos De Nóbrega

2011-09-23T06:37:00.000-07:00

RICARDO PIGLIA O EL DESMONTAJE DEL CANON POLICIAL
José Carlos De Nóbrega

En los países de América Latina, la afiliación al género viene, pues, por imitación, dado que la presencia de un detective, secreto, privado u oficial, no inspira la confianza ni atrae la atención colectiva, como ocurre del otro lado del Atlántico. Es más bien al investigador europeo a quien admira. Ilán Stavans: Breviario de literatura policial en América Latina (1990).

Siguiendo este argumento de Stavans, el escritor latinoamericano se comporta como la tiña o la parasitaria a la hora de buscarse a sí mismo: se adhiere compulsivamente al antecedente foráneo del mal llamado primer mundo, chupa su savia y se desquicia secándolo sin misericordia. Claro, se puede fracasar como hijo lamesuelas e hijo pródigo, o lograr el cometido parricida yendo a contracorriente. La historia del género policial en América Latina apunta en ambos sentidos: la pésima imitación que se precia ser fiel al canon (Cuatro Crímenes, Cuatro Poderes de Mármol León) o la revisita que supone su creativa superación (Castigo Divino de Sergio Ramírez). Nos complace la lectura de la novela Blanco Nocturno (2010) de Ricardo Piglia, la más reciente acreedora del Premio Rómulo Gallegos, no sólo a raíz de sus propias virtudes (que comentaremos más adelante), sino también porque nos remite –y acompaña- a otras piezas maestras del relato policial latinoamericano: Seis problemas para Don Isidro Parodi (1942) de Jorge Luis Borges y Adolfo Bioy Casares –con el pseudónimo de Honorio Bustos Domecq-, remedo inquisitivo en torno al habla popular y culterana argentina; los cuentos Continuidad de los parques y Las babas del diablo de Julio Cortázar, La muerte y la brújula y El Acercamiento a Almotásim de Borges, El perjurio de la nieve de Bioy Casares; y las novelas El Túnel de Ernesto Sábato, Crónica de una muerte anunciada (1981) de Gabriel García Márquez, Abril Rojo (2006) de Santiago Roncagliolo y la antes citada Castigo Divino de Ramírez (1988). Valga esta enumeración, pues nuestra narrativa mestiza excede el discurso académico, mediático y mercadotécnico que provoca la salvación ansiosa de lectores desprevenidos ante su cacareada rigidez fascinante.

En Blanco Nocturno, Piglia desmonta sin estridencia ni artificios el canon del relato policial heredado de Poe, Conan Doyle, Hammett y Chandler: se recompone el género en una suerte de sentimientos encontrados que transita de la devoción a la repulsión. No importa el mero esclarecimiento del enigma –en este caso, el asesinato de Tony Durán-, ni tomar la intrigante trama como pretexto expresivo –sea el lenguaje refinado, un vehículo apolíneo de la lógica o soez en la usanza de la novela negra o hard-boiled de Hammett y Cain. Se trata de una apropiación crítica, humanística y ontológica del entorno que seduce y perturba al autor: Porque los géneros populares, como la ciencia ficción y el policial, han sido muy críticos del capitalismo, de su funcionamiento: el policial y la ciencia ficción, con toda su mirada lúcida acerca de los instrumentos de renovación técnica, se van reduciendo con el aumento de la producción mercantil y no por su propio uso, arguye Piglia. Importa, pues, develar la envilecedora estructura del poder rural en una localidad de la Provincia de Buenos Aires, con sus estancieros, comerciantes y funcionarios corrompidos. En especial, cuando los argentinos eran asaltados por la incertidumbre que traía consigo el retorno de Perón al país en 1972 (se respira una atmósfera lánguida que prefigura el principio del fin: la caída del caudillo y el predatorio imperio de los milicos). La conciencia histórica no involucionará en la propaganda ideológica, por el contrario, asimilará la búsqueda interior de los personajes y la problematización de la escurridiza categoría que es la verdad: Todo el pueblo colaboraba en ajustar y mejorar las versiones (…) No había hechos nuevos, sólo otras interpretaciones (p. 53). La multiplicidad de los puntos de vista, no oscurecerá la trama artificialmente en pos del efectismo o el suspenso; la manipulación del lector no es el lúdico recorrido de un laberinto a lo Hitchcock, sino un dramático viaje alucinante a nuestro corazón de las tinieblas, paradójico y caníbal, susceptible a la épica ascendente del ser o a la más abyecta de las derrotas. La densa humanidad de esta obra es equiparable al Rashomon de Akira Kurosawa, amén de la brillante estrategia narrativa –polifónica por demás-: La verdad oscila en el baile de máscaras que atenúa nuestra mísera fragilidad.

La muerte de Tony Durán y el libidinoso vínculo de este mulato con las gemelas Belladona, Ada y Sofía, afectará inevitablemente a todo el pueblo: condiciona la pesquisa solitaria del comisario Croce, al punto arrebatarlo de las calles “piojosas” de Adrogué y confinarlo en el mausoleo que representa todo Hospital Psiquiátrico (implacable es el brazo del Poder, personificado en el aura nazarena y tenebrosa del fiscal Cueto); revierte la estadía del periodista Emilio Renzi, héroe sempiterno de la ficción paranoica de Piglia, al investirlo cómplice de Croce en la resolución del misterio, no en balde incendiar la cama de la subyugante Sofía Belladona; acorrala la obstinada empresa idealista de Luca Belladona, dejándola a merced de los desencuentros familiares, los complots políticos y la competencia desleal de los capitalistas (si revisamos la descripción de la fábrica, páginas 255-257, la alusión al Aleph de Borges y a la maquinaria moreliana de Bioy Casares es evidente y maravillosa; por otra parte, tenemos el film Tucker de Ford Coppola, una balada en clave de jazz big band sobre las causas perdidas). Como corresponde a la impunidad promovida por nuestros tribunales, el sistema provee un perfecto chivo expiatorio: Yoshio Dazai, el Nikkei o argentino de origen japonés, a quien se atribuyó el crimen por motivo pasional con piquete homosexual. Es oportuno citar a Joseph de Maistre, misionero del pensamiento reaccionario: No existe nada tan justo, docto e incorruptible como los grandes tribunales españoles, y si a ese carácter general añadimos el del sacerdocio católico, nos convenceremos, sin ninguna necesidad de pruebas, de que no puede haber en el universo nada más tranquilo, circunspecto y humano por naturaleza que el tribunal de la Inquisición. Embadurnados de rituales y misterios que recrean la conservación patológica del Poder, el sacerdocio, la fuerza armada y el ejercicio político vertical integran una misma secta que aún oprime a los hombres.

El ensamblaje de la aparente trama policial, de índole compleja e intertextual, no desentona con la inmediatez y transparencia del lenguaje. La historia se desarrolla en tres instancias: El relato policíaco como tal, rumiado en letras standard; la conversación amorosa (o novela sentimental) que confronta a Emilio y Sofía Belladona, entonces el reportaje periodístico y la sobredosis erótica se emparentan en cursivas; y las notas al pie de página que establecen la encrucijada transgenérica del texto confesional, la observación sociológica, la estampa paisajística o la miscelánea de equívoco sesgo ornamental. Por supuesto, la antípoda campo-ciudad, tema típico de la literatura argentina, cobra un relieve inusual y personal que entraña móviles sociopolíticos, poéticos y autobiográficos. El desmontaje del canon policial, independientemente de las referencias al cine y a la novela negra ex profeso, es un pretexto para empujar al lector a padecer el intervalo que comprende la muerte de Perón, la dictadura militar de los Videla y Galtieri y la espantosa Guerra de Las Malvinas (acierta dolorosamente Piglia, Blanco Nocturno deviene en una novela postrera o profética que nos conduce a las tinieblas, sin advertencia previa, en el presente ficcional). Rosa Echeverry, custodia de la historia del pueblo –comprimida en el archivo municipal-, lo vislumbra impávida: La historia política argentina se movía a ras de tierra, mientras los acontecimientos pasaban por arriba como una bandada de golondrinas que emigraban en invierno, y los habitantes del pueblo representaban y repetían sin saberlo viejas historias. Ahora estaba ese litigio por la empresa de Luca y la muerte de Tony parecía conectada con la fábrica abandonada (páginas 189-190). A tal respecto, se nos vienen a la cabeza dos obras de nuestro más entusiasta contentamiento: la película Un lugar en el mundo (1991) de Adolfo Aristarain, la cual mixtura los géneros del Western y el cine político para ofrecernos la copa agria del exilio en la pampa; y El Acercamiento a Almotásim de Jorge Luis Borges, texto camaleónico que involucra la reseña bibliográfica, el relato policial, la novela de formación y el discurso místico.

Es gratificante la lectura del capítulo 9, páginas 137-148, pues el viejo Luna (en retrospectiva) y el comisario Croce (en el presente novelado) conversan con Renzi, para proponer un ars poética del género policial. Desde la sigilosa y relativa heroicidad del comisario de policía (Son los especialistas del mal, los encargados de que los idiotas duerman tranquilos, le hacen el trabajo sucio a las bellas almas. Se mueven entre la ley y el crimen, vuelan a media altura), salpicada de referencias cruzadas a Patricia Highsmith y G.K.Chesterton; incluyendo una consideración existencialista del asesinato que nos retrotrae a Camus y a De Quincey (Si la muerte no fue intencional, no fue un asesinato. Por lo tanto hace falta una decisión y un motivo. No sólo una causa, un motivo. –Se detuvo-. Por eso el crimen puro es escaso). Creemos que el asesinato urge también de una visión del mundo, cerebral y visceral, dispuesta a colisionar con la realidad circundante. Pero, solidarios con Joaquín Sabina, tan sólo admitiríamos o concebiríamos el asesinato de móvil pasional. No podemos obviar la mirada inquisitiva del detective en la aprehensión de los hechos, esto es la comunión con la Verdad: Todo es según lo que sabemos antes de ver. –Renzi no entendía hacia dónde apuntaba el comisario-. Vemos las cosas según como las interpretamos. Más adelante, Croce es lapidario en el comentario: Comprender –dijo cuando salió de ahí- no es descubrir hechos, ni extraer inferencias lógicas, ni menos todavía construir teorías, es sólo adoptar el punto de vista adecuado para percibir la realidad. La implicatura transformadora de una realidad impuesta y, por ende, no deseada, se apoya entonces en la multiplicidad de las lecturas. De lo contrario, la colonia de los hombres resbaladizos nos impondrá un misterio inquebrantable, sin más alternativa que la simulación de un espejismo perpetuo e insoluble.

Nos condolemos del alma atormentada por una lluvia hipócrita, tal es el reporte inserto en estos dos tercetos de Rafael José Muñoz: Cae la furia al revés y al derecho / y mi ojo, que no sale de su pecho, / continúa robándome raíces. // Y es que esta lluvia de hoy, esta plenaria / del invierno, esta lluvia campanaria, / logró que se fugaran mis perdices.
Esta magnífica novela no pretende dar respuesta definitiva a Poncio Pilatos, por lo pronto nos invita a subvertir un orden de cosas mustio, eso sí, a través del ejercicio dialógico y comunitario de la lectura, esta forma apetitosa del pensamiento.

En Valencia de San Desiderio, sábado 10 de septiembre de 2011.

4000 METROS, UNA EXPOSICIÓN FOTOGRÁFICA DE MIGUEL ANGULO. Galería del Instituto Docente de Urología, Valencia, 15 de septiembre - 10 de octubre 2011

2011-09-07T07:42:00.000-07:00

El Grupo Li Po y el Grupo Literario Enriqueta Arvelo Larriva les invitan a la inauguración de la Exposición Fotográfica "4000 metros" de Miguel Angulo, la cual se realizará en la Galería del Instituto Docente de Urología, Mezzanina 2, ubicada en la Urbanización La Viña, el jueves 15 de septiembre de 2011 a las 8 pm. La muestra consta de 18 fotografías que registran el paisaje andino a más de 4000 metros sobre el nivel del mar.

BESTIARIO Y ENSOÑACIÓN DE RICHARD CAMACHO. José Carlos De Nóbrega

2011-09-01T18:02:00.000-07:00

BESTIARIO Y ENSOÑACIÓN DE RICHARD CAMACHO
José Carlos De Nóbrega
Tigre, tigre, que te enciendes en luz
por los bosques de la noche
¿qué mano inmortal, qué ojo
osó idear tu terrible simetría?

William Blake.

El Bestiario, en cuanto a las Artes incumbe, implica simultáneamente un género creativo y una visión salvaje de la humanidad: Por ejemplo, las fábulas de Esopo no descansan tan sólo en la moraleja final, sino también en la percepción sociológica que trae consigo la crítica abierta o enmascarada en la ironía. El poema L de Trilce (1922) nos exhibe sin piedad –palabra dura ésta de César Vallejo- la analogía de Cancerbero con un viejo y obstinado carcelero: El CANCERBERO cuatro veces / al día maneja su candado, abriéndonos / cerrándonos los esternones, en guiños / que entendemos perfectamente. Nuestra Enriqueta Arvelo Larriva, en una alusión intertextual a Blake, transfigura su asombro en interrogante ontológica: VENADO: Ayer lo vi pasar en suelta fuga, / como seguido de lebreles ágiles. / ¿Qué ojo le estudia su volar de flecha? / Ciega, silbando, el vértigo salvaje. ¿A quién no conmueven las escenas culminantes del film Kagemusha de Akira Kurosawa, óleo en movimiento de caballos y jinetes que agonizan al final de la batalla? La inconfundible guitarra de Brian May simula el maullido y el ronroneo de Delilah, la gata traviesa que juega con el arlequín que es aún Freddy Mercury (Innuendo, 1991, última entrega discográfica de Queen en estudio). Nos rendimos a la luminosa belleza de Cecilia Gallerani retratada por Da Vinci: no obstante la oscuridad del fondo que había engullido la puerta que acechaba su hombro izquierdo, tenemos el armiño ataviado de invierno en su regazo, sucedáneo emblemático de su amante –Ludovico Sforza- que la nombra y la acompaña en el sereno giro amoroso de la cabeza. La humanización, la analogía, la transfiguración intertextual, la simulación y la ilusión estética son algunas de las aristas posibles en la configuración del bestiario de cada quien. La bestia todavía recorre nuestra casa impunemente, muy a pesar de los usos o hábitos civilizatorios.

Animales de Niebla de Richard Camacho es una propuesta plástica que nos reconcilia con una fauna estampada entre lo fantástico y lo cotidiano. Son veintiún piezas (dieciséis cuadros y cinco dibujos) que alternan o, mejor aún, escenifican el diálogo festivo y nostálgico del color y la luz. En la mayoría de los cuadros, observamos la presencia fundamental de la línea del horizonte, la cual dispone la composición plástica en tres instancias: el cielo, la fauna interiorizada y la tierra (¿purgatorio e infierno?). Pájaro frutero II (2009), primer eslabón de la muestra, nos presenta un tordito intervenido que alude a Horus, el halcón que encarna el Dios Sol egipcio: Su figura se impone a una ciudad que brilla a la distancia, mientras se enseñorea de un Edén boscoso y azul con patillas regadas por doquier. Alejandro García Malpica, en el texto de presentación de esta exposición que clausuramos hoy, da con la figura en la alfombra: Así la alegoría dice una cosa para hacer comprender otra. Camacho apuesta por sugerir lecturas múltiples del lienzo y el papel que exceden, por supuesto, un confortable discurso ecologista. Sin Título (2010), acrílico sobre tela, plasma un pavo real con la cola recogida: En este caso asume la misma posición y actitud del tordito frutero, la figura central se recorta contra el paisaje trino (una noche de tormenta en la que los árboles se inclinan a la izquierda –al igual que la mirada perfilada del tordito y el pavo-; un río púrpura y espumoso al medio, frontera natural que accede a otro bosque calmado y brillante que dignifica la terredad ocre). Por cierto, la curaduría no es caprichosa ni irresponsable, pues ambos cuadros poseen un vínculo discursivo y diagonal (no sólo en lo espacial, sino también en lo intertextual): Se trata entonces de contraponer el bestiario personal con el inhóspito entorno urbano y sus jaulas de cristal y vil mampostería. A través de la figuración zoomórfica, la propuesta pictórica apunta al desmontaje del paradigma civilizatorio occidental –depredador inmisericorde sin igual- y a la edificación consecuente de una utopía que nos reconcilie con la naturaleza y una ciudadanía adscrita a la imaginación amorosa y solidaria. El Jardín de las Delicias se encuentra a un palmo de nuestras narices atrofiadas. Pedro Téllez nos ubica su bestiario sin efectismo alguno: Los animales vinieron con el silencio. Vinieron del frente, y no pasan de mi casa, y yo estoy en el límite, mitad y mitad. En la noche soy más de la parte de adelante, de la selva. En las mañanas bien temprano salgo por la puerta del patio trasero a la ciudad. Hasta que vuelvo con la noche: Los cocuyos (…) alumbran el final del camino, otro camino plagado de culebras imaginarias. Hurguen en el jardín o el peladero de chivo con el que topamos al frente: posiblemente se identificarán y contristarán con las hormigas, los sapos, los murciélagos, los perros vikingos o las ratas del bestiario adyacente. Es pertinente la imitación poética de San Francisco de Asís o nuestra paródica autoflagelación expiatoria: A San Roque y a su perro / los conozco desde lejos: / al perro por lo sarnoso / y al santo por lo pendejo. Valga esta impenitente cita de Miguel Otero Silva.

No podrían faltar dos excelentes cuadros que abordan al gallo, ave recreada en los evangelios, la pintura y la poesía de todos los tiempos. Gallo con herida (2010), óleo sobre tela, es un díptico que parte verticalmente en dos la figura central en un afán transgresor o, festivamente aún, juguetón: la carnavalización del muro que separa y cosifica lo figurativo y lo abstracto. La vivacidad transparente de la composición se halla anegada por una afortunada lluvia de colores y objetos, caos desparramado que conduce a una simpática relectura del género del Bodegón; el gallo diurno, salpicado de filamentos variopintos, está suspendido sobre una nocturna hondonada que remeda un pedestal. Nos empecinamos en no reconocer que lo acariciado (o lo golpeado) a ras de piso, acarrea el cielo despejado (o atormentado). Sigamos al poeta brasileño Ferreira Gullar: Se ve: el canto es inútil. / El gallo permanece –pese / a todo su porte marcial- / solo, desamparado, / en un patio del mundo. Gallo con Horizonte (2008), óleo sobre tela, se nos antoja una referencia –por partida doble- a la leyenda del Gallo de Barcelos: comestible-religiosa (recordemos que el gallo cocido se levanta del plato y con su canto salva a un peregrino gallego), y objetual-utilitaria (¿no han poseído alguna vez un gallito plástico y gamusado que cambia de color cuando sube o baja la temperatura?). Este gallo rojo, rodeado de copas y acechado por colores primigenios, significa una invitación golosa al disfrute sensual de un mundo tocable.

Apuntes de la condición humana, grafito sobre papel, consta de cinco dibujos que configuran una metáfora desilusionada de la humanidad: No en balde la sencillez y honestidad del trazo, presenciamos a un cuervo y a una oca devorándose con impune naturalidad; la apología invertida a los códigos moralistas –vengan de donde vengan-, representada por un ave negra y surrealista seguida de su sombra blanca (al mismo tiempo es un extraño pájaro buchón de patas estiradas con dirección al subsuelo); u otros dos pájaros tragando a otros, los picos hacia arriba, que al punto se convierten en dos floreros corrientes. La violencia contra el Otro y el fetichismo forman parte de nuestra cotidianidad, sin que reparemos en tan destructivas costumbres: Las aves estuvieron rondando toda la noche, buscando entre la hierba los últimos restos de carne humana (claro, Wilfredo Machado se refiere a la gentepájaro).

Finalmente, no podemos obviar otros cuadros de nuestra compulsiva predilección: Puente del Amarillo (2008), Dos mujeres (2009), Siyi Sigila (2010), Gato de Amarillo (2002) y Suceso de Invierno (2006). Se suceden imágenes multicolores enclavadas en el contingente territorio de los sueños: puentes y barcos que copulan con la selva verde y solar; mujeres (¿chiniguas o ficheras?) que se queman el gaznate y el alma con aguardiente barato y, en especial, aquellos versos de Pérez Só dedicados a la silla y a las Vistas del caballo; la lúdica pose de un gato amarillo y un pájaro de juguete parados sobre dos taburetes, como si fuese una añeja representación circense; el tapete que guarda a un animal (¿un zorro?, ¿un caballo?) seccionado por líneas de cal; o la noche cerrada que proyectan cuatro gatos sobre la urbe, a pesar de esas chispas de luz o fuegos fatuos voladores. Mucho agradecerá el espectador esta imaginería cargada de poesía, ternura y parodia. La niebla no atenúa el esplendoroso bestiario interior, nos extravía en nuestra paradójica y maravillosa condición.

En Valencia de San Simeón el estilita, sábado 3 de septiembre de 2011.

ENRIQUETA ARVELO LARRIVA CUMPLE 125 AÑOS MENOS SOLA. José Carlos De Nóbrega

2011-08-25T14:30:00.000-07:00

ENRIQUETA ARVELO LARRIVA CUMPLE 125 AÑOS MENOS SOLA
José Carlos De Nóbrega

“El paisaje interior” relaciona a Enriqueta Arvelo Larriva con una tradición de cultura nacional, no la recibida de Europa, que mira el entorno como expresión misma del hombre que lo vive (…) El paisaje vive en el protagonista, se desplaza con él, lo representa en su macrocosmos. Reynaldo Pérez Só: Seis décadas de poesía venezolana (Bosquejo, 1994).

Valencia, a pesar de su reincidencia en la amnesia política y cultural, ha abrigado si se quiere a tres amigos de la poeta barinesa Enriqueta Arvelo Larriva (Barinitas, 1886-Caracas, 1962): Marisol Pradas, Luis Alberto Angulo y Reynaldo Pérez Só, los cuales dedicaron trabajos ensayísticos y campañas divulgativas de su obra poética. Si bien, la ciudad está en deuda con poetas del patio tales como Vicente Gerbasi y, en especial, Teófilo Tortolero, tuvimos acceso a diversas y concretas manifestaciones de afecto y fervor por Enriqueta: Poesías (1976), antología poética a cargo de Reynaldo Pérez Só, y Testimonios (1980), material hemerográfico y epistolar seleccionado por Carmen Manarino, ambos títulos publicados por el Departamento de Literatura de la Dirección de Cultura de la Universidad de Carabobo; el ensayo de Marisol titulado Enriqueta Arvelo Larriva: voz del llano trashumante, el cual fue publicado en la revista “Laberinto de Papel” (año 2, nº 1, noviembre 2003, páginas 38-45); y recientemente haber escuchado y leído un magnífico ensayo inédito de Luis Alberto que reivindica el lugar especial de su obra en nuestro panorama poético contemporáneo. Por supuesto, tenemos también la consideración que hace Reynaldo en torno a su poesía, patente tanto en el Bosquejo antes citado como en la selección de seis textos poéticos que integran la muestra venezolana de las seis primeras décadas del siglo XX. Como podemos ver, la poesía y la silenciosa personalidad de Enriqueta Arvelo Larriva ha sido celebrada en Valencia desde hace muchos años. Hoy (sábado 26 de marzo) nos proponemos compartir con ustedes la celebración –postdatada, por cierto- de su cumpleaños 125, pues la fiesta se inició en Barinitas el pasado 22 de marzo de 2011. Vamos a disfrutar de una conversación fresca y sentida sobre su obra poética, periodística y ensayística. Toda ella amable y responsable, eso sí, el vital compromiso de la voz se afinca en la transparencia e inmediatez del Decir.

La obra poética de Enriqueta comprende los siguientes títulos: La Voz Aislada (1939), El Cristal Nervioso (1941), Poemas de una Pena (1942), Canto del Recuento (Homenaje a Alfredo Arvelo Larriva, 1949), Mandato del Canto (1957) y Poemas Perseverantes (1963). En 1987, bajo la curaduría de Carmen Mannarino, la Fundación para la Cultura del estado Barinas publicó su Obra poética y Prosa en dos tomos. Siempre recordaremos este par de versos, muy cercanos al mundo de nuestros afectos: Toda la mañana ha hablado el viento / una lengua extraordinaria, los cuales condensan una vocación por interiorizar el paisaje sin servirse de la retórica romántica o post, fuere española o francesa; el poema no se regodea en una apropiación exteriorista del paisaje que lo describa y adjetive hasta el cansancio, por el contrario, constituye un abordaje interior que excede el imperio de la imagen visual que encandila: se lo escucha, se lo aspira a bocanadas, se lo palpa y a la vez nos atrapa en el silencio y la desnudez de la expresión poética. América no amerita de largos cantos, pues puede ser abarcada por los brazos del poema breve: Son tuyos mis ojos, América, / porque repasan con ternura tus gentes / y tus veredas y tus cacharros, / y porque escarban noveleros en las carabelas que llegan. El trasfondo religioso del poema QUÉ ME PASA, nos conduce a una revisión de la parábola de los tres talentos que –a su vez- tritura toda pía y positiva actitud ontológica ante la vida: Me devuelves, tú, el dulce y rico, / lo que di contenta? / Fue alucinación y no he dado nada? Nos llama la atención cómo Enriqueta glosa poemas de Juana de Ibarborou en la diafanidad de la voz, ajena a la retórica decimonónica y al experimentalismo cosmopolita, que se solidariza en la pérdida y la soledad: ¿Que se murió la boca que te sembró de besos? / La siembra no es perdida en tu carne de América. / Si tu fuiste la tierra de un fuerte amor copioso, / continuará tu humus su cálida tarea. Incluso sus poemas con Bolívar –esto sugiere acompañamiento dialógico y no fetichismo de uso para politicastros y otras especies- se centran en la humanidad del personaje y del canto per se: Y podré perdonar a los que enredan tus caminos, / A los que no te buscan espontáneos, / a los que se conforman con tu bronce…Por supuesto, es muy sutil y personal su erotismo, diferente por cierto del tono confesional y directo de María Calcaño, que se desplaza en el paisaje interiorizado o recrea el luminoso objeto del deseo: Me agito curiosa / y a tu sombra, guarda elegante, arriésgame. A tal respecto, Pérez Só nos habla de “retorcimientos de culebras, frutas partidas, pulpas, en la quietud sombría de los ríos de galería o entre los rincones de cuartos antiguos de la soledad de El Llano”.

Es notable la influencia que Enriqueta Arvelo Larriva ejerció en la poesía venezolana de los años setenta del siglo pasado: voces apreciadas por nosotros –algunas de ellas responsables del rescate de su obra poética-, tales como las de Luis Alberto Crespo, Reynaldo Pérez Só, Enrique Mujica y Luis Alberto Angulo, desarrollaron un discurso poético a contracorriente de la poesía de propaganda política o la afiliada a las vanguardias de los sesenta; el poema se despoja de artificios estilísticos y experimentos lingüísticos para trabajar la palabra en el silencio y la contemplación interior (lo cual implica la configuración de un paisaje interiorizado de gran valía y riqueza personal). Toda renovación poética es producto de una consideración crítica de la tradición e, incluso, la revolución de fondo y forma que acarrean las vanguardias.

Revisando Testimonios, observamos que su trabajo ensayístico (en el formato del artículo breve) va a la par de su poesía: la prosa es precisa, limpia y atenta al tema de su consideración, sin que su afán crítico pierda lucidez y consistencia. Hay un tono humorístico amable, que disfruta el lector en una refrescante instancia rayana en la ternura. Este revelador volumen arranca con una Entrevista Imaginaria “concedida” por Enriqueta a Carmen Mannarino, quizá la enriquetóloga más conspicua de nuestro medio. El diálogo no es más que el complemento sensible y cariñoso a la rigurosa labor de la crítica literaria: “Yo era una visitante sonambulesca. Daba pasos dentro de una vivienda conocida a fuerza de indagaciones e intuición, aun cuando franqueada la primera vez”. El material hemerográfico se clasifica en Temas Literarios, Preocupación Nacional, La Provincia y la familia; y las Cartas son nueve, la mayoría dirigidas al escritor Julián Padrón. Enriqueta nos refiere de manera inmediata sus lecturas: Desde su descubrimiento de un muy joven Oswaldo Trejo, cuya lozana y lúdica travesura alteró su apolínea paz lectora; su visión paradójica de Ramos Sucre, a quien considera “natural como un arroyuelo en paz”, justificando su discurso abigarrado en la coherencia y la cohesión que evade la sobrecarga y los excesos del estilo; su orfandad generacional, tal como lo confiesa a Neptalí Noguera Mora respecto a la generación poética del 18, fruto de su modo de vida en soledad y no de un protagonismo extremista; su empatía con el poemario “Las Naves” del también cineasta Jesús Enrique Guédez, que le llevó a afirmar que podía ser el libro que no le fue dado escribir; hasta la gratísima impresión que le dejó Isaac Pardo al referirse a Juan de Castellanos, esto es la placentera conversación múltiple que es el ensayo a expensas de los odios y los amores que despiertan en nosotros una lengua común. En “En torno a un artículo de Otto D’Sola”, expresa su solidaridad con las mujeres poetas omitidas por un discurso machista y convencional: “Si se sigue observando eso de que no se mencione un solo nombre de mujer cuando de nuestros poetas se habla, ello será algo grave para sectores femeninos en fervoroso quehacer de poesía y un fiasco para aquellos escritores que han loado, también con fervor, la obra poética de mujeres venezolanas”. En este último sector nos hallamos nosotros, al punto de conformar el Grupo Literario Enriqueta Arvelo Larriva en tanto comunidad poética abierta para todos los que así lo deseen.

Valgan, como colofón, estas palabras de Marisol Pradas: “Pero además de fusionar lo físico con lo intangible, ella se consagra a los elementos en su forma más pura para darle a esa simplicidad la fuerza necesaria para hacerlos sobrevivir, junto a ella, en esa vasta extensión de tierra que aguarda miles de posibilidades a sus ojos”. Sólo nos resta celebrar su cumpleaños al amparo de su escritura fiel a la transparencia, la sencillez y la austeridad que nos reconcilia con el paisaje configurado en la ausencia del bullicio.

PROGRAMACIÓN GRUPOS LI PO Y ENRIQUETA ARVELO LARRIVA (AGOSTO-SEPTIEMBRE 2011)

2011-08-23T13:47:00.000-07:00

Estimados Amigos: He aquí nuestra programación de eventos correspondiente al período Agosto-Septiembre 2011.

Sábado 27 de agosto: Función de Títeres (El Decamerón) a cargo de Wilman Silva. Lugar: Librerías del Sur Valencia, primer nivel del C.C. Camoruco, Avenida Bolívar Norte. Hora : 10 am.

Sábado 3 de septiembre: Clausura de la exposición "Animales de Niebla" de Richard Camacho. Consistirá en un Conversatorio coordinado por el propio artista, el pintor Libardo Espinel y el ensayista José Carlos De Nóbrega. Lugar: Centro de Artes Vivas Alexis Mujica, frente a la Plaza Bolívar de Valencia. Hora: 11 am.

Sábado 10 de septiembre: Charla sobre la novela "Blanco Nocturno" (acreedora reciente del Premio Rómulo Gallegos) de Ricardo Piglia a cargo del ensayista José Carlos De Nóbrega.Lugar: Librerías del Sur Valencia, primer nivel del C.C. Camoruco, Avenida Bolívar Norte. Hora : 10 am.

Sábado 17 de septiembre: Recital poético de Mirih Berbín y Arnaldo Jiménez. Presentación de los poemarios "Mareas" de Berbín y "Caballo de Escoba" de Jiménez a cargo del escritor José Carlos De Nóbrega. Lugar: Librerías del Sur Valencia, primer nivel del C.C. Camoruco, Avenida Bolívar Norte. Hora : 10 am.

Sábado 24 de septiembre: Conversatorio sobre la obra literaria y fotográfica de Juan Rulfo a cargo de los escritores Oswaldo González y José Carlos De Nóbrega. Lugar: Librerías del Sur Valencia, primer nivel del C.C. Camoruco, Avenida Bolívar Norte. Hora : 10 am.

REEDICIÓN DE UN TEXTO EN HOMENAJE A JOSÉ MARÍA BEOTEGUI

2011-08-12T16:06:00.000-07:00

Estimados Amigos: Lamentamos el fallecimiento de José María Beotegui en Valencia (jueves 11 de agosto de 2011), esposo de la poeta Ana Enriqueta Terán y papá de la también poeta Rosa Francisca Beotegui. El acto velatorio se lleva a cabo en la Funeraria Quo Vadis, avenida Bolívar Norte, detrás de la Torre Exterior. El cortejo fúnebre partirá mañana sábado 13 de agosto de 2011 a las 9 am. Un abrazo solidario para los familiares y amigos de Don José María. ¡Hasta pronto, querido amigo!

He aquí la reedición de un texto en su homenaje (el cual delata que ambos estamos enamorados de la misma mujer):

ENAMORADA (publicado en este espacio el 10 de mayo de 2007)

Ayer de visita en casa de Ana Enriqueta Terán y José María Beotegui, nos referimos a esta foto de nuestra hermosísima poeta con Felipe Herrera Vial. Fue tomada en el Ateneo de Valencia con motivo de la presentación del primer número de Cuadernos Cabriales en junio de 1954. José María nos dijo que ese mismo día la había conocido para quedar enamorado por siempre. Han transcurrido cincuenta y dos años y medio de unión tocada por la generosa fortuna. Si bien el genio es un creador de paradigmas, aforístico José María, los ojos de María Félix que se abren a las guitarras y las voces del trío Calavera en "Enamorada" del Indio Fernández, nos retrotraen la belleza clásica, indómita y deliciosamente persistente de Ana Enriqueta. No sé por qué la ligo emocionado a la canción I'll be your mirror de Lou Reed y Velvet Underground. Secuelas de su apasionada voz recitando en el Auditorio del Centro Eladio Alemán Sucre aquellos imprescindibles versos:

"(...) La niña buena cuenta hasta cien y se retira.
La niña mala cuenta hasta cien y se retira.
La poetisa cuenta hasta cien y se retira."

Aplastando la cabeza mezquina de la deslenguada mapanare que fracasa en herir su calcañar, nos reunimos en el hospitalario patio para enhebrar un texto transgenérico, encuentro de la poesía, el ensayo y la pintura, con el cual José María, Luis Alberto, José Carlos y Vladimir celebren a Ana Enriqueta acicalándose y persignándose en la ceremonia cotidiana y salvífica del poema.

POETERÍAS: POLICÍA LITERARIA. GONZALO FRAGUI

2011-08-12T06:21:00.001-07:00

Poeterías
POLICÍA LITERARIA
Gonzalo Fraguifragui2000@yahoo.com
Ilustración: Cuadro del poeta y pintor surrealista César Moro

Muchos años después, frente al pelotón de fusilamiento, Gabriel García Márquez habría de olvidar la tarde reciente en que los críticos literarios quisieron darle a conocer el hielo de la indiferencia.
Así podría empezar la nueva Historia Universal de la Infamia.
Lo anterior viene a cuento porque en un foro en Mérida sobre Cien años de soledad, un “crítico” dijo que la novela del Gabo, luego de cuarenta años de la publicación, se había quedado en el pasado, y prueba de ello era que él (el crítico, no el pasado) había intentado releerla y no pudo llegar ni al momento en que José Arcadio regresaba a casa, después de haberse ido con los gitanos, con todo el cuerpo bordado en punta de cruz, según la expresión de Úrsula.
Luego vi por internet un comentario sobre Julio Cortázar, según el cual otro “crítico” confiesa que el gran cronopio ya no lo sorprende, al contrario, le aburre, lo adormece, porque Julio y su escritura, con el paso de tiempo, habría “envejecido”. Envejecemos tanto a Julio.
Me doy cuenta entonces que se trata de una moda de los “críticos” de esta época, el “envejecer” obras que, por alguna razón, (generalmente política) hoy no les interesa. Una especie de policía literaria que decide qué se puede leer y que no, profesores universitarios desde sus conucos, los departamentos de literatura, que imponen los temas de las tesis y deciden que el lenguaje de García Márquez está obsoleto, que Cortázar aburre, que Carpentier es baboso, que el Nobel de Neruda fue político, y hasta hacen el “chiste” de amenazar con leerles a los estudiantes un poema de don Andrés Bello si no se portan bien.
Y ahora hasta el CNP venezolano, el gremio con mayor índice de analfabetismo funcional, (lo digo yo como periodista) se ha sumado al coro de las prohibiciones.
Extraña profesión la de los críticos: diseñar cárceles donde los únicos presos son ellos mismos.
Como decía un viejo poeta amigo mío: “Los críticos, en el fondo, son buenos. En el fondo del mar”.

Mucutuy/Edo. Mérida

ROSAE ROSARUM: LA LITURGIA COTIDIANA Y EL DESTIERRO. José Carlos De Nóbrega

2011-08-10T13:25:00.000-07:00

ROSAE ROSARUM: LA LITURGIA COTIDIANA Y EL DESTIERRO

José Carlos De Nóbrega

Desarraigo siempre multiplicado, de la tierra, la lengua y de Dios. Reynaldo Pérez Só.

En el nº 129 (mayo-junio de 2000) de la revista “Poesía”, el cual nos parece el cierre de un importante ciclo evolutivo suyo, Reynaldo Pérez Só publicó un ensayo que aún hoy nos atrapa: “Máscaras y desarraigo”. Sin deponer el cariz crítico y polémico de sus convicciones poéticas, Pérez Só plantea que el enmascaramiento (por vía de heterónimos, cultismos cosmopolitas o apropiación del lenguaje y la cultura local) se configura en el clima del desarraigo o exilio físico o interior, incluso la ocurrencia simultánea de ambos. Desfilan, entonces, los casos de poetas como Pessoa, Sá-Carneiro, Darío, Vallejo, Martí y Ramos Sucre en tanto soporte argumental que aviva la discusión. Observémoslo en sus propias palabras: Lo determinante es que el poeta, con la máscara, sobreviva y convierta la materia bruta de la angustia generada por el destierro en auténtica poesía. Sin embargo, no todos tienen esta suerte y la solución es mucho más drástica al no tener sentido una existencia en donde todo está en contra. Quizá este ensayo cause escozor en unos o, mejor aún, haga rechinar los dientes de otros. La problemática del desarraigo y sus antifaces también fue tocada por Reynaldo en el cuento “Viento Sur”, esto es experiencia dolorosa y vivificante que desborda al escarceo narrativo-ficcional. Por lo que este poemario,”Rosae Rosarum”, supone no sólo una recapitulación temática sino también discursiva. Ratifica la condición paradójica y escurridiza de la ciudadanía del poeta: Aquí el poeta no es más que el vocero, lenguaje del conjunto al que pertenece, pues un país no llega a serlo sin la existencia de sus poetas. Se trata, como él mismo lo dice en el arranque, de la simulación (¿impostura o sobrevivencia?) que es un parecer siendo para poder, realmente, ser. Expresar una visión del mundo en la apostasía o la complicidad.

El cuarteto que trae consigo “Rosae Rosarum” –Tremor (1997), Buscada (1999-2000), Poemas de la cuesta (2002) y el conjunto homónimo final (2003)- propone tres núcleos temáticos: Además de la problemática del desarraigo, tenemos el de la búsqueda religiosa (modo de vida válido, en el diálogo contingente y significativo del Hombre con Dios y consigo mismo) y la rosa como motivo de consideración y reflexión poéticas. En una primera lectura, esta colección poética constituye la continuidad del discurso lírico de Reynaldo Pérez Só: Despojamiento verbal que se contrapone al artificio retórico, verso breve y contenido que sin embargo es multisugerente, fragmentación del texto poético que recrea la escindida precariedad del ser y –por ende- el Decir. Si seguimos a Nabokov en la pertinencia de la relectura como praxis cotidiana, notamos con asombro propuestas o aristas que renuevan y enriquecen la Suma Poética a la fecha de este apreciadísimo poeta (a tal efecto, no es necesario el bullicio del fondo y la forma para catarlos con calidez).

Tremor se nos antoja un prólogo poético extenso que prefigura el resto del corpus del volumen: se dialoga sobre el extravío vivencial que es el exilio, destierro no es luz blanca (poema que se repetirá más adelante, página 93, alineado a la derecha y en una sola estrofa); encontramos la transfiguración lírica del trueque de la primogenitura de Esaú por un tentador plato de lentejas (si éstas se cocinan en un guiso de carne a la jardinera, tal como las preparaba mi madre, yo sería otro incauto a manos de la mamá de Jacob); o el desconcierto que nos provoca el Dios empequeñecido de los dos últimos poemas. Hay un punzante abordaje del Decir poético que no lo es: dice / que decía / pero su boca estaba tapada. No en balde el encabalgamiento y la supresión de la puntuación, el poema gana transparencia e inmediatez en la atenuación del afán fragmentario. ¿Las negritas del primer verso simulan un posible título?

Buscada, en palabras del autor, se asocia más al sentido de búsqueda que a la mera religión como generalmente se entiende. El sentimiento religioso no estriba en un monólogo onanista, exaltado y farisaico. Por el contrario, se revitaliza en el discurso solidario con el Otro, tal como lo estimuló Enmanuel Lévinas: él se hace de gente / mía mientras yo / le abra la puerta y quede sin techo / sin paredes ni ventanas él. El discurso poético-religioso asume un inquietante sesgo dialéctico (¿acaso las intermitencias de la relación entre Dios y los hombres no colindan con la experiencia traumática del desarraigo?): él me mira / con dos ojos / en uno me señala / en el otro me respira // a muerte / con dos manos / una me estrangula / la otra me levanta // mientras vivo / me pongo a un lado / y me encono /huyendo de su abrazo / espantándome la vista. La auténtica poesía es tocable: la mística adquiere pleno sentido en el teatro de operaciones que es el cuerpo.

Poemas de la cuesta es un hermosísimo libro sobre el exilio. Los poemas se alinean a la derecha y se inician con mayúscula: ¿esta crónica de viajes a la inversa, registra experiencias superlativas afines a la búsqueda religiosa? Los poemas dedicados a las islas Canarias son memorables, la interiorización de su paisaje y el tono que linda la saudade –némesis de nostalgias lloronas- nos complacen y acometen al punto: En canarias / anda la muerte en forma / de puerto / nunca de mar ni fuego ni piedra / a veces hay subidas / a veces hay bajadas / (…) / pero la muerte llega en forma de pescado / seco / momia / para que la otra muerte coma / mirando de isla en isla. Sin alarde metafórico, la escalera de Jacob vincula a Israel y Tenerife levantando un puente lírico, religioso y popular: en israel se dice que subieron muchos / sin embargo bajó jesús y remontó mohammed / donde bajando subió isaac // pero en Tenerife sólo se baja / cuando se cree ascender. La mirada es encandilada por los trazos francos y, si se quiere, hiperrealistas de un paisaje agreste y diverso: las cabras, los perros, las lagartijas y los hombres integran el mismo bestiario que se contrapone a la costa y la montaña.

“Rosae Rosarum” se vale de alusiones diversas (Rioja, Huidobro e incluso el tísico Agustín Lara), emociones contradictorias y afinidades afectivas en la proposición de un discurso experimental exento de arrogancia y futilidad. Simula con brillo el discurso taxonómico de catálogos botánicos o diccionarios filosóficos. Nos llama la atención el dinamismo de la diagramación del poema: un collage sensual de la fuente standard, las cursivas y los paréntesis. La aproximación a la rosa es múltiple en su aceptación o negación como objeto poético –vivo o cosificado-. Por ejemplo, “rosa plástica” alude a los objetos mágicos de Mario Abreu: pero la de plástico / es pura a dios / dueña de camposantos.

Indudablemente, comunidad lectora, este libro es digno de nuestra consideración mientras Pena un frágil aroma de aguacero.

En Valencia de San Desiderio, ofrecemos este Homenaje Panorámico a Reynaldo Pérez Só, sábado 16 de julio de 2011.

NUNCA RASURARSE EN DOMINGO. CARLOS YUSTI

2011-08-04T10:56:00.000-07:00

Nunca rasurarse en domingo
Carlos Yusti
“La carrera literaria más difícil es la de lector”.
Macedonio Fernández

Existe un consenso mayoritario entre escritores que tiende a considerar el medio literario como mezquino y sembrado de iniquidad en pequeña escala, al punto tal que parece haber más caballerosidad en el mundillo de los tahúres y apostadores. Sin mencionar el rechazo al por mayor de que es objeto todo escritor primerizo. En el medio literario hay egos para todo y muchas veces el ego se traspapela con el divismo y las pequeñas miserias humanas se desatan. Pero obviando ese infierno de guardarropía que es el ambiente literario siempre me ha intrigado ese salto que muchos lectores anónimos realizan hacia la escritura. Que los motiva a cruzar el espejo de tinta impresa para aventurarse por el mundo de la palabra escrita.
Novelas como Don Quijote y Madame Bovary son exploraciones sobre las consecuencias trágicas de la lectura. Alonso Quijano pierde la razón por los libros de caballerías y a la pobre Emma Bovary la pierde la lectura de esas noveletas de amor romántico. Ninguno de los dos escribe, pero ambos tratan de vivir su propia novela en la realidad; realidad que no se anda con delicadezas para destrozar a patadas los sueños y las ensoñaciones de cualquiera. En la segunda parte del Quijote, Alonso Quijano pasa por una imprenta y le da un vistazo al libro que contiene sus hazañas, en otra parte del libro también aduce que no escribe debido a su vida atareada de caballero andante y al poco tiempo disponible. En esencia tanto Emma como Quijano son unos peculiares lectores, especies de cisnes negros y tenebrosos o para decirlo con palabras de un gran lector como Borges: “A veces creo que los buenos lectores son cisnes más tenebrosos y singulares que los buenos autores”.

Susan Sontag ha escrito que casi siempre la lectura es la antesala propiciatoria de la escritura. “Y el impulso de escribir casi siempre se desata por la lectura”. Aunque ella descubre que este axioma no es del todo cierta. Hay una buena porción de escritores que no son lectores y ella pudo comprobarlo cuando en un encuentro coincidió con V. S. Naipaul y Sontag le comentó al escritor sobre una novela inglesa del siglo 19 que a ella le resultaba apasionante. Naipaul le dijo que no la había leído. Ella lo miró con cara de asombro y Naipaul le explicó tajante: “Susan, soy escritor, no un lector”. Algo parecido me ha sucedido con algunos poetas y escritores a quienes he visitado por casualidad y descubro una incipiente (por no decir escuálida) biblioteca.

Siempre me veo como lector y por supuesto trato de leer a quienes como yo han sorteado miles de obstáculos para publicar sus libros. Hace poco el ensayista Carlos De Nóbrega ha escrito una nota sobre mi libro “Para evocar el olvido” y esto de leer reseñas sobre lo que uno escribe siempre es gratificante e incluso bastante raro y aunque uno sabe que la amistad está presente, sabe también que hay un lector detrás, sin mencionar que nuestros estilos de escritura son opuestos. Con Pedro Téllez, otro amigo e inmejorable ensayista, sucede que a veces hemos escrito sobre los mismos libros o autores desde ópticas bastante dispares sin un propósito preestablecido. Con esto quiero significar que en nosotros, por separado, prevalece con subrayado ahínco el lector y que dimos sin duda el salto a la escritura debido a la lectura.
También sucede que con estos forcejeos de la lectura y la escritura uno termina traspapelado en minucias ficcionales, en anécdotas nada sublimes y en cuentos de camino y barra. Los editores de la revista Labrapalabra, editada en Colombia, y que gentilmente publicaron mi ensayo sobre Capote se han inventado la siguiente ficha: “Venezolano, amigo de los libros ajenos. Nunca se rasura los día domingos. A veces viaja en avión para poder controlar su miedo a la muerte. Dice que sus nietas son su nuevo pasatiempo divertido para no envejecer del todo. Sus textos están coloreados con una carga de cinismo y humor negro”. Aunque todo esto se lo inventaron es verdad y coinciden con De Nóbrega en algo: “…más allá de su tono conversado, el afán crítico –rayando la durísima sátira- no le permite al lector atento quedar indiferente…”

Susan Sontag parece acertar cuando escribe: “Un escritor es antes que nada un lector; un lector que se ha vuelto loco; un lector granuja; un lector impertinente que afirma que es capaz de hacerlo mejor”. Y esto de intentar hacerlo mejor es lo que complica todo este trabajo con las palabras. La fama y que te paguen por lo que te gusta hacer sería lo ideal, pero cuando de escribir se trata son otros los acordes que tensan las cuerdas para esa música especial de la gran literatura. Se conocen casos de escritores que han obtenido el éxito con sus libros y se sienten unos fracasados a los que le aguarda el olvido. Allí está Borges sin el Nobel y por allí andan muchos escritores que lo obtuvieron y ya nadie ni les recuerda y lo que es peor ni se leen. De lo que se trata es de escribir y si es posible de la hacerlo bien. Enrique Vilas-Mata ha escrito que “…escribir es corregir la vida—aunque sólo corrijamos una sola coma al día—, es lo único que nos protege de las heridas insensatas y golpes absurdos que nos da la horrenda vida auténtica…” Orhan Pamuk ha escrito que quizá la auténtica necesidad no sea la literatura sino el estar a solas en una habitación y fantasear.

Se escribe para corregir, para pasar en limpio los gazapos del alma, los errores de nuestra pequeñez humana que opera a la sombra y en los detalles del día a día. Seguir leyendo es desintoxicarse un poco de la escritura propia, es tratar de encontrar el camino de la imaginación para volver al lugar del inicio en la que uno era sólo un lector anónimo acostado en el sofá de la sala.

Me veré siempre como un lector, que de joven, sin otra cosa en los bolsillos que sueños y aire, robaba libros para leerlos, mea culpa. Ah y sobre los domingos no me gusta hacer nada, ni siquiera leer y mucho menos rasurarme. Lo que pasa es que la literatura se parece a la vida, pero no es la vida, cuestión que ni Emma Bovary ni Alonso Quijano entendieron a cabalidad.

LUIS ERNESTO GÓMEZ O DEL OTRO LADO DE LA MÚSICA. José Carlos De Nóbrega

2011-08-04T10:29:00.000-07:00

Salmos Compulsivos
LUIS ERNESTO GÓMEZ O DEL OTRO LADO DE LA MÚSICA
José Carlos De Nóbrega
Partitura borrada y reescrita en el blanco
Antiguo vacío que fluye con el tiempo
Aquél del que despiertas
Increíble forma de ser público
Escuchante señal del movimiento.Luis Ernesto Gómez.

Hay una obvia relación dialéctica entre la Poesía y la Música: Es la consideración y recreación del mundo en un maravilloso clima musical que excede –por supuesto- la disposición en verso y en el pentagrama. La “Oda a la Alegría” de Beethoven, incrustada en la Novena Sinfonía, no puede asumirse como la mera traslación del poema homónimo de Schiller. Por el contrario, supone más bien la lectura y la glosa musical de la fraternidad de los hombres en libertad: Se rompe entonces la elitesca servidumbre del creador al mecenas de turno, en la justa y necesaria proposición de un diálogo libertario con sus iguales, amigos visibles o invisibles. ¿Acaso la Weltanschauung musical de Gustav Mahler, nuestro imprescindible gigante, no anticipa el discurso poético desencantado e insurgente de la Europa agobiada por las dos grandes guerras? A tal respecto, los invitamos a escuchar el Andante-Adagio de la Sinfonía nº 10 (inconclusa) y las Canciones a la muerte de los niños (basadas en unos poemas de Friedrich Rücker). Nos complace, entonces, conversar sobre la obra musical del amigo y poeta Luis Ernesto Gómez (en otras ocasiones, nos habíamos referido a su labor de compilación poética –junto a Luis Alberto Angulo- que ha comprendido la solidaridad con los pueblos árabes y la Poesía del Decir de nuestra patria). Su primer Disco Compacto, Concierto para Orquesta / Cantos Veloces (2011), registra cuatro magníficas piezas: Cantos Veloces para clarinete solo (2008), Concierto para Orquesta (2010), Dialéctica de lo Incierto (2002) y El Amauta Mariátegui (2005). Este cuarteto nos asombra cada vez más, pues su constante (re)lectura sónica depara reveladoras aristas que enriquecen la experiencia estética que es el diálogo entre el compositor y el espectador. El conjunto implica a su vez la herencia y el cuidadoso estudio de significativos referentes de la música nacional y occidental: Beethoven, Mahler, Bela Bartók, Zoltan Kodaly, Charlie Parker, Satie, Lamas, Antonio Estévez y Juan Carlos Núñez.

Cantos Veloces para clarinete solo (2008) es una extraordinaria pieza alusiva al free jazz que se estructura en cuatro partes: Canto vivo, Aéreo, Cadenza y Canto rítmico. Es sumamente luminosa la interpretación de Carmen Borregales al clarinete: precisa, traviesa e inobjetable. Canto vivo posee una fluencia jazzística respetuosa que nos retrotrae en el afecto a Charlie Parker y Dizzy Gillespie (sí, en especial el de My Heart Belongs To Daddy): El lúdico clarinete de Carmen Borregales nos obsequia florituras sincopadas que anuncian la estrepitosa andanza de gnomos y fuegos fatuos a nuestro alrededor, en la construcción de una sátira al formalismo litúrgico-musical. Aéreo es un movimiento algo más lento al inicio que conducirá paulatinamente a una aguda estridencia: Esto es un desplazamiento sigiloso, a hurtadillas, que va de lo depresivo a lo psicótico. Esta segunda parte va de la mano con este poema de Reynaldo Pérez Só que aborda sin el escándalo una urbe terrorista: calle / de hombre solo // tajo / de miedo // no para esto vamos día a día / cruzando una acera / pisando otra. Cadenza es un canto lírico que nos remite a la sutileza y al bello efectismo esencial del Haiku japonés. Nos dice Alfonso Cisneros Cox: Poesía pura, dicen algunos autores, sin engranajes intelectuales, ni formas artificiosas que hay que aprender mediante un proceso de racionalización. El color, en este caso, es frío (en lo imaginativo musical) y corresponde a la tempestad que balbucea el alma, siguiendo al poeta Sogui en la impactante interrogante vespertina: ¿Habrá cesado / la llovizna de mayo? / Murmura el agua. Canto rítmico recrea otro viaje interior que va de la desesperación al desconsuelo, por vía de la fragmentación del yo: Borregales ataca el instrumento a dentelladas, la melodía y el ritmo son presa de los chasquidos, la polifonía monódica y la mixtura urbana y étnica. Este virtuoso ejercicio del clarinete se equipara a la Suite para flauta y piano de jazz (1973) de Claude Bolling (la cual registra el duelo contrapuntístico entre la flauta de Jean Pierre Rampal y el piano de Bolling). En la yunta Gómez/ Borregales se apuesta por la polifonía del clarinete que triza el monólogo. A partir de hoy, ambas grabaciones tendrán un espacio de honor en el corazón melómano.

Concierto para Orquesta (2010), obra acreedora del Concurso Nacional de Composición Musical de ese año auspiciado por la Orquesta Sinfónica de Venezuela, presenta cuatro movimientos: Dialéctica, Lúdico, Elegía lírica y Toccata rítmica. Dialéctica, fiel a su nombre, complementa fuerza, dramatismo y eclosión sonora con instantes de quietud y moderación. Más allá de la confluencia de contrarios que sazona el drama de la existencia humana, realza su cariz histórico que descansa en una problemática de antagonismos, es ni más ni menos lucha de clases: (Marx) No veía un proceso lógico de negaciones íntimas de la Idea en su desarrollo, sino el desarrollo de antagonismos materiales de carácter histórico –despontifica Ludovico Silva en el Anti-Manual-. Sin embargo, este primer movimiento posee la extraña poesía del cuento “El Espejo” de Machado de Assis: La alienación del personaje principal lo salva de la soledad, paradójicamente el alférez invisibiliza al hombre, Ocurrió entonces que el alma exterior que antes era el sol, el campo, los ojos de las muchachas, cambió de naturaleza y pasó a ser la cortesía y las adulaciones de la casa, todo lo que hablaba de mi cargo, nada de lo que me hablaba del hombre. Lo apolíneo y lo dionisíaco son expresados en el enjambre de las cuerdas y la brutal estampida de los metales y la percusión. Lúdico es un momento interesantísimo del Concierto: La marcha simula una parada de niños terribles y fenómenos de circo tan del gusto de Bergman, Fellini y Diane Arbus. Excúsenme esta nueva digresión, es afín a la celebración carnavalesca del Padre recreada por Bruno Schulz en un inolvidable cuarteto narrativo: Los maniquíes, Tratado de maniquíes o el segundo libro del Génesis, Tratado de maniquíes (continuación) y Tratado de maniquíes (fin). El discurso febril del padre, bordeando la esquizofrenia, configura una nueva creación del universo: Aquí comenzó a construir ante nuestros ojos la imagen de esta generatio aequivoca soñada por él, una generación de seres semi-orgánicos, una pseudo-vegetación y pseudofauna, resultado de la fermentación fantástica de la materia. El juego y la risa reescriben un Génesis atípico que se encarna en un rondó desarrollado, de donde el tutti orquestal parodia el cántico coral de una función de títeres. Elegía lírica nos sume en la agonía que nos postra en el Monte de los Olivos, recrea una llovizna roja que resbala por la frente y constituye la víspera de la muerte. No olvidemos este cuarteto de Quevedo: ¡Cómo entre mis manos te resbalas! / ¡Oh, cómo te deslizas, edad mía! / ¡Que mudos pasos traes, oh, muerte fría, / pues con callado pie todo lo igualas! Si bien Martin Heidegger afirma que nadie puede apropiarse de la muerte de otro, nos siguen inquietando y seduciendo su misterio implícito, su espíritu aglutinador y su acoso cotidiano e incansable a nuestra diestra. Qué tal estos versos de Miguel Hernández: ¡Clávame la espada fina / ya, Señor, si es de esta suerte / la hora lejana y vecina!: / ¡con qué lentitud taurina / estoy viviendo mi muerte! La profundidad de las cuerdas conduce al resto de la orquesta en la musicalización fúnebre que involucra la muerte de un músico en Venecia, de decenas de presos en las colonias de los dos Rodeos o de un soldado republicano atrapado por el ojo fotográfico de Robert Capa. Toccata rítmica nos contagia la respiración entrecortada del que huye por la supervivencia: Llevamos consigo la Guerra Florida y su Piedra del Sacrificio; la lucha independentista y sus épicas reverberaciones; o, peor aún, el fratricidio inevitable de las guerras civiles. El ejercicio orquestal se nos muestra dual e incluso cinematográfico (nos cita al Bernard Hermann de Psicosis, Vértigo o North by Northwest). Bien lo ironiza con maestría Juan Calzadilla: Reír a toda prisa en la vía pública / antes de que uno pueda ser detenido / por reír en la vía pública.

Dialéctica de lo Incierto (2002), ganadora del Premio Municipal de Caracas (mención obra sinfónica breve, 2003), nos parece un extraordinario texto musical no obstante su brevedad. La incertidumbre de la existencia tiene como antípoda la rebeldía prometeica y metafísica. A tal respecto, nos acompaña Albert Camus: El rebelde metafísico no es, pues, seguramente ateo, como podría creerse, pero es forzosamente blasfemo. Sencillamente, blasfema ante todo en nombre del orden, denunciando en Dios al padre de la muerte y al supremo escándalo. Esta pequeña obra maestra, estructurada en cuatro secciones que juegan a la alternabilidad (lento-rápido-lento-rápido), contrapone la desilusión (existencial, política y estética) al estruendo revolucionario y sedicioso que trastorne y transforme al mundo. La voz compositora le imprime un tono impunemente esquizoide a esta sinfonía breve, al punto de emparentarse con Demencia Precoz de Teófilo Tortolero: No queremos ser cosas de Dios / por batas que llevemos / a los cuerpos de zorro / despertar sin la gracia orinando. La propuesta, en resumidas cuentas, plantea la dialéctica como método o visión crítica del mundo que nos rodea y reseca. Por supuesto, teniendo en cuenta nuestra fragilidad individual y colectiva. Karel Kosík nos ilumina la accidentada carretera que hemos de transitar: La dialéctica es el pensamiento crítico que quiere comprender la “cosa misma”, y se pregunta sistemáticamente cómo es posible llegar a la comprensión de la realidad. Es, pues, lo opuesto a la sistematización doctrinaria o romantización de las representaciones comunes. La tetraestructura musical, a la que es devoto Luis Ernesto, se manifiesta en el motivo sobre el que se sostiene la trama musical: esto es un puente sincopado de cuatro notas. El discurso musical se aproxima a las tres condiciones paradójicas de la existencia: riesgo, ambigüedad y cambio. Detrás del cromatismo libertario de la pieza, observamos la navaja que extirpará las tinieblas de nuestra mirada intervenida tiempo ha por el Poder.

El Amauta Mariátegui (2005) es un homenaje sentido al ensayista peruano José Carlos Mariátegui (1894-1930), no en balde la condición de obra por encargo. Está estructurada en dos movimientos: Elegía y Retorno. Elegía recrea una endecha sombría en la contemplación del cadáver del Amauta: el cromatismo lírico y contrapuntístico nos lo ennoblece y rescata de la estantería anquilosada de bibliotecas y museos poco frecuentados. La osamenta muta en palabra viva, actual y libertaria. Martín Guerra, pseudónimo de Jorge Bacacorzo Díaz, lo complementa de esta forma: Mariátegui es la expresión política más alta del mundo mestizo; y al mismo tiempo de la marginalidad, de lo subversivo contra lo colonial –de cualquier índole-, de la creatividad revolucionaria. Retorno musicaliza el texto poético homónimo del poeta peruano Jacobo Hurwitz (entonado por Isrrael Sotillo). Se trata, con fortuna, de la apropiación colectiva y revolucionaria de un José Carlos Mariátegui nuestro de cada día: Un día volverás José Carlos Mariátegui / Un día se levantarán las frentes / y más alto que las frentes / flamearán los puños / y más alto que los puños / en un viento de canciones / tu nombre desplegará sus alas. El trabajo musical no es aséptico en lo formal ni políticamente correcto.

Los instamos, no sin cierto dejo de complicidad, a disfrutar atentamente la obra musical inicial de Luis Ernesto Gómez. Estamos seguros que, en unos cuantos años más, su nombre ocupará un lugar de vanguardia en el devenir musical contemporáneo de Venezuela. Esperamos escuchar en vivo –aquí, en el Teatro Municipal de Valencia- las piezas de este Disco Compacto notable.

En Valencia de San Simeón el estilita, donde La Cosiata hizo una particular puesta en escena de Otelo, sábado 23 de julio de 2011.

INVITACIÓN A LA CHARLA "LUIS BUÑUEL O LA ENTOMOLOGÍA SALVAJE", LIBRERÍAS DEL SUR VALENCIA, SÁBADO 6 DE AGOSTO DE 2011, 10 AM

2011-07-31T05:58:00.000-07:00

Charla: Luis Buñuel o la entomología salvaje

Fecha y Hora: Sábado, 06 de agosto · 10:00 am - 12:30 pm

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Lugar: Librerías del Sur Valencia, primer nivel del C.C. Camoruco, Avenida Bolívar Norte

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Creado por José Carlos De Nóbrega

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Más información: El Grupo Li Po y el Grupo Literario Enriqueta Arvelo Larriva les invita a la Charla: Luis Buñuel o la entomología salvaje, la cual estará a cargo del ensayista José Carlos De Nóbrega. La cita es en Librerías del Sur Valencia, primer nivel del C.C. Camoruco, Avenida Bolívar Norte, el sábado 6 de agosto de 2011 a las 10 am.

CARLOS YUSTI O EL ENSAYO COMO PUÑETAZO Y ARTE. JOSÉ CARLOS DE NÓBREGA

2011-07-26T14:00:00.000-07:00

CARLOS YUSTI O EL ENSAYO COMO PUÑETAZO Y ARTE
José Carlos De Nóbrega

Desde su primer libro, Pocaterra y su mundo (1991), hasta el más reciente, Para evocar el olvido y otros ensayos inoportunos (2007), Carlos Yusti ha bordeado el pensamiento extremo como los boxeadores fajadores en la onda de Mano e’ Piedra Durán (se les admira o se les aborrece, no hay punto intermedio), por supuesto, ejerciendo la palabra sin piruetas esteticistas que conduzcan a nada. Esta es una virtud primordial de lo que denominó Alejandro Rossi “un ensayista de raza”: más allá de su tono conversado, el afán crítico –rayando la durísima sátira- no le permite al lector atento quedar indiferente respecto a nuestro único mundo maravilloso, el cual ha sido víctima propiciatoria del discurso falsificador de ideologías esterilizantes y predatorios aparatos propagandísticos. La inmediatez de su expresión ensayística se agradece en la reivindicación lúdica y vitalista de la literatura: “La literatura es la vida hecha metáfora, es la vida convertida en un clásico colocado en la estantería del alma”.

Justamente, Para evocar el olvido y otros ensayos inoportunos, nos lo confirma estupendamente: Hay sangre y mucho hueso astillado en la configuración de un ars ensayística personal. Cosa que aparentemente desquicia a los ensayistas y levanta –en los límites mismos del paroxismo- el ego o autoestima de los poetas. Se nos antoja que Yusti explora el mundo y la escritura a la manera de un gran moralista (en la tradición de, por ejemplo, moralistas castellanos tales como Baltasar Gracián, Fray Antonio de Guevara e incluso Francisco de Quevedo), sólo que a la inversa (en un espíritu escandaloso y prevaricador): Esto es construir una nueva imagen del hombre y la vida de su tiempo que implique una propuesta ética radical, la cual ponga patas arriba la lasitud del problemático entorno que le ha tocado vivir y, por ende, adversar. Escuchémoslo al mismo que vive y abreva de la calle y la bohemia del botiquín, amén de lo políticamente incorrecto: “En tal sentido es imprescindible revitalizar el lenguaje, magializarlo sin límites. Simplificarlo, destrozarlo, mutilarlo va en detrimento de nuestra esencia (…) Leemos para acercarnos al poder lúdico de las palabras, queremos acercarnos a todas las tentaciones, a ese ruidoso florecimiento de la metáfora”.

Por supuesto, el solaz fraterno y solidario que nos provoca este libro no sólo comprende su núcleo temático –la consideración crítica y afectiva de autores muy particulares, además de una temática ligada a la Psicosis para leer que va del plagio como vicio e impostura, pasando por la rayada condición del escritor de provincia, hasta toparnos con la poesía como fenomenología viva del fracaso-, sino también su delicioso y corajudo tenor confesional que se divorcia sin más ni más del academicismo ramplón que envilece a la literatura misma. La prosa de Carlos Yusti exhibe, en la más completa y descarada impunidad, suma y carísima vitalidad por partida doble: Bien sea el entusiasmo visceral por autores nuestros como Cervantes, Juan Liscano, Robert Musil, Juan Nuño o Günter Grasss; o el ataque sin cuartel a los politicastros de turno, la burocracia cultural indolente y los escritores de pacotilla. No queda entonces guiñapo sin cabeza en el desafío de las modas literarias, las matrices de opinión establecidas y las poses ridículas de poetas acomodaticios. Lo que es llorar y crujir de dientes para lectores y escritores desprevenidos, nos depara un místico placer ebrio en la construcción de una carretera –dura pero sabrosa- que vincula la literatura y la vida: “La literatura es una postura ante la vida, es una manera de rebelarse contra ese tiempo real que nos desgasta. En la literatura lo que está en juego cuando se lee o se escribe es el lenguaje hecho diálogo amoroso, diálogo carnal con esa fugacidad de la vida que se hace eterna gracias a las palabras convertidas en renglones en un apretado volumen”. El libro troca en un bello objeto amoroso (si lo sabrá Yusti, quien además de escritor es un magnífico artista plástico): Constituye un museo salvaje en donde la palabra y las imágenes respiran a placer. La brillantez de los retratos de Teófilo Tortolero (la poesía en tanto llave sin cerradura), Jorge Luis Borges (en una aproximación humanística a su sentido del humor que aún roe pedestales literarios de plástico) o un Cioran mucho más afectuoso y empático, convive con el rudo trazo franco de su propio autorretrato (“con mi escritura como único equipaje”). En síntesis, fieles sparrings de la vida, dispongámonos a entromparnos con Carlos Yusti en la complicidad y en la necesaria disidencia que posibilite mejorar este basurero.

Para evocar el olvido y otros ensayos inoportunos
Carlos Yusti
Fundación Editorial el perro y la rana, 2007
Colección: Heterodoxia
140 págs. 3000 ejemplares

Presentación del CD "Concierto para Orquesta/ Cantos Veloces" de Luis Ernesto Gómez

2011-07-21T04:30:00.000-07:00

Presentación del CD "Concierto para Orquesta / Cantos Veloces" de Luis Ernesto Gómez

Fecha y Hora: Sábado, 23 de julio · 10:00 - 12:30

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Lugar: Librerías del Sur Valencia, primer nivel del C.C. Camoruco, Avenida Bolívar Norte

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Creado por José Carlos De Nóbrega

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Más información: El Grupo Li Po y el Grupo Literario Enriqueta Arvelo Larriva les invita a la Presentación del CD "Concierto para Orquesta/ Cantos Veloces" de Luis Ernesto Gómez, la cual estará a cargo del Maestro Luis Pérez Valero, José Carlos De Nóbrega y Luis Alberto Angulo. La cita es en Librerías del Sur Valencia, primer nivel del C.C. Camoruco, Avenida Bolívar Norte, el sábado 23 de julio de 2011 a las 10 am.

PÉREZ SÓ: MASTICADA LUCIDEZ. Marisol Pradas. Foto de Luis Alberto Angulo.

2011-07-18T14:55:00.000-07:00

Pérez Só: masticada lucidez

Marisol Pradas

Publicado en el suplemento Lectura Tangente del diario Notitarde, día domingo 17 de julio de 2011

Foto de Luis Alberto Angulo (Reynaldo Pérez Só y Armindo Trevisan)

Cuando uno lee la poesía de Reynaldo Pérez Só comprende y siente un nuevo lenguaje poético trazado por años de amor hacia la palabra y en su último poemario Rosae Rosarum esta sensación se vuelve más honda y más libre también.

"… rosa de los vientos / (la menos rosa de las rosas / sobre papel /brújula en mesa de barco / con trazos y direcciones de vientos)/ ve rosas donde no hay rosas / pero sueña la rosa que desea / imagina vientos exactos/ el barco creído centro/ y la rosa de imago hecha de aire…"

"… (aunque como la rosa se mueve más que ella su entorno / aquí la rosa no es belleza / pues pertenece al hombre / al calcular la frecuencia de los vientos)…"

"… rosa híbrida / se luce en nombres / y halagos / la mestiza se disuelve / en su multiplicidad / que dura /la vida es un /esqueje a otro /esqueje / que maquilla /a la rosa…"

Sus palaras asoman un viaje litúrgico hacia la rosa, imagen que galopa en la mente con la fuerza del color, con la fragilidad ineludible para describir la mayor de las fuerzas; con la necesidad de ir descifrando sus múltiples y sensibles voces, ampliando cada momento su inefable dimensión.

En el VIII Festival Mundial Poesía, llevado a cabo en Caracas, entre el 12 y el 18 de junio, se le realizó un homenaje nacional y fue presentado este su último libro, leído y presentado en el espacio de Librerías del Sur Valencia (C.C. Camoruco) en un encuentro sencillo con este hombre, por todos conocido en esta ciudad, organizado por el Grupo Li Po y el Grupo Literario Enriqueta Arvelo Larriva.

Allí el ensayista José Carlos De Nóbrega leyó su investigación titulada "Elogio panorámico a Reynaldo Pérez Só" en el que descifra con mucha serenidad (la misma del poeta) su encuentro con la obra de este hombre que ha trabajado y estudiado incansablemente.

Ha publicado los poemarios Para Morirnos de Otro Sueño (1971), Tanmatra (1972), Nuevos Poemas (1975), 25 Poemas (1982), Mirinda Campo (antología, 1984), Matadero (1986), Reclamo (1992), Px (1996), Solonbra (1998) y Antología Poética (2003 y 2006).

También publicó el ensayo Fragmentos de un Taller (1990) y el monólogo Sucre, Estampido de Dios (1995).

Ganó el concurso de cuentos del diario "El Nacional" en 1999 con Viento Sur.

Para De Nóbrega, "Desde su primer poemario hasta el más reciente, incluyendo poemas dispersos en publicaciones periódicas diversas, la poesía de Pérez Só descansa en la desnudez y la transparencia estilística, amén de lo fragmentario e inmediato de la expresión poética en la recreación del discurso de voces disímiles que estremecen su mundo interior".

"Tanmatra se nos antoja una consolidación de esa sorprendente voz poética que aborda el laberinto de adentro –me llamo legión porque somos muchos- sin remedar ojos rasgados por navajas, mucho menos aprisionar las imágenes en medio del estrépito de demoníacos traseros fusilando atmósferas surrealistas que le faltan el respeto al Bosco o a René Magritte. Habíamos anotado en anteriores oportunidades que Pérez Só maneja magistralmente, aquí y en el resto de su obra poética, el encabalgamiento y la anáfora para reivindicar el concierto abstruso y la más de las veces ininteligible que nos acosa cotidianamente, y que paradójicamente nos conduce a una posible vía de expiación: me escondo de mí / me asusto / he llegado tarde ya / cambiaron mis campos / trabaja la muerte noche y / día como mi padre / tengo que esconderme no importa / dónde / debo esconderme", explicó De Nóbrega al referirse al segundo libro publicado, de sonoro nombre.

Sobre uno de sus libros más polémicos, Matadero, dijo: "Pérez Só insiste con su visión propia del poema breve, su despojo formal y su multisugerente ruptura semántica, para transitar una tonalidad más descarnada y cruel que se derrama sobre el cuerpo poseído por un erotismo caníbal, fatalista y fetichista.

Apunta Liscano que el conjunto desarrolla "una visión despedazada de la sexualidad, del cuerpo, de la carne expresada con una escritura que sigue siendo la suya, pero entrecortada, tasajeada". He aquí una muestra estremecedora que raya en dura palabra masticada por la lucidez: deben trabajar / en el matadero / fruncir la carne / sobajar los muslos / para decir el arte es mío / aprender a dar a cambio / de otro dar a cambio / y luego forman el amasijo / del mañana / el sí substituye / al ojo o al sentido / hasta que tasan todo / sin poder oír / el verdadero precio".

Como co-fundador y director durante muchos años de la Revista Poesía que edita la Universidad de Carabobo, referencia obligatoria para todos los estudiosos de letras del mundo, se dedicó con esmero a realizar el trabajo certero y limpio de quien cuida a la poesía y a los poetas como la más preciada de las rosas. Rosae Rosarum. Su labor no ha pasado desapercibida. Gracias a su ejemplo son muchos los que continuaron este trabajo riguroso-hermoso de hacer de la reflexión y la búsqueda creativa el rincón perfecto para ampliar al mundo.

INVITACIÓN A LA CHARLA "ELOGIO PANORÁMICO A REYNALDO PÉREZ SÓ". LIBRERÍAS DEL SUR VALENCIA, 16/7/2011, 10 AM

2011-07-11T05:31:00.000-07:00

Elogio panorámico a Reynaldo Pérez Só

Fecha y Hora

Sábado, 16 de julio · 10:00 am - 12:30 pm

Lugar

Librerías del Sur Valencia, primer nivel del C.C. Camoruco, Avenida Bolívar Norte

Más información

El Grupo Li Po y el Grupo Literario Enriqueta Arvelo Larriva les invita a la charla "Elogio Panorámico a Reynaldo Pérez Só", la cual estará a cargo del ensayista José Carlos De Nóbrega. Además se presentará el poemario más reciente de Pérez Só, Rosae Rosarum. La cita es en Librerías del Sur Valencia, primer nivel del C.C. Camoruco, Avenida Bolívar Norte, el sábado 16 de julio de 2011 a las 10 am.

ALGUNOS VIDEO CLIPS MEMORABLES

2011-07-06T04:30:00.000-07:00

1.- Bohemian Rapsody. Queen.

2.- Sledgehammer. Peter Gabriel.

3.- Take on me. A-ha.

4.- Matador. Los Fabulosos Cadillacs.

5.- La ciudad de la furia. Soda Stereo.

6.- Coolo. Ilya Kuriaki y los Valderramas.

7.- Loosing my religion. REM.

8.- Every breath you take. The Police.

9.- Land of confusion. Genesis.

10.- Don't speak. No Doubt.

11.- Virtual insanity. Jamiroquai.

12.- Anarchy in the U.K.. Sex Pistols.

13.- Rock in the casbah. The Clash.

14.- Smells like teen spirit. Nirvana.

15.- River of dreams y 15.1.- We didn't start the fire. Billy Joel.

16.- Learn to fly. Foo Fighters.

17.- Weapon of choise. Fatboy Slim.

18.- Praise you. Fatboy Slim.

19.- Frijolero. Molotov.

20.- Amor Divino. Café Tacuba.

21.- The bad touch. Bloodhound Gang.

Por supuesto, no me gustan los video clips de Michael Jackson plenos de efectos especiales que van a la par de su desmedido ego y sus complejos raciales. El peor video clip de la historia, sin restar el infame mérito a los reaguetoneros ni a los edulcorados baladistas latinoamericanos, es Tarzán Boy de Baltimora (incluimos aquí el doblaje horrendo del descocado tema en el Poliedro -a punta de tres en uno-, amén de una versión por parte de una orquesta local a lo Renato Capriles).

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CONVERSATORIO SOBRE POESÍA NICARAGÜENSE CONTEMPORÁNEA

2011-07-04T05:51:00.000-07:00

Conversatorio sobre poesía nicaragüense contemporánea

Fecha y Hora
Sábado, 09 de julio · 10:00 - 12:00

Lugar
Librerías del Sur Valencia, primer nivel del C.C. Camoruco, Avenida Bolívar Norte

Más información

El Grupo Li Po y el Grupo Literario Enriqueta Arvelo Larriva les invita a un conversatorio sobre poesía nicaragüense contemporánea, el cual estará coordinado por los escritores Francisco Marín, Juan Medina F., Luis Alberto Angulo y José Carlos De Nóbrega. La cita es en Librerías del Sur Valencia, primer nivel del C.C. Camoruco, Avenida Bolívar Norte, el sábado 9 de julio de 2011 a las 10 am.

P.S.: No te pierdas el resto de nuestra programación del mes de julio:

16 de julio, Charla sobre la obra poética de Reynaldo Pérez Só (incluye presentación de su más reciente poemario, Rosae Rosarum).

23 de julio, Presentación del CD "Concierto para Orquesta / Cantos Veloces" de Luis Ernesto Gómez.

30 de julio, Charla sobre la obra cinematográfica de Luis Buñuel.

Todas estas actividades se realizarán en Librerías del Sur Valencia, los sábados de julio a las 10 am.

Un abrazo de José Carlos De Nóbrega.

ELOGIO PANORÁMICO A REYNALDO PÉREZ SÓ. José Carlos De Nóbrega

2011-06-26T04:57:00.000-07:00

ELOGIO PANORÁMICO A REYNALDO PÉREZ SÓ
José Carlos De Nóbrega

Fotografía de Rosa Elena Pérez Mendoza

El creador sólo opera golpeando y la sociedad no cotiza los golpes que recibe. César Vallejo.

Reynaldo Pérez Só no sólo es uno de los nuestros, sino también una influencia decisiva en mi obra literaria que comprende el ensayo, la traducción y la narrativa. Gracias a él pude realizar mis primeras publicaciones (desde 1992) en revistas como La Tuna de Oro y Poesía, dos bastiones incontrovertibles de la literatura en la ciudad de Valencia de San Simeón el estilita. Le debo un acercamiento mucho más comprometido a la poesía venezolana y universal (en especial la portuguesa y la brasileña que aún me maravillan), pues en aquellos tiempos se centraba mi atención en lo que él llamaba el diablo de la poesía: la prosa, bien sean los cuentos de Cortázar, las novelas de García Márquez o los ensayos de Montaigne. Asimismo ocurre con mi participación en proyectos editoriales diversos: desde haber sido miembro de la redacción en la revista Poesía, director de La Tuna de Oro, consejero editorial –contingente, si se quiere- en la Imprenta Regional Carabobo de el perro y la rana, hasta bloguero compulsivo en la red. En resumidas cuentas, Reynaldo es un maestro mío imprescindible y, mejor aún, uno de mis más grandes amigos. Contrariamente a su severo y adusto rostro, Reynaldo Pérez Só ha sido para mí una fuente generosa y dialógica de conocimiento poético y literario que excede las escuelas blanquedas de críticos mezquinos y profesores castrantes, las cuales procuran ad infinitum el boicot de la lectura lúdica y amorosa del texto literario.

A la fecha, Pérez Só ha publicado los poemarios Para Morirnos de Otro Sueño (1971), Tanmatra (1972 y 1998), Nuevos Poemas (1975), 25 Poemas (1982), Mirinda Campo (antología, 1984), Matadero (1986), Reclamo (1992), Px (1996), Solonbra (1998) y Antología Poética (2003 y 2006). También publicó Fragmentos de un Taller (1990) que colinda con el ensayo afincado en los aforismos, y el monólogo Sucre, Estampido de Dios (1995). Fue ganador del concurso de cuentos del diario “El Nacional” en 1999 con Viento Sur, un puzzle narrativo en cuatro partes que nos revela una escritura personal y transgenérica divorciada de especulaciones literarias, la cual vindica su incansable vinculación con la vida y la poesía que todavía toca el corazón de los hombres. Desde su primer poemario hasta el más reciente, incluyendo poemas dispersos en publicaciones periódicas diversas, la poesía de Pérez Só descansa en la desnudez y la transparencia estilística, amén de lo fragmentario e inmediato de la expresión poética en la recreación del discurso de voces disímiles que estremecen su mundo interior.

Para Morirnos de Otro Sueño es un libro inicial asombroso, hasta el punto de llamar la atención de voces críticas del calibre de Juan Liscano y Guillermo Sucre. El discurso, si bien austero y radical –siendo extremista en la abolición de las mayúsculas y la metástasis de los signos de puntuación-, exhibe una compenetración mística y a la vez táctil de los objetos con los que se regocija la mirada poética: Esa maravillosa silla de Van Gogh confrontada en París aviva la memoria sin apelar a un soso y plañidero ejercicio de la nostalgia: esta es una silla / sólo una silla / en ella / se sentó mi padre / mis hermanos / todos / mis mejores amigos // ahora / está sola / sin nadie // una silla.

Tanmatra se nos antoja una consolidación de esa sorprendente voz poética que aborda el laberinto de adentro –me llamo legión porque somos muchos- sin remedar ojos rasgados por navajas, mucho menos aprisionar las imágenes en medio del estrépito de demoníacos traseros fusilando atmósferas surrealistas que le faltan el respeto al Bosco o a René Magritte. Habíamos anotado en anteriores oportunidades que Pérez Só maneja magistralmente, aquí y en el resto de su obra poética, el encabalgamiento y la anáfora para reivindicar el concierto abstruso y la más de las veces ininteligible que nos acosa cotidianamente, y que paradójicamente nos conduce a una posible vía de expiación: me escondo de mí / me asusto // he llegado tarde ya / cambiaron mis campos // trabaja la muerte noche y / día como mi padre // tengo que esconderme no importa / dónde / debo esconderme.

En la nota de solapa de Nuevos Poemas, el poeta Alejandro Oliveros destaca la condición dialógica de Pérez Só en la contemplación y aprehensión de su entorno cotidiano. No obvia, por supuesto, su respeto por el silencio que implica una particular conversación interior (en este caso ajeno a las metáforas y construcciones grandilocuentes del lenguaje poético de otras voces). Para muestra tenemos el poema XVI: no puede / el trago de la vida / ver esta mano // elevado rostro / nada incluso que la / mano // qué cuesta de alta / para bajar / tocar la mesa.

25 Poemas, editado por Fundarte, es un poemario también transparente que nos contentó en su momento (disfrutábamos a los dieciocho años Demián de Hermann Hesse, así como también Última luna en la piel de Orlando Chirinos). Es una colección poética solar, de una luz clarísima hasta el enceguecimiento que nos retrotrae a un maestro como Armando Reverón. No sé por qué se me antoja un poemario ligado a la literatura de formación o bildungsroman: Hallamos muchos textos cheios de frescura y lozanía (estoy pleno / de sol y corro / entre campos / crece el árbol crece / en mi vista) que conviven con otros pocos más duros (he dejado que la muerte / me socave / no he hecho nada), siendo estos últimos un puente para un libro puntual y fundamental como Matadero.

Matadero, publicado por Editorial Amazonia –una empresa alternativa propia e interesante-, constituye un sustancial cambio sin ruido en el devenir de su obra poética. Decimos cambio silente que se contrapone al bullicio, pues Pérez Só insiste con su visión propia del poema breve, su despojo formal y su multisugerente ruptura semántica, para transitar una tonalidad más descarnada y cruel que se derrama sobre el cuerpo poseído por un erotismo caníbal, fatalista y fetichista. Apunta Liscano que el conjunto desarrolla “una visión despedazada de la sexualidad, del cuerpo, de la carne expresada con una escritura que sigue siendo la suya, pero entrecortada, tasajeada”. He aquí una muestra estremecedora que raya en dura palabra masticada por la lucidez: deben trabajar / en el matadero / fruncir la carne / sobajar los muslos / para decir el arte es mío // aprender a dar a cambio / de otro dar a cambio / y luego forman el amasijo / del mañana // el sí substituye / al ojo o al sentido / hasta que tasan todo / sin poder oír / el verdadero precio.

El libro Reclamo, editado también por Amazonia, si bien comprende la recapitulación crítica –sin alusiones profesorales, mucho menos cientificistas- del intervalo que va de 1967 a 1991 (esto incluye los poemarios antes comentados), es justo acreedor de nuestra más curiosa y afectuosa simpatía, la cual compartimos con el poeta Oswaldo González.

La temática y el tono de Reclamo, muy variados para pretender una forzada unidad de conjunto, deparan momentos de indudable goce poético: Desde el paradójico hálito religioso del inicio, madre agua / de cerro / tibio / piedra padre / en mis pies // yo vengo / con dios empobrecido / son mis labios / de miedo // mi ofrenda; la arista cuestionadora fundada en una fe asediada por las contradicciones, de ahí su tenor dialéctico, apenas una piedra / que no se tuerce / dura soy / y no converso más / que pasaba por fuerte / y ya me adhiero al olvido / como para ser hombre / y seguir esperando; hasta las peripecias de la antípoda atracción - confrontación amorosa convertida en unidad de vida, espoleada por un cortante sentido humorístico en un espejo extraordinario, ir al baño agachado como mujer / ir al baño y bañado por la mujer / salir del baño / y vestido por la mujer / calzado por la mujer / besado por la mujer / femenino / inválido, lo cual nos mueve a cantar con Chico Buarque “Todo el día yo pienso en poder parar, / al mediodía pienso en decir no, / luego pienso en la vida y continuar, / y me callo con boca de arroz”.

Px, en cambio, constituye una colección poética conmovedora que se afinca en la consideración del Otro, el enfermo o la parturienta atados a la cama de cualquier precario hospital de América Latina.

Es inolvidable la metáfora viva, completada al final de la guardia mientras el hambre se resguarda bajo el toldo de una panadería: porque al lado tengo una cama con / un niño / todavía despierto a estas horas / uno cree que todo el hospital sea un barco / por el ruido o por los cambios / de adentro y afuera / cuando cada mañana atraca / al lado de la calle.

Después que la lluvia amarga ha rasgado el paisaje, la calma chicha anuncia un retorno a otra jornada preñada de trajín y tedio, lo cual trae consigo el énfasis de la condición anónima de los pacientes, los Px según la nomenclatura propia del oficio; no es stultifera navis, pues de esa masa informe leudará la transubstanciación del pan y el café de la mañana en un trozo / de bello objeto / un cuadro sin ser aún naturaleza muerta / con desdibujamiento / fuera de la idea de perfección / cuando la soledad pertenece al silencio / de quien no habla.

Solonbra es un título cuya asidua relectura nos permite experimentar el más grato de los asombros: se contrapone el castellano estándar al ladino o castellano del siglo XV, lo cual supone una vinculación por partida doble: al habla de su infancia a la manera de la lengua del afecto familiar, y a Sefarad como la entrañable patria fundada en los inicios de la Diáspora en la Península Ibérica. No se trata de un traicionero juego de traducción que va de un habla a la otra, pues Pérez Só no las confronta “en el sentido de dos versiones lingüísticas de una sola naturaleza”; sino en un diálogo enriquecedor que explora sus vasos comunicantes, fortalezas y aspectos diferenciales “como si fueran octavas musicales diferentes, de modo que los hallazgos se multipliquen en los patrones de lecturas”. Establezcamos las asociaciones no sólo relativas al tema, el entorno religioso y cultural sefardí, sino también apreciemos la musicalidad distinta que sin embargo las hermana y complementa: yerba / yerbika / ke al Gan Eden me memora / tenra y fresca en la berdor / ke de Dio / me bas meldando (pequeño / puño de yerba / pequeña que el Gan Eden me recuerda / tierna y fresca en tu verdor / que de Dios / me vas enseñando) // de bes en bes / bolta la pekenyes / si ti desmiro / agora (vuelve la niñez / si te contemplo / de un instante al otro / ahora). Confluyen Don Sen Tob y Jorge Manrique en un diálogo poético que ennoblece el castellano, sin mediar las tensiones históricas que no sirven de pretexto para sostener la intolerancia de larga data entre vecinos mal avenidos.

Sólo me resta ofrecer esta panorámica modesta de la obra poética de Reynaldo Pérez Só, como obsequio que manifieste sin cortapisas el privilegio de ser no sólo su lector, sino también un discípulo agradecido y, por supuesto, un amigo solidario y orgulloso en el más denodado de los entusiasmos.

UNA FOTO COMENTADA Y COMPARTIDA CON LÊDO IVO

2011-06-16T14:38:00.000-07:00

Agradezco al poeta y fotógrafo Luis Alberto Angulo esta afortunada imagen, cuya locación es la Librería del Sur, Teatro Teresa Carreño de Caracas (martes 14 de junio de 2011, a eso de las diez y media de la mañana). Lêdo lleva en sus manos el número 43 de la revista Zona Tórrida recién entregado por Luis Alberto y yo. Espero que mi ensayo "Lêdo Ivo y la Poesía del Decir", allí publicado, le complazca mucho. De la breve conversación que sostuve con él, me sorprendió que me confundiera con un crítico de Nueva York: soy tan sólo un ensayista compulsivo y un docente impenitente que labora en el Barrio Bicentenario de Valencia. Al parecer, logró acceder a un breve ensayo mío -sobre su obra poética, por supuesto- publicado en este blog. Es un privilegio y un placer indecible leerlo, glosarlo y acompañarlo en este travieso y afectuoso redtrato.

PRESENTACIÓN DE LA ANTOLOGÍA BILINGÜE "EL SILENCIO DE LAS CONSTELACIONES OCULTAS" DE LÊDO IVO. 18 -6-2011, 11 AM, LIBRERÍAS DEL SUR T. TERESA CARREÑO

2011-06-16T07:55:00.000-07:00

Este sábado 18 de junio de 2011, a las 11 am, en Librerías del Sur (Teatro Teresa Carreño, Caracas) se presentará la antología bilingüe "El Silencio de las Constelaciones Ocultas" del poeta brasileño Lêdo Ivo bajo la curaduría (selección y traducción) de Nidia Hernández. Lêdo es sin duda uno de los nuestros, un gigante de la poesía en lengua portuguesa, condición especial que excede -por supuesto- su candidatura al Premio Nobel de Literatura. He aquí una muestra representativa de su obra conmovedora, rigurosa y afín a la Poesía del Decir:

ASILO DE SANTA LEOPOLDINA

Todos los días vuelvo a Maceió.
Llego en los barcos desaparecidos, en los trenes sedientos, en los aviones
ciegos que sólo aterrizan al anochecer.
En los templetes de las plazas blancas se pasean los cangrejos.
Entre las piedras de las calles corren ríos de azúcar
fluyendo dulcemente de los sacos almacenados en los trapiches
que aclaran la vieja sangre de los asesinados.
Así que desembarco tomo el camino del hospicio.
En la ciudad en que mis antepasados descansan en cementerios

/marinos
sólo los locos de mi niñez siguen vivos y esperándome.
Todos me reconocen y me saludan con gruñidos
y ademanes obscenos o extravagantes.
Muy cerca, en el cuartel, la corneta que chilla
separa el ocaso de la noche estrellada.
Los locos langorosos bailan y cantan entre las rejas.
¡Aleluya! ¡Aleluya! Al otro lado de la piedad
el orden del mundo brilla como una espada.
Y el viento del mar océano llena mis ojos de lágrimas.

(Traducción de Amador Palacios).

JOSÉ CARLOS DE NÓBREGA Y SUS SALMOS CONVULSIVOS. Juan Medina Figueredo

2011-06-16T03:52:00.000-07:00

José Carlos de Nóbrega y sus salmos convulsivos
Colocado por PatriaUrgente el 13 de junio, 2011 ·
Juan Medina Figueredo

José Carlos de Nóbrega es rigurosamente escritor y por ello, responsable lector, está severa e irónicamente comprometido con su palabra. Cuanto dice expresa una lectura matizada y tamizada; no hay desperdicio en su lengua, distante de la charlatanería. A todo compromiso crítico acude con una lectura previa, que acompaña con su ficha de estricto orden analítico, muy denso, intertextual, transtextual y complejo. Después viene la redacción de todo el texto y su inmediata y generosa colocación en línea, en su blog Salmos compulsivos.

De todo esto soy testigo, pues sin trato previo alguno, salvo fugaces saludos e intercambios de breves frases, me propuso la presentación del libro La visita del Ángel y luego de Siglo XXI, educación y revolución, calificando certeramente a este último de libro comuna, por su creación colectiva, experiencias políticas y comunitarias y condición transgenérica, reseñando críticamente uno y otro texto, semana tras semana, leyendo ambos escritos con una rapidez asombrosa y llegando a la cita en la Librería del SUR, de Valencia, con sus fichas preparatorias de la redacción del texto final, que luego me enviaría por internet.

Siguieron otras presentaciones de libros, en este último lugar, arribando puntualmente con sus escritos para compartir, primero con su lectura y luego a través de su blog Salmos compulsivos. Desde muy temprano se alineó como ensayista en los predios de las revistas La Tuna de Oro y Poesía, editadas por el departamento de Literatura de la Universidad de Carabobo, bajo la dirección de Adhely Rivero y de Reinaldo Pérez So. En este ejercicio del oficio de escritor se ha forjado como ensayista, traductor de poesía, especialmente en lengua portuguesa y comunicador en línea, esto último con sus Salmos compulsivos.

José Carlos de Nóbrega no se alinea con la burocracia, activa el círculo literario a través de los grupos Li Po y Enriqueta Arvelo Larriva; no son muchos sus integrantes, pero sí seriamente comprometidos en su quehacer y con definida trayectoria de poetas, ensayistas, editores y activistas culturales como Luis Alberto Angulo, Enrique Mujica y Richard Montenegro, entre otros.

Acostumbra reconocerse como teísta dialogante y rebelde, que conjuga la lectura de poetas, ensayistas, narradores, teólogos y filósofos, mientras atiende sus clases en un liceo del Sur empobrecido de Valencia y recoge las goteras de su vivienda en un barrio de La Florida, de esta misma ciudad. En su carácter anarco-teísta, fue un descubrimiento para él encontrarse con Jorge de Amorim, un poeta ascético, equilibrista y memorioso del portugués, de vida paralela con el español y sus raíces latinas, que vivió desconocido y callado entre nosotros, apartado en el pueblo de Bejuma, por más de cuarenta años, enseñando portugués, trabajando en un liceo y anidando en la cotidianidad de su familia criolla. Entre Ledo Ivo y Jorge de Amorim, el ensayista Carlos de Nóbrega cruza el puente del portugués Mediterráneo, Atlántico y Amazónico.

PRESENTACIÓN DE "POETAS VENEZOLANOS EN SOLIDARIDAD CON PALESTINA, IRAK Y EL LÍBANO". LIBRERÍAS DEL SUR, TEATRO TERESA CARREÑO, CARACAS, 14/6/11, 10 AM

2011-06-13T04:47:00.000-07:00

He aquí una cordial invitación de parte de los poetas Luis Alberto Angulo y Luis Ernesto Gómez:

PRESENTACION DEL LIBRO:

Poetas venezolanos en solidaridad con Palestina, Irak y Líbano (segunda edición)

de Luis Ernesto Gómez y Luis Alberto Angulo (compiladores)
EDITORIAL EL PERRO Y LA RANA, 2011
en el marco del 8vo Festival Mundial de Poesía, Caracas, Venezuela.

Lugar: Librerías del Sur, Teatro Teresa Carreño, Caracas.
Frcha y hora: Martes 14 de Junio de 2011 a las 10 am.

Los esperamos.

"Esta antología engloba diversos enfoques y estilos sobre una misma temática: el sufrimiento de los pueblos. No es un secreto ni la cantidad de atropellos contra los derechos humanos que se han cometido, ni las autoritarias intenciones de los perpetradores de estos holocaustos. Las voces de este libro pueden surgir del grito, el sentimiento y la memoria, cual retrato de un momento histórico desde la óptica de la poesía y no desde el discurso o del ensayo histórico. Vale recordar, como se señala en el prólogo, que "este no es un libro apologético de la guerra, no busca justificar intenciones antisemitas, más bien sembrar en la conciencia del pueblo paz y solidaridad, por encima de la venganza y de la muerte".

F.C. PORTO: TETRACAMPEÓN (PESE A LA PATOTA ARGENTINA DE ESPN)

2011-05-23T04:24:00.000-07:00

Estamos de fiesta con el club de nuestros amores: el legendario F.C. Porto. Esta temporada, 2010-2011, el equipo ha ganado de manera indiscutible cuatro títulos: La Superliga de Portugal (invicto en 30 partidos), la Supercopa ante su rival Benfica, la Copa de Portugal ante el Vitoria Guimaraes por goleada 6-2 y la Europa League ante el Sporting Braga. Además de la impecable dirección técnica del jovencísimo André Villas-Boas, quien superó a José Mourinho en número de títulos obtenidos durante su año de estreno (2002), hemos de destacar el aporte de sus jugadores sudamericanos: los colombianos Radamel Falcao García (17 goles en la Liga de Europa), James Rodríguez y Freddy Guarín; los brasileños Fernando, Hulk y Helton; los argentinos Otamendi y Belluschi; y los uruguayos Álvaro Pereira y Fucile. Por supuesto, los portugueses Moutinho, Varela, Rúben Micael y Rolando completaron el aporte del colectivo multinacional en la consolidación de una temporada redonda (en la Liga de Europa sólo perdieron un par de juegos ante los clubes españoles Sevilla y Villarreal).

Muy a pesar de estos logros, repudiamos la falta de profesionalismo de la patota argentina de la cadena ESPN: Fernando Palomo (lambiscón), Andrés Agulha (lambiscón y medio, sobre todo en Juego Cruzado; gracias a Dios por la venezolana Carolina Guillén), Mario Alberto Kempes (el menos malo) y Ricardo Ortiz (el peor de todos). Esta cuarteta ha intentado en vano restarle méritos a nuestro equipo, el cual acumula en sus vitrinas 25 títulos de liga portuguesa, dos Ligas de Campeones de Europa (1986-87 y 2003-04), dos tazas UEFA (2002-03 y 2010-11), una Supercopa de Europa (1987) y dos Copas Intercontinentales (1987 y 2004). No sabemos si su petulante parcialidad por los clubes europeos grandes de España, Inglaterra e Italia, obedece a su adoración desmedida por sus gringos patronos o por el vil metal (en dólares, of course). Si es acatamiento asalariado a una inconfesable línea editorial o, peor aún, porteña arrogancia insulsa, nos importa un bledo pues los hechos los dejan muy mal parados: Es una muestra obscena de vulgar provincianismo criado en sus viajes al exterior (¡Pibes, aprendan de Julio Cortázar, quien ratificó su amor por la Patria argentina y latinoamericana en París!)

Esperemos que el F.C. Porto les cierre pronto y definitivamente sus inútiles bocas al obtener otra Supercopa de Europa, bien sea ante el Barcelona o el Manchester United (equipos que respetamos muchísimo). ¡Salud, afición!

JORGE DE AMORIM: LA EMBRIAGUEZ DE LAS VELOCES FLAUTAS. José Carlos De Nóbrega

2011-05-11T14:11:00.000-07:00

JORGE DE AMORIM: LA EMBRIAGUEZ DE LAS VELOCES FLAUTAS
José Carlos De Nóbrega

La morada, esa residencia estricta, mágica y ardiente que es el poema mismo. Jorge de Amorim.
Más letal tal vez en esto que la filosofía, (la poesía) no quiso aceptar consuelo alguno y escarbó, escarbó en el misterio. Su única cura estaba en la contemplación de la propia herida y, tal vez, en herirse más y más. María Zambrano.

Resulta paradójico que tengamos pocas referencias inmediatas a la obra poética de Jorge de Amorim, muy a pesar de su brillantez, su deliciosa musicalidad y los afectos que toda ella despierta. Recordamos seis poemas suyos publicados en la revista “Poesía” (nº 58, octubre de 1981) y unas palabras generosas a propósito de la presentación o, mejor aún, el bautizo triple –en agua, fuego y sangre- del poemario “En sol de sed” de Adhely Rivero (revista “La Tuna de Oro”, noviembre-diciembre 1990). En Internet, apenas nos topamos con una nota de pesar por el fallecimiento de Manuel Álves de Oliveira (1928-2011), publicada en el sitial de “Correio de Venezuela”. A contracorriente de la intromisión mediática, Jorge de Amorim puede dar fe de ello, pues estuvo en el sepelio conversando con Eugenio Montejo y Ricardo Reis. Por supuesto, recientemente leímos un amoroso texto transgenérico de Juan Medina Figueredo que fusiona el ensayo, la antología poética y la literatura epistolar: Jorge de Amorim es un navegante de la tradición de Enrique El Navegante, Fernando de Magallanes, Vaz de Camoens y Fernando Pessoa. Se trata del capítulo IX, “El Lenguaje y la Poesía”, de su Libro Comuna “Siglo XXI. Educación y Revolución”, en el que se escenifica un Té para Tres Poetas: Julio Escalona, Eugenio Montejo y un Jorge de Amorim que pospone la timidez y el silencio.

El rey Alfonso X, El Sabio, desarrolló su discurso político y jurídico en castellano, mientras que la poesía se balanceaba en la ternura musical del galaico-portugués. Siete siglos después, Jorge de Amorim compone su poesía en portugués y español con una rigurosa conciencia compulsiva de las palabras: AS PALAVRAS: Irmâs nossas.// Bondosos rostos asoman, / detrás do muro das coisas. El poema breve, tríada de versos esta vez, es una aproximación precisa y sentida al mundo que desdice despropósitos retóricos. La poesía, sin deponer su esencia dialéctica, nos arrebata en un Estado de Gracia que colinda con la revelación y el placer: Es el camino estético y crítico que triza mercados de vida ultraterrena y, al punto, de chatura consistencia materialista que se centran en la consumición del fetiche. Coincidimos nuevamente con el poeta Medina: La etimología del portugués, del galaico portugués y del castellano, con secas pero vivas raíces latinas, se convirtió en su delirio. Asimismo con María Zambrano, cuando plantea que la Poesía no tiene como apoyatura el establecimiento y la afirmación del Poder, por el contrario, constituye una apasionada entrega a confusas ensoñaciones enclavadas en la humanidad frágil, fracasada mas de una conmovedora hermosura. Si bien Platón exilió a los poetas en la configuración de la República idealista, la filosofía, la historia y la poesía persisten en un diálogo proclive a la vida que posibilitará un saber integrador, conciliador y liberador. Jorge ratifica la diafanidad del Decir en un texto dedicado a Heráclito: Do tempo, flui / só a imagem que me fui. // E a onda nâo imuta / meus verbos reflexivos. / Esta água absoluta… / Dos rios relativos. Sí, en definitiva, un poema no se baña dos veces en el mismo río.

La poesía de de Amorim, no en balde su brevedad y austeridad in crescendo, comprende seis décadas diferentes –con un receso que va de 1962 a 1987- y más de veinte poemarios. Destacan títulos tales como Anjos Tristes (1956), A Beleza e as Lágrimas (1957), As Origens (1962), Tierra de Nadie (1987, Monte Ávila Editores), Barisfera (1988), Raiz da Noite (1991), Os Veios da Pedra (1993) y Os Oráculos (2004). Es notable la devota reverencia en el ejercicio responsable de la Palabra: No sólo estriba en la fluencia de otras voces (Camôes, Pessoa, Rosalía de Castro o Antonio Machado), sino también en un respetuoso tratamiento paisajístico y objetual (la rosa, la piedra, la tormenta, el poema, el mar). “Paisaje” recrea el bosque bajo el efecto multisensorial del haiku revisitado: Azul viento. / Los álamos que barren el cielo (¿o del chicotazo aforístico de las Greguerías de Ramón Gómez de la Serna?). “Uma Rosa” denuncia la tensión de Eros y Tánatos, inmediata, cotidiana y descarnada: Tranquila, / de si. Aí. // Eo nada aniquila. “Numa Pedra” corresponde a la Otra educación por la piedra cantada por Joâo Cabral de Melo Neto, centrífuga y predidáctica, cercana al alma cuarteada tanto en el asombro como en el sufrimiento: Eras branca. / E resides / aí. Tâo discreta, de frio / mortal, / que só esta alegria / à tua perfeiçâo conduz. El paisaje se interioriza, mixturando el concepto y la pulsión emotiva manifiesta en multitud disonante: ROTACIÓN: Abierta, nunca. / Mi total curva. // (La inmortal sierpe / de luz. Indemne.) // ¡Oh vivo círculo, / viciosísimo! El truco de la cola mordida trasciende lo cíclico, pues atamos simultáneamente cielo y tierra por vía de la rima y las aliteraciones que lindan el travieso palíndromo: NOCTURNO: O mundo exorbita / a órbita do mundo. // O mundo e o mundo.

Observamos (¿se nos antoja?) que de Amorim nos propone una aproximación mística y religiosa (en tanto modo de vida, no hueco ritual) a las cosas que nos tocan en la cotidianidad. Tanto en la aparente ausencia de Dios como en su terca y acosadora omnisciencia: TRISAGIO: Destruid de Dios el templo. / Lo reconstruiré en tres versos: // santo es sólo el tiempo! / Santo es sólo el cieno! / Santo es sólo el fuego! Precisamente, el himno se justifica en la perfección del número tres, pues encarna La Trinidad cristiana que a su vez nos remite al cruce de tres sendas: filosofía, historia y poesía. La fe auténtica no es posible sin la sal de las contradicciones: El misticismo es otra de las manifestaciones de la lucidez en su confrontación con las mezquindades y maravillas del mundo. La obra de San Juan de la Cruz y Fray Luis de León, no en balde sus connotaciones místicas y religiosas, tiene un peso específico en la historia de la literatura universal y –por ende- de la sensibilidad humana. ¿Qué nos resta decir de la obra de San Ignacio de Loyola respecto a la construcción del discurso barroco? A tal respecto, Jorge nos obsequia una extraordinaria versión del forcejeo entre Jacob y el ángel: CONTENDA: Tudo está Dito. / Agora, / triunfe o silêncio mais firme / da pedra. // Contendas / de espumas e lágrimas / de mar a arcanjo, / ou de rocha a fogueiras / (queimadas)…/ Tudo está Dito. / Agora, / triunfen / só a espadas do dia! Al alba se evidencia la rebelión metafísica, Camus dixit, de ángeles y hombres: Yo me rebelo, luego somos. Nuestro poeta no discernirá la luz de las tinieblas, más bien deja respirar, susurrar y aullar la legión que nos importuna por dentro: ODA AMARGA: Verbo / de mi sangre acerbo. // Te enciendes. Lo bello / desde ti formulas. / ¡Impuro atropello! // Mi luz atribulas. Evoquemos el terceto que cierra el soneto “CLARIDAD” del poeta brasileño Lêdo Ivo, el cual comparte también esa sed desmedida por la luz y las tinieblas: Recurro a la noche si quiero mostrar / a las fracturas expuestas de mi ser. / Y si quiero esconderme, busco el sol. La oposición aparente entre claridad y oscuridad, musicalizada en un caso por la rima consonante y en otro por el verso libre, esclarece el concierto polifónico del alma en la apropiación del mundo. Ratificamos que la verdad que encara la poesía incluye ambos extremos y sus grises; no puede estar mediatizada por códigos morales ni por una preceptiva que cosifiquen el texto poético. Valga esta tríada como colofón de este tema fundamental: CLARIDADE: Nega os olhos. / E as luzes. // É a luz.

No debe sorprendernos la preocupación de Jorge de Amorim en torno al discurso matapoético, la reflexión pertinente sobre el oficio per se: POÉTICAS: Nâo posso contrastá-las: quero saber / unicamente de uma. / E nos seus puros termos é o meu juramento. Lo cual es muy característico de la poesía portuguesa y brasileña. Comprende el dialógico homenaje a poetas como Pessoa y Camôes, el autorretrato trazado en inequívoca alusión a las fortalezas y fragilidades propias, amén del poema objeto. La revisita a Pessoa establece vasos comunicantes con lectores como Eugenio Montejo: Longe do mar o teu mar. / E da terra a terra extraña. // Estátua de nâo estar. / Alma nenhuma, tamanha! Por otra parte, Montejo nos aconseja: La estatua de Pessoa nos pesa mucho, / hay que llevarla despacio. Agregamos la voz crítica del poeta Medina Figueredo en la conversación: El espectro del poeta portugués es una estatua que pesa mucho, por tantos espíritus heterónomos que la acrecen en el sueño, voz tras voz. Disfrutemos el tono confesional y conmovedor de dos magníficos autorretratos, sin egóticas pretensiones ni febriles espasmos bipolares: Os poemas, eles simplesmente, sâo toda / a minha irreal história verdadeira y LÍRICA: Belas sois! / E extenuantes. El poema objeto es un pretexto juguetón para decirnos la caníbal y sensual posesión de las cosas. “SEGMENTOS” pareciera regodearse en la seductora arquitectura de Oscar Niemeyer, inspirada a su vez en las garotas de Rio de Janeiro: Asceta: / límpida é a recta. // E turva a sabedoira da curva. O, por ejemplo, el magnífico tríptico que este luthier dedica al arpa (he aquí el inicio): 1 / Oblíqua chuva. // Sáo da harpa, / sâo da água, / estas cordas de ternura?

Fanáticos del Fado de Amália Rodrigues y Teresa Salgueiro (Madredeus), además del F.C. Porto, saludamos y celebramos la poesía viva de Jorge de Amorim. Eso sí, parafraseando a Pessoa, mientras pese sobre nosotros “la sierva condición / De súbdito del Fado”.

En Valencia de San Simeón el estilita, sábado 30 de abril de 2011, catando un vino de Oporto.

CHARLA SOBRE LA OBRA POÉTICA DE ROSALÍA DE CASTRO (A CARGO DEL POETA REYNALDO PÉREZ SÓ). Librerías del Sur Valencia, sábado 14 de mayo 2011, 9:30 am

2011-05-09T05:40:00.000-07:00

Estimados Amigos, he aquí la siguiente invitación:

Charla sobre la obra poética de Rosalía de Castro (a cargo del poeta Reynaldo Pérez Só)

Fecha y hora: Sábado, 14 de mayo · 9:30 am - 12:30 pm.

Lugar: Librerías del Sur Valencia, primer nivel del C.C. Camoruco, Avenida Bolívar Norte.

Más información:
El Grupo Li Po y el Grupo Literario Enriqueta Arvelo Larriva les invitan a la charla sobre la obra poética de la escritora gallega Rosalía de Castro (Santiago de Compostela, 1837- Padrón, 1885), la cual estará a cargo del poeta Reynaldo Pérez Só. Acude, sólo la poesía satisface.

INVITACIÓN A LA CHARLA "REVOLUCIÓN Y ESPIRITUALIDAD" (LIBRERÍAS DEL SUR VALENCIA, SÁBADO 7 DE MAYO 2011, 10 AM)

2011-05-02T04:41:00.000-07:00

Estimados Amigos: He aquí esta invitación del Grupo Li Po y del Grupo Literario Enriqueta Arvelo Larriva:

Charla sobre Revolución y Espiritualidad
Sábado, 07 de mayo · 10:00 am- 1:00 pm
Librerías del Sur Valencia, primer nivel C.C. Camoruco, avenida Bolívar Norte

El Grupo Li Po y el Grupo Literario Enriqueta Arvelo Larriva les invitan a la charla "Revolución y Espiritualidad", la cual estará coordinada por los escritores Juan Medina Figueredo y José Carlos De Nóbrega. Entre los tópicos a tratar tenemos el ensayo El Hombre Rebelde de Albert Camus, la obra de Dietrich Boenhoeffer y Leonardo Boff. Además se proyectará el documental "Las Cuatro Ecologías de Leonardo Boff". Acude, sólo Dios y la rebelión satisfacen.

LA PARADOJA DEL ENSAYO: UNA MIRADA AL BLOG DE JOSÉ CARLOS DE NÓBREGA "SALMOS COMPULSIVOS". JOSÉ HORAKYO GUILLÉN

2011-05-01T13:28:00.000-07:00

La paradoja del ensayo: una mirada al blog de José Carlos De Nóbrega “Salmos Compulsivos”

José Horakyo Guillén

El problema del ensayo es una paradoja, la irónica relación entre libertad de expresión y decir la verdad. Entre la especulación y lo científico, entre lo objetivo y lo subjetivo. Escribir sobre cualquier cosa, criticar, narrar, dar una opinión. A veces sin manejar el tema, conocerlo. Es lo que ha puesto al ensayo en una especie de limbo entre lo poético y lo científico. La relación entre lo que quiere decir el escritor, lo que puede decir y debe decir, se encuentra mezclada y realmente poco influye en el destino del ensayo. Cada ensayista da su opinión sobre lo que, para él, es el ensayo. Desde Montaigne hasta los más actuales, cada uno se ha expresado del ensayo como algo muy propio, que obedece a normas muy laxas y que está cargado de una gran subjetividad. Sin embargo, hay algunos que defienden el carácter científico de los ensayos dedicados a los estudios sociales. El acceso a la publicación del ensayo era limitada, en cuanto al difícil acceso a los medos de publicación: el libro, la revista, el periódico. Espacio dedicado sólo a unos cuantos que según mi parecer constituían una especie de canon sobre el ensayo (sobre todo en Hispanoamérica). El auge de la red, y la creación de los ya tan populares blogs, han permitido que millones de personas escriban sobre cualquier cosa. Amas de casas, adolescentes, artistas, técnicos, etc... Este acceso a la posibilidad de escribir y publicar, leer y opinar sobre lo publicado, de manera inmediata. Modifica la forma como se lee, provocando una interacción escritor-lector que puede cambiar incluso la forma y el contenido de lo escrito. Algo imposible que sucediera con el libro tradicional. No comparto la idea de llamar a este fenómeno “la democratización de la escritura”, ya que aun hay que vencer algunos obstáculos relacionados con el acceso a las computadoras y la red por parte de la mayoría de las personas. Aun venciendo estas limitaciones quedaría el gran problema de la confiabilidad de lo que se lee, por lo cual sería injusto dejar la responsabilidad única al lector. Entendiendo que el escritor no debería refugiarse tras la mampara subjetiva del ensayo, aceptando de antemano a su creación como una simple interpretación de la realidad que pueda estar muy lejana de la verdad. Sobre todo cuando se escribe sobre temas de gran interés para lo humano. Para nada sería ésta una intención por limitar la libertad de expresión, sino establecer una especie de ética ensayística. Los ensayos sobre estudios sociales, literatura, arte, filosofía, psicología, psicoanálisis entrarían en esa categoría de interesantes para lo humano. En Venezuela son muchos los blogs que tratan estos temas, la mayoría suelen ser una mezcla de ensayos literarios, crítica literaria, reseña de libros, fotos, poesía, política y opinión. Es decir que presentan una estética parecida a una típica revista cultural de papel. Algunos poseen interesantes recursos multimedia, hipermedia y arte digital. Uno de esos casos es el blog publicado por el escritor José Carlos De Nóbrega, “Salmos Compulsivos”, Premio Nacional del Libro 2006, capítulo centro occidental, a la mejor página web (otorgado por el CENAL). De Nóbrega es un ensayista reconocido en el estado Carabobo, con amplias relaciones con el mundo literario. Es miembro y fundador del grupo literario Li Po y del colectivo Enriqueta Arvelo Larriva respectivamente. Para De Nóbrega su interés es la “Divulgación de mis trabajos literarios, establecer un diálogo caótico con los lectores”. El ensayista explota al máximo las posibilidades técnicas del blog, utilizando tanto el texto como la imagen para acompañarse mutuamente. Haciendo del blog algo agradable, de lectura amena. Sus ensayos, críticas y reseñas suelen ser cortas, condensadas. Con un lenguaje técnico preciso. De Nóbrega es un cronista de la actividad literaria regional, reseña los libros que se editan, los recitales de poesía. Hace crítica de cine, traduce poesía del portugués al español. En alguno de sus escritos da su opinión política, sobre lo local o nacional. Evidentemente está relacionado con las corrientes literarias de la izquierda. Se evidencia como un gran lector, ya que escribe para promocionar la lectura, o así parece. En su último escrito titulado: La bitácora Solidaria de Juan Medina, De Nóbrega afirma:

“Siglo XXI. Educación y Revolución, por fortuna, es un libro desconcertante e inclasificable. Lo que podía suponer –inferido el título- un manual de educación postmoderna, constituye un conjunto de cuadernos de navegación que recorren diversos temas en un soporte transgenérico e intertextual. Juan Medina Figueredo profesa su fe en la humanidad por vía de la fusión de la autobiografía, el ensayo, la crónica, la poesía y la conversa pedagógica. Posee un indiscutible carácter objetual, siguiendo los poemas objeto de Joan Brossa, tenemos en las manos un Libro Comuna: el lector puede abordarlo sin importar el plan ni la estrategia (en mi caso, el orden fue arbitrario y anarcotrotkista, he aquí la sucesión de los capítulos leídos I-II-IV-V-IX-VIII-VII-VI-III-X)”.

El manejo de términos sobre teoría literaria es adecuado, se reconoce hábil en el manejo del elemento crítico y lo explota al máximo. Haciendo una reseña critica. Utilizando a Liliana Weinberg, quien usa a su vez a Juan José Saer, podemos afirmar que la obra ensayística, tanto en los libros de textos como en los escritos subidos al blog, pertenece al género de ensayo “sin orillas”. Basando esa afirmación en lo amplio de la temática tocada por el autor que se “pierde en el horizonte”. En “La visita del ángel: el edén recobrado por asalto”, De Nobrega desarrolla:

“Sin duda alguna, la literatura venezolana nos demuestra momentos estelares de apego a la tierra, por vía de su refundación en la memoria. Es pertinente una revisita a la región de Unare, recreada en el inolvidable volumen de “El Osario de Dios” de Alfredo Armas Alfonzo; el bullicio de los lunes en Arismendi, patente en la poesía de Adhely Rivero; la muerte de Justina, la meretriz del pueblo, trae consigo un vívido recuerdo de la serranía falconiana en la novela “En virtud de los favores recibidos” de Orlando Chirinos. Qué decir de dos magníficos ejemplos de la entrañable simbiosis habida entre la poesía y la crónica: “Carama” de Igor Barreto, cuyos asombrosos versos nos sumergen en el río Apure junto a monturas y jinetes asesinados; o ese enclave escondido que es el pueblo El Castaño, tema y tono rural de “Los Difuntos” de nuestra querida Vielsi Arias. Hoy nos complace hasta el tuétano conversar sobre un maravilloso libro de Juan Medina Figueredo. Sí, “La Visita del Ángel” constituye una aproximación sentida y poética a Aragua de Barcelona, esa hoja de cayena color ocre adosada al costado derecho del estado Anzoátegui, tal como la habíamos visto en un mapa antiguo. Su reciente lectura nos ha deparado una experiencia que raya en el privilegio y el placer. Acompañamos el texto introductorio de Carlos Noguera, solidario y todo acierto, cuando señala que los lectores estarán envueltos en su personal recreación mítica (y poética, lo seguimos machacando) del origen”.

De Nóbrega es un escritor apasionado, descriptivo, pero manifiesta ese apego por respetar la máxima del ensayo de dar vueltas en círculo, rodear, acercarse pero nunca llegar al centro. Me hace recordar a Octavio Paz y su Arco y la Lira. Además de ejercer una interesante obra divulgativa, historiográfica y cronística de lo literario en Carabobo, desarrolla una intensa labor de traducción, como es el caso de la poeta Ana Cristina Cesar del Brasil:

Cómo afeitar el paisaje

La fotografía
es un tiempo muerto
ficticio regreso a la simetría

secreto deseo del poema
censura imposible
del poeta

Miro mucho tiempo el cuerpo de un poema
hasta perder de vista lo que no sea cuerpo
y sentir separado entre los dientes
un cordoncillo de sangre
en las encías
*
Sin ti mi bien soy lago, montaña.
Pienso en un hombre llamado Heberto.
Me acuesto a fumar bajo la ventana.
Respiro con vértigo. Ruedo en el colchón.
Y sin bravuconería, corazón, subo el precio.
*
Allá donde me cruzo con la modernidad, y mi pensamiento atraviesa como un rayo, la piedra en el camino es el tiempo que arrojas del campo.
*
Ahora, de inmediato, es aquí que empieza la primera señal del peso del cuerpo que sube. Aquí cambio de mano y empiezo a ordenar el caos.

También el blog es utilizado para publicar escritos de otros autores, amigos, o miembros del colectivo literario donde hace vida. Publica manifiestos, invitaciones de otros colectivos y fotos hechas por él o por otros. Un ejemplo de esto es “Conversaciones con taxistas (2). Pedro Téllez”:

“Un taxista de 80 años, el doble de mi vida. Tiene unos hijos que son profesionales y otros no, unos le ayudan y otros no, por eso sigue trabajando. Antes manejaba un camión pero se le dificultó con la edad, lo cambió por este carro. Al saberme médico me pregunto por el Viagra: lo tomé con una carajita hoy, la llevé a comer y luego al motel, es una amiga más joven, cincuenta añitos. Su esposa es la misma desde su juventud. Lo peor que le ha pasado fue la muerte de su hijo a los trece años: un joven hermoso. Se infectó de tétanos: hice todo pero en esa época…. Su recuerdo más antiguo es de cuando vio a la Virgen: La vi en el cielo, tenía yo 8 años o algo así, era hermosa, todavía la recuerdo azul, azul filtrado… no me dijo nada”.

12 de abril de 2011.

Tomado de http://www.horakyo.blogspot.com/ . Agradecemos a José Horakyo sus generosos comentarios para con este espacio e invitamos a los lectores a navegar en su estupendo blog.

SIETE POEMAS DE JORGE DE AMORIM

2011-04-25T06:05:00.000-07:00

SIETE POEMAS DE JORGE DE AMORIM

CÓDIGO

Poeta comigo.

Palabras instigo.

Ardentes. E sós.

Nem o amor intrigo:

de mim nem de vós.

ROSA

Completa.

Roda

de música. Hermética.

Do seu fogo é toda.

NUMA PEDRA

Eras branca.

E resides

aí. Táo discreta, de frio

mortal,

que só esta alegria

à tua perfeiçâo conduz.

PESSOA

(Revisited)

Longe do mar o teu mar.

E da terra a terra estranha.

Estátua de nâo estar.

Alma nenhuma, tamanha!

AUTO-RETRATO

¡No soy a la imagen

de nadie!

Un Dios no conozco

tan bello y tan tosco.

COSMOGONIA

Si creo

yo un átomo feo

de mi nada...

¡Bello Dios, estalla

la rosa tuya y su valla!

LÁPIDA

Cuando el poeta se muera,

sabed

que murió desde afuera:

de pie,

¡fulminado en su guerra!

Jorge de Amorim, nombre poético de Manuel Alves de Oliveira (Gandra, Oporto, 30-1-1928-Bejuma, Carabobo, 13-1-2011). Poeta portugués residenciado en Venezuela durante más de cuarenta años. Ejerció la docencia en el país (educación media y enseñanza de la lengua portuguesa). Los poemas fueron tomados de Raiz da Noite, antologia poética, Venezuela (1995, Limiar Editora, Porto). Entre sus libros de poesía tenemos Anjos tristes (1956), A beleza e as lágrimas (1957), Palavras sâo coisas amadas (1960), As origens (1962), Tierra de nadie (1987, Monte Ávila Editores), O tempo e o acto (1987), Barisfera (1988), Raiz da noite (1991), Os veios da pedra (1993) y Os oráculos (2004).

TESTAMENTO DE JUDAS BIFRONTE. COLECTIVO MÍSTICO ANARQUISTA ¡RASPUTÍN VIVE! (COMISARAVI)

2011-04-23T13:24:00.000-07:00

Yo, Judas Alcaparra Salasocho -la taguara cierra a las nueve-, oriundo de Valencia de San Desiderio -cuyos huesos depositados en el Templo de Don Bosco así lo certifican-, les comunico mi última voluntad recogida en este breve testamento. Como ustedes pueden ver, agoniza nuestro tiempo zahiriendo a Valencia, la de Venezuela, con administraciones de gobierno nefastas y autodestructivas, proclives al suicidio urbanístico, político y cultural. Confesamos nuestra vil sociedad electorera que emparenta -de manera aparente y no transparente- la godarria local con el funcionariato estalinista que simula un discurso revolucionario. Ea pues señoras (Virgen del Socorro y Rosa de Luxemburgo), manifestamos el impío traspaso de los bienes mal habidos y las misiones por tan mediocres mayordomos o servidores públicos:

1.- Decretamos que a partir de hoy se recogerán en la región todos los billetes de dos bolívares fuertes (2 bs. F.), para financiar el ecocidio sostenido de las toninas que resten en el país. En consecuencia, Marcos el Breve -director de operaciones de la Corte- transformará el Teatro Municipal en el Matadero Ictiológico de la Valencia del Rey y el Acuario de Valencia en la ampliación del Cementerio Municipal (los que han muerto en cautiverio sólo pueden llamarse platillos a servir en la mar chica).

2.- Es obligatorio el consumo de la carne blanca (cual las barbas del burgomaestre) de las toninas aludidas en tiempo de cuaresma (a tal efecto, el poeta Fáver Páez tendrá como misión -¿castigo?- suministrar tal producto alimenticio al mercado Pestíferico de la Ciudad durante dicha época).

3.- La Plaza Bolívar será el paradigma urbanístico de la ciudad (siguiendo la tradición de los pacos ecocidas, tramitamos con la Universidad de Carabobo -adjunta la curaduría de los hermanos Rodríguez, no los boleristas, sí los especialistas de arte improvisados por la derecha- la hórrida reja que la encarcelará para siempre). Por supuesto, vagos anarquistas, la fuente no escupe pa'rriba sino pa'bajo a los fines de hidratar las plantas insolentes de los transeúntes.

4.- Si sobra plata de la incautación de billetes referida en el artículo 1, se creará un fondo de Promoción de las Artes Escénicas y Musicales: Radio Rochela (en versión "socializante o fruit pomch"), Franco y Oscarcito, Chino y Nacho, el musical "Moisés" de la Iglesia Mercantil Maranatha y todo lo que sea música idiota. Asimismo los monólogos ultraderechistas de Cara al Sol de Luis Chataing, Laureano Márquez, Teodoro Petkoff y Henry Ramos Allup. La literatura y, en especial, la poesía serán desterradas de nuestra estalinista y goda comarca.

5.- Decretamos donar el Puente Morillo al renegado Yuri Valecillo para sus incursiones fotográficas sartreanas (para ver si así no echa tanta vaina).

6.- Se decreta la reducción del presupuesto educativo y cultural en todo el estado, pues el perraje pa'l autobús. El dinero producto de la aniquilación de estas partidas se destinará al fomento de los juegos de envite y azar, modalidad Bingo, para el disfrute lúdico de la godarria valenciana. Por supuesto, los docentes estadales servirán de ujieres, lavacarros, choferes, mayordomos y cachifas de las siete grandes familias godas y sus adláteres ucistas y burocráticos.

7.- La bendición del mar, no del Cabriales ni del Lago de Valencia, será una fiesta ultramontana de obligatorio cumplimiento por todos los súbditos del estado.

8.- Se expulsará a Richard Montenegro del estado -sus habitantes, en especial los de Naguanagua, no le proveerán asilo ni bastimento so pena de encarcelamiento-, pues ha injuriado al funcionariato cultural aborreciendo del Realismo Socialista y del Despotismo sensiblero y de media solapa de nuestra ilustre godarria. Esta medida ha sido solicitada también por sanedrines y clubes cómicos de dispersa ralea, instituciones solitarias a las que nos debemos.

9.- El programa televisivo culturoso de José Tazpikent y sus amigos será transmitido al amanecer, al mediodía y al anochecer para sumir en las tinieblas a la población. Esta medida es mucho más efectiva que la destrucción de los libros y los bienes culturales a lo largo de la historia de la humanidad (es también más barata, si no vean su pobrísima y presuntuosa puesta en escena).

10.- La Academia local de la lengua heredará toda manifestación literaria de la ciudad en tanto estúpida alcabala (vomitiva medida ésta, pues sus miembros no han visto tanto libro junto y padecerán de embolia en consecuencia).

Dado, firmado y sellado en el Parque Recreacional Sur de Valencia (la de San Simeón el estilita) a los 23 días del mes de abril, sábado de Gloria de 2011.

27 F: LA VITRINA ASTILLADA EN EL CANTO. José Carlos De Nóbrega. Fotografía de Luis Alberto Angulo

2011-04-19T08:14:00.001-07:00

Presentación del libro (de izquierda a derecha José Carlos De Nóbrega, Luis Ernesto Gómez y Luis Delgado Arria) en Valencia, sábado 9 de abril de 2011.

27 F: LA VITRINA ASTILLADA EN EL CANTO
José Carlos De Nóbrega

Fotografía de Luis Ernesto Angulo

Si algo aprendimos del Caracazo o Sacudón, no en balde su condición de materia pendiente, es el de constituir a la vez un episodio neurálgico de nuestra historia reciente, amén de una escurridiza metáfora que nos marca (y nos duele). Es la ciudad embargada por un estado de sitio que excede lo militar y lo policial; el cerco oprobioso y violento nos conduce a una ineludible encrucijada: el envilecimiento de un orden predatorio que somete a la humanidad o la búsqueda denodada y libertaria de una sociedad más justa. Por supuesto, las interpretaciones son variadas: comprenden el extremismo político, el diálogo transgenérico e interdisciplinario (a tal respecto, recomendamos la lectura de Ficción y realidad del Caracazo de Earle Herrera, Monte Ávila, 2011), la literatura o el conservadurismo patente en el ojo moderado y temeroso. El pensamiento reaccionario se hace sentir por vía de un discurso arraigado en la indolencia y la estupidez: Tenemos la invocación al complot de las cachitas por parte de Maricarmen Sobrino o, peor aún, la denuncia histérica de Milagros Socorro referida a la compasiva respuesta de los militares a los terrícolas saqueadores (¿acaso más de 3000 muertos no bastan?). Por fortuna, los poetas cantan a nuestras víctimas a la manera del memorial martirológico: y una bola de lava barre / a una clase gobernante / decadente y cínica, nos lo relata Armando Amanaú en el revelador volumen de 27F Poesía, memoria y revolución, colección poética bajo la curaduría de Luis Delgado Arria y Luis Ernesto Gómez y el sello del Fondo Editorial Fundarte. Entonces, la metáfora se desplaza en un espíritu comunitario y proclive al cambio: De una colmena sin miel (Joaquín Sabina dixit), manifestación de una sociedad vertical y estratificada, a Otra integrada por un mismo enjambre que goza el almibarado maná en común (sin la mediación de convencionales y represivas relaciones de Poder).

Nuestros amigos compiladores, al parecer, construyeron este poemario colectivo forzando la barra que significa la noción tradicional de antología, en tanto formato literario. La brevedad del lapso de consignación de los poemas, el núcleo temático harto focalizado, el mecanismo electrónico de difusión del concurso, la invitación inclusiva (sin importar el divorcio positivista de lo culto y lo popular), amén de su premiación en ausencia de Don Dinero, apuntan a un peculiar objeto poético comunitario, solidario y por demás paradójico. La justificación no obedece a egóticas ni inconfesables razones, por el contrario, supone una inequívoca posición estética y política respecto al 27 F y sus implicaturas: Se ha denunciado que el 27F hace parte de una larga “gramática del olvido” tras la cual vegetan la indolencia y la injusticia. Esta obra busca entonces consignar una contragramática del recuerdo como guiño problematizador a todas luces político. Este mosaico poético cumple a cabalidad su cometido: poema popular, canto de gesta de consonántico rock, poema versolibrista, rapeo urbano de barrio hasta la pata o canción necesaria, configuran un Decir poético que hace añicos todo discurso pequeño burgués que apalea a la clase trabajadora sin misericordia. Qué podemos esperar de la Derecha venezolana, ridícula en su gestualización, lumpen burguesa en su precariedad filosófica, miserable en la negación de la humanidad.

El 27 F es un fenómeno social y político de insurgencia popular difícil de aprehender, pues trascendió los diques y las alcabalas del Estado, sus aparatos ideológicos y laberintos burocráticos. Asimismo, sorprendió a la mismísima Izquierda –en repliegue táctico o no-, hasta el punto de perder el autobús de la revolución (bien lo ilustra Earle Herrera en su trabajo antes citado: En verdad, nadie estaba en la parada. Ni la izquierda, ni la derecha, ni el Gobierno, ni la oposición). A diferencia de la “Intifada” piquetera argentina, en tanto pedrada inmediata al “corralito” financiero y al decadente gobierno de De la Rúa, el Sacudón o Caracazo fue una propuesta rebelde y contundente producto de una enfermedad crónica cuya sintomatología databa del Viernes Negro de 1983. La corrupta indolencia de la clase política más la desilusión ideológica y ontológica de una izquierda trizada (no diversa precisamente), desviaron las miradas de la depauperación del nivel de vida de la mayoría de los venezolanos, amén de la metástasis del modelo de democracia representativa: ¿Hasta cuándo los traficantes del desmadre / y la congoja ahorcando las gargantas y sus gritos? / ¿Hasta cuándo, señores del poder, las manos vacías / llenas sólo por callos de esclavitud?, diagnóstico y denuncia de Valeria Cortés.

Exploremos algunas voces de este concierto polifónico y comprometido: “El Arado” de Leonardo Alezones es un instrumento lírico que indaga a la Patria en las corrientes submarinas que empinan a las olas –el mar está picado-, embriagados le cantaremos a una patria / una dama esbelta y ondeante / pudimos sentarla sobre una danta / dónde habrán quedado mis bueyes; “27-28 f” de Armando Amanaú se inscribe en la Poesía del Decir, esta vez nos dispara versos rabiosos a partir de imágenes fotográficas de Frasso y Tom Grillo, el cadáver de un hombre / cruzando la solitaria avenida / sostenido por un motorizado // montado como un ángel / apocalíptico en su nave; o el “Himno para un Pueblo Arrecho” de Obitual Pérez, con música de Lino Gallardo, es un ejercicio satírico que se deriva de nuestro Himno Nacional –anarquista en la crítica, inmediato en lo popular, Gloria al pueblo arrecho / que la vitrina rompió, / la ley ignorando, / con hambre y furor. No podían faltar dos voces urbanas de primer orden: Juan Calzadilla dibujando el caos de nuestra colmena escindida, Y una gruesa columna de humo / cuelga de la nube remota / como de un gancho de carnicería; William Osuna simula el aterrado discurso portuñol de un bodeguero en fuga, Queridos hermanos renuncio al abasto flor de Coimbra / (…) // Joâo murió defendiendo latas de atún / rollos de papel tualé viejas chuletas de cerdo / una multitud hambrienta lo colgó / en el garfio de una grúa. La lucha de clases, flaca de hambres, abunda en víctimas y victimarios: obreros, estudiantes, amas de casa, policías, militares y pacientes psiquiátricos. Los politicastros y los banqueros ven desde lejos el matadero que han creado, por lo que Diego Sequera les espeta su villanía sin concesiones escatológicas: Hijos de no las putas sino algo / verdaderamente bajo / como sus casas limpias o bibliotecas / con sus formaciones inocentes // ¿Qué nombre tienen ahora nuestros muertos en La Peste? Buena parte de nuestra intelectualidad se escondió en el discurso postmoderno, la mutua lectura onanística de la historia y el arte, amén del aplauso egótico y fútil en academias inútiles.

Precisa y pertinentemente, esta antología desafía silencios cómplices, intenciones inconfesables y despropósitos políticos y académicos. Es menester la conciliación de lo culto y lo popular, pues de lo contrario persistirá la cerca de alambre que aún nos separa. Bien nos lo canta y advierte Luis Ernesto Gómez: Solidaridad con solidaridad se paga, si no es así, el vuelto sólo / puede ser: fuego. Hay que quemar definitivamente el Renegado CJ7, esa metáfora desdichada de nuestro malestar que nos propone Luis Delgado Arria, para que su chasis sea invadido por el monte y las matas de auyama.

En Valencia de San Simeón el estilita, sábado 9 de abril de 2011.

HOMENAJE AL POETA PORTUGUÉS JORGE DE AMORIM (1928-2011). LIBRERÍAS DEL SUR VALENCIA, SÁBADO 30/4/2011, 10 AM

2011-04-18T14:35:00.000-07:00

El Grupo Li Po y el Grupo Literario Enriqueta Arvelo Larriva les invitan al homenaje que se le tributará al poeta portugués Jorge de Amorim (1928-2011). La conversación sobre su obra poética será coordinada por los escritores Juan Medina Figueredo y José Carlos De Nóbrega. La cita es en Librerías del Sur Valencia, el sábado 30 de abril de 2011, 10 am. Participa, sólo la poesía satisface.

LA PROFECÍA NUCLEAR DE KUROSAWA: EL MONTE FUJI EN ROJO (SUEÑOS, 1990). GUSTAVO FERNÁNDEZ COLÓN

2011-04-12T06:37:00.000-07:00

Hola amigos:

Hace poco volví a ver la película "Los sueños" de Akira Kurosawa. Fue escalofriante repasar las escenas de la pesadilla donde, detrás del monte Fuji, se produce el estallido de seis reactores nucleares. Las multitudes huyen despavoridas y caen al mar desde un acantilado, ahogándose irremediablemente. Unos pocos se lamentan de la falsa promesa de que las centrales nucleares serían seguras y no implicarían peligro para la humanidad. Comentan que Japón es una isla tan pequeña que no hay ningún lugar a dónde huir. Ni siquiera los delfines, por más que se alejen nadando de la orilla, podrán salvarse del efecto letal de la radiactividad. Las nubes coloridas de cesio, estroncio y plutonio, causantes de cáncer y malformaciones congénitas, inundan un paisaje desolado por la devastación.

Esta película fue estrenada en 1990. Se dice que el guión fue elaborado a partir de una serie de sueños tenidos por Kurosawa. Teniendo en cuenta que el complejo atómico de Fukushima casualmente tiene 6 reactores, que decenas de miles se ahogaron tras el reciente tsunami y que 11.500 toneladas de aguas radiactivas de la central accidentada están siendo arrojadas al Océano Pacífico, no cabe duda deque al menos este sueño de Kurosawa fue profético. Ojalá no haya sido profético el penúltimo de ellos, donde una raza de humanos mutantes que gritan adoloridos por los efectos de la radiación, son los únicos sobrevivientes de una guerra nuclear. Por fortuna, el último sueño es hermoso y esperanzador. Se trata de una aldea donde una pequeña comunidad humana vive en armonía con la naturaleza, sin luz eléctrica ni artefactos tecnológicos demasiado complicados, utilizando molinos de agua para producir la poca energía que necesitan para vivir en paz y disfrutar juntos de una existencia plena.

Aunque lo ideal es ver la película completa para poder apreciar la densidad de su simbolismo onírico, les copio la dirección en youtube donde pueden verse las escenas del sexto sueño, referido al estallido de los seis reactores: http://www.youtube.com/watch?v=kg98d1YeeGU&feature=related .

Saludos, Gustavo Fernández.

LA BITÁCORA SOLIDARIA DE JUAN MEDINA. José Carlos De Nóbrega

2011-04-06T07:35:00.001-07:00

Caricatura de Rubén

LA BITÁCORA SOLIDARIA DE JUAN MEDINA

José Carlos De Nóbrega

Siglo XXI. Educación y Revolución, por fortuna, es un libro desconcertante e inclasificable. Lo que podía suponer –inferido el título- un manual de educación postmoderna, constituye un conjunto de cuadernos de navegación que recorren diversos temas en un soporte transgenérico e intertextual. Juan Medina Figueredo profesa su fe en la humanidad por vía de la fusión de la autobiografía, el ensayo, la crónica, la poesía y la conversa pedagógica. Posee un indiscutible carácter objetual, siguiendo los poemas objeto de Joan Brossa, tenemos en las manos un Libro Comuna: el lector puede abordarlo sin importar el plan ni la estrategia (en mi caso, el orden fue arbitrario y anarcotrotkista, he aquí la sucesión de los capítulos leídos I-II-IV-V-IX-VIII-VII-VI-III-X).

Que no nos asusten sus 376 páginas, pues el lomudo volumen se deja llevar, sea la lectura de un solo tirón o por episodios –lo cual implicaría la breve visita de un médico-. Su estructura dialógica no sólo apuesta por la heterogeneidad de los materiales y los géneros (correos electrónicos, poemas, ponencias, tesis, proyectos), sino también por las voces amigas o interpelantes que convoca: Alí Rafael Medina, María Elizabeth, Julio Escalona, Grisel Marroquí, Eugenio Montejo o Jorge de Amorim. La conversación múltiple, como podemos observar, pulveriza la ampulosidad y la ridícula prepotencia de los manuales que mucho pontifican y poco tocan. Tomemos prestado el llamado que nos hace Alejandro Rossi en el pórtico de su “Manual del Distraído”, pues en este caso se aplica a la perfección: “Léelo, si es posible, como yo lo escribí: sin planes, sin pretensiones cósmicas, con amor al detalle”. Este libro pastiche –sí, como los pastiches criollos de Luis Enrique Mármol que festejan a otros poetas-, se regodea en la militancia, el juego que es el habla, la amistad y el amor a la palabra.

El primer capítulo es un inicio imprescindible, pues el tono autobiográfico y confesional atrapa magníficamente al lector: este maestro que ejerce en el momento de la jubilación –esto es júbilo-, vincula la educación con la vida en la trastienda lúdica del Decir: La escuela de la vida y de la muerte excede la prisión que implica el aula, se hace carne en el canto quejumbroso de la batea, la flagelación cruenta e impía de la tortura, o la belleza que campea impune “en medio de la fealdad y la insalubridad”. El confesor, entonces, lee atentamente el libro que es él mismo. Por tal razón, nos complace la calidad retratista del capítulo II: compartimos con Juan el elogio amoroso a los camaradas y amigos Jorge Rodríguez, Julio Escalona y José Alexander Ferrer; por supuesto, en la ausencia del slogan hueco que es trizado por nobles y solidarias pinceladas.

La educación que descansa en la mollera y la panza, tiene como cimientos amar a Dios sobre todas las cosas y, en especial, al Otro –nuestro prójimo, al alcance de la mano-. Lo cual trae consigo quebrantar el individualismo a expensas del amor que debemos al pueblo. Es pertinente la revisita del poema que Luis Enrique Mármol le obsequia a José Tadeo Arreaza Calatrava: “Estaba solo en medio de la noche sombría, / junto al amor unánime de la ciudad vibrante… / Estaba solo, solo… y Gulliver sentía / la tristeza de ser gigante!” El ejercicio del magisterio connota Amor y Control, como bien lo canta Rubén Blades; va a la par de la prosa que oficia Juan Medina Figueredo con ternura cortazariana, eso sí, sin deponer el agudo filo de la crítica. Invitamos a los lectores a revisar las “Proposiciones para un círculo de conversaciones poéticas, políticas y espirituales” que Juan firma con nuestra amiga Solveig Villegas: La Universidad deja de ser ramplona escuela de artes y oficios, casa tenebrosa del despropósito político y farisaico mercado de cachivaches de toda índole; se trata de transformarla en un enclave de inclusión que repotencie al Poder Popular. Es menester acabar de una buena vez por todas con el oscilar universitario venezolano, de lo conservador a lo liberal; la propuesta revolucionaria apunta a edificar la universidad sobre la roca que es la Ciudad educadora y la pedagogía de la ciudad, instancias del diálogo que nos libera definitivamente.

El arte es factor integrador de las ciencias y las humanidades, por lo que prescinde y tritura la odiosa mediación de los comisarios políticos de turno. Este valiosísimo libro ratifica el compromiso del artista que forcejea con el ángel rayando el alba. Bien nos lo advierte Ludovico Silva: “La sociedad capitalista, que tiene más muertos que un gato, ha logrado integrar a ciertos artistas a sus estructuras; pero son pocos casos. La mayoría de los pintores y poetas siguen haciendo contracultura”. A tal efecto, les instamos a leer con lúdico placer el capítulo IX que conversa sobre El Lenguaje y la Poesía. Más allá de su calidad ensayística, configura una antología poética mínima cuya virtud radica en dejar respirar a dos de los nuestros: Eugenio Montejo (su producción más reciente) y Jorge de Amorim. Sean todos bienvenidos a esta Fiesta de la Palabra y el Corazón.

En Valencia de San Simeón el estilita, 31/3/2011.

LA VISITA DEL ÁNGEL: EL EDÉN RECOBRADO POR ASALTO. José Carlos De Nóbrega

2011-03-30T06:18:00.000-07:00

Realidad platónica, óleo de Cristóbal Ruiz

LA VISITA DEL ÁNGEL: EL EDÉN RECOBRADO POR ASALTO José Carlos De Nóbrega

Trabajaba la tierra de Unare este Concho Guaita y no dejó de guardar restos de suelo en las uñas ni siquiera después de muerto, a pesar de la mortaja. Alfredo Armas Alfonzo, El Osario de Dios.

Sin duda alguna, la literatura venezolana nos demuestra momentos estelares de apego a la tierra, por vía de su refundación en la memoria. Es pertinente una revisita a la región de Unare, recreada en el inolvidable volumen de “El Osario de Dios” de Alfredo Armas Alfonzo; el bullicio de los lunes en Arismendi, patente en la poesía de Adhely Rivero; la muerte de Justina, la meretriz del pueblo, trae consigo un vívido recuerdo de la serranía falconiana en la novela “En virtud de los favores recibidos” de Orlando Chirinos. Qué decir de dos magníficos ejemplos de la entrañable simbiosis habida entre la poesía y la crónica: “Carama” de Igor Barreto, cuyos asombrosos versos nos sumergen en el río Apure junto a monturas y jinetes asesinados; o ese enclave escondido que es el pueblo El Castaño, tema y tono rural de “Los Difuntos” de nuestra querida Vielsi Arias. Hoy nos complace hasta el tuétano conversar sobre un maravilloso libro de Juan Medina Figueredo. Sí, “La Visita del Ángel” constituye una aproximación sentida y poética a Aragua de Barcelona, esa hoja de cayena color ocre adosada al costado derecho del estado Anzoátegui, tal como la habíamos visto en un mapa antiguo. Su reciente lectura nos ha deparado una experiencia que raya en el privilegio y el placer. Acompañamos el texto introductorio de Carlos Noguera, solidario y todo acierto, cuando señala que los lectores estarán envueltos en su personal recreación mítica (y poética, lo seguimos machacando) del origen.

Si reparamos en el cuento La muerte de un músico (¿o más bien capítulo de novela?), tenemos que la pausada caminata de Luis Ramón Arreaza Matute se hace larga en el tiempo y en el espacio: Además de saludar el panteón familiar, se trataba de hurgar, mixturar y exaltar los recuerdos. La crónica, imbuída de realismo poético, transita diversos momentos históricos: la reivindicación de los Monagas, los inicios de la explotación petrolera, la guerra entre caudillos, las irreverencias del poeta José Tadeo Arreaza Calatrava o la guerra de guerrillas. La crítica histórica se nos hace notable y obscena: “Luis Ramón Arreaza Matute despertó agónico de una pesadilla: se ahogaba entre aguas oscuras y turbulentas, su cabeza se hundía y flotaba, la pesadez lo aplastaba y lo ahorcaba bajo algas de brea, el excremento negro ardió en llamas”. Juan Medina Figueredo, fiel a sí mismo, toma por la peligrosa cornamenta no sólo el escurridizo tema petrolero, sino también el relativo al compromiso político y la desilusión ideológica. Es una impune contraposición a una escuela inútil de críticos profesorales o, peor aún, caníbales de papel –Lêdo Ivo dixit- que engullen sus propias mentiras.

Sin recurrir a recursos colindantes al efectismo estilístico, la polifonía fluye natural y dialécticamente para fijar el conmovedor retrato de un pueblo. Fermín y Mano Lucio son dos de sus muestras más ejemplares. Por supuesto, no podemos obviar el estupendo tratamiento de la oralidad en Mano Lucio, pues el habla popular no es una pintoresca postal sorda, sino un factor decisivo en la encrucijada de hablas que ennoblece a la patria. (La vinculación de lo culto y lo popular es anatema para las Academias Globalizadoras, cuyas catedrales son los Centros Comerciales).

El espiritista exhibe una extraordinaria comparsa de personajes enredados en una cruzada religiosa, filosófica y poética que se nos antoja un homenaje a Vittorio de Sica y a Federico Fellini (en un caso tenemos la ternura solidaria del neorrealismo, en el otro el surrealismo circense y lúdico). El fragor propio de la lucha de clases nos despierta de la ensoñación divertida y pueblerina: “En el muro blanco de la ferretería escribió: ‘Ha muerto Joaquín Trincado. Viva el comunismo’. Después volaron el gasducto y ya no se habló más sino del fantasma del comunismo que recorría el pueblo”.

Este agradecido lector, amén de compulsivo polemista, ha hallado cuentos dignos de futuras antologías del género en el país. Podríamos citar dos títulos: El enano del circo y La última estación. El primero de ellos posee una atmósfera terrorífica que nos retrotráela Quiroga de “La Gallina Degollada”: la voz femenina va hilando la trama con el suspenso in crescendo de la infancia despreocupada, pasando por el idilio y cópula de los ojos naranjas aurorales de él y los ojos fresas crepusculares de ella, para devenir en la tara de los ojos bolas de cristal del hijo y sus manos de alitas. Este texto posee una calidad afín a otro cuento sobre enanos: “El enano colorado” de Michel Tournier. La última estación es un hermoso cuento que se centra en la relación problemática con la figura paterna (muchos son sus antecedentes en las artes y las ciencias: El Antiguo Testamento, la óptica parricida en Dostoyevski, el complejo de Electra, Kafka, la celebración poética de Bruno Shulz, Gerbasi, Pepe Barroeta o la película “Magnolia” de P.T. Anderson). Recrea el diálogo o la conversa triste y entrecortada entre Mercedes y Don Miguel Martínez, presidido por la desolación y la desesperanza. Tal es la desgraciada índole de su juego especular: ambos se intercambian los roles de víctima y victimario (“Mercedes mira a su confidente, que pasa sigiloso, su imagen deformada en el espejo es un soplo húmedo con una voz de sonajero solitario”).

Asimismo, hay una afortunada incursión en los géneros del Bestiario y el relato de carretera en La muerte despluma el vuelo, relato cargado de conmovedora poesía. En resumidas cuentas, “La Visita del Ángel” de Juan Medina Figueredo no se solaza en onanísticos saltos al vacío propios de la imitación burda de las vanguardias literarias. Por el contrario, propone de manera inmediata e inequívoca la vinculación indiscutible del género cuentístico con la Patria, puñados de tierra que nos remiten a la fertilidad y al amor concreto por la vida.

En Valencia de San Desiderio, sábado 26 de febrero de 2011.

PRESENTACIÓN DE DOS LIBROS DE POESÍA Y LA REVISTA TRAPOS Y HELECHOS Nº 22. LIBRERÍAS DEL SUR VALENCIA, SÁBADO 9-4-2011, 10 AM.

2011-03-30T03:26:00.000-07:00

Fotografía de Frasso

El Grupo Li Po y el Grupo Literario Enriqueta Arvelo Larriva les invitan a la presentación de los libros "27 F Memoria, Poesía y Revolución" (compilación de Luis Ernesto Gómez y Luis Delgado Arria) y "Postal de Sequía" de Freddy Ñáñez, la cual estará a cargo de José Carlos De Nóbrega. Además, el poeta Antonio Trujillo presentará la revista "Trapos y Helechos" nº 22. Lugar: Librerías del Sur Valencia, Primer Nivel del C.C. Camoruco, Avenida Bolívar Norte. Hora: 10 am.

PRESENTACIÓN DEL LIBRO "SIGLO XXI. EDUCACIÓN Y REVOLUCIÓN" DE JUAN MEDINA FIGUEREDO. LIBRERÍAS DEL SUR VALENCIA, JUEVES 31-3-2011, 3 PM.

2011-03-30T03:21:00.000-07:00

Foto de Yuri Valecillo

El Grupo Li Po y el Grupo Literario Enriqueta Arvelo Larriva les invitan a la presentación del libro "Siglo XXI. Educación y Revolución" de Juan Medina Figueredo, la cual estará a cargo del ensayista José Carlos De Nóbrega. La cita es en Librerías del Sur Valencia (Primer Nivel del C.C. Camoruco, Avenida Bolívar Norte) el jueves 31 de marzo de 2011 a las 3 pm.

Celebración del cumpleaños de la poeta Enriqueta Arvelo Larriva (1886-1962)

2011-03-08T04:59:00.000-08:00

Celebración del cumpleaños de la poeta Enriqueta Arvelo Larriva (1886-1962)

El Grupo Li Po y el Grupo Literario Enriqueta Arvelo Larriva tienen el gusto de invitarles a la celebración del cumpleaños de esta poeta. La fiesta se llevará a cabo el día sábado 26 de marzo de 2011, 10 am, en Librerías del Sur Valencia (Primer nivel del C.C. Camoruco, avenida Bolívar Norte) y la conversación sobre su poesía estará bajo la conducción de los escritores Luis Alberto Angulo y José Carlos De Nóbrega.

27-F DESDE LA PALABRA POÉTICA. FREDDY ÑÁÑEZ: ALZADOS EN ALMAS

2011-03-01T16:26:00.000-08:00

27-F desde la palabra poética
FREDDY ÑÁÑEZ: ALZADOS EN ALMAS

FOTOGRAFÍA DE FRASSO, POR SUPUESTO

Los hechos del 27 y 28 de febrero de 1989, lejos de apagarse con el tiempo o volverse inútil efeméride, se arraigan con más vitalidad en la memoria de los venezolanos. ¿Cuál es la razón que hace del Caracazo una fecha, además de inolvidable, vigente? Todas las lecturas coinciden en que aquella rebelión popular fue una victoria inédita sobre el neoliberalismo, que por entonces comenzaba a imponerse en Suramérica. Chile, primer ensayo de la dictadura del mercado, resultó ser un exitoso experimento con ayuda de Pinochet, replicable en todo el patio trasero. El segundo en lista tenía que ser el país con más reservas petroleras del continente. La mano invisible del mercado precisa la bota irascible del poder. Venezuela, subyugada por la doctrina puntofijista, según cálculos de la Casa Blanca era terreno fértil. Y es cierto que ni el recién coronado Carlos Andrés Pérez pareció medir el alcance del descontento popular que en menos de una semana marcó el quiebre del bipartidismo.

Han pasado 22 años. Cerramos los ojos para ver a través de nuestra propia sangre. No son menos de tres mil cuerpos que enterraron vivos y muertos. Víctimas de la “democracia” a quien la revolución reconoce como héroes presentes en sempiterna rebeldía. Huesos que se abrazan a otros huesos para reafirmar el ancho de esta tierra. Hoy podemos reconocer en los ausentes el comienzo de una nueva época. Más que un recuerdo doloroso, el 27-F es una fuerza que nos acompaña. El Caracazo constituye un referente para el pensamiento actual que a partir del recuerdo se abre paso hacia nosotros mismos. Al hablar del Caracazo se habla del papel histórico que desempeñan los pueblos en la escritura de su devenir. ¿Cómo operaba el Estado policial?, ¿qué papel jugaban los medios de comunicación privados?, ¿contra quién y para qué peleaba el pueblo en la calle? Ese día en que nos vimos las caras con el Fondo Monetario Internacional parece que no culmina con el simple ocaso.

Comienzo a leer algunos poemas de la antología 27F Memoria, Poesía y Revolución (Fondo Editorial Fundarte 2011) y me dilato en cada sensación a reconocer el costado verdadero (no digo real) de lo que vivimos. En 1989 yo tenía 12 años y no era dueño aún de lo que veía; por el contrario, los hechos para entonces me expropiaban de mí mismo. Acá la memoria nos impide exagerar su carácter íntimo, cada año se recuerda en colectivo. Cada 27 de febrero invita a reconstruir. Leo poemas y en ellos reconozco afectos propios. Leo lo que la vista adolescente no supo contarme para la posteridad y me leo a mí mismo estupefacto sin palabras. Siento y luego entiendo a este país. Y es mejor así, acaso sea la poesía residencia suficiente para tanta rabia y pánico junto. Cuando calla la historia, habla el poeta, el artista y, por regla general, éste lo hace para siempre. El lente de Frasso y Tom Grillo y Lilian Blaser, las canciones de Alejandrina Reyes y los poemas de estos 59 escritores nos invitan a conciliar el recuerdo con la reinvención del porvenir.

01/03/11.-

PRESENTACIÓN DE TRES LIBROS PREMIADOS. LIBRERÍAS DEL SUR VALENCIA, SÁBADO 26 DE FEBRERO DE 2011, 10 AM

2011-02-23T03:19:00.000-08:00

Vielsi Arias (foto de Luis Alberto Angulo)

Estimados Amigos: El Grupo Li Po y el Grupo Literario Enriqueta Arvelo Larriva tienen el gusto de invitarlos a la presentación de los libros "Los Difuntos" de Vielsi Arias y "La Visita del Ángel" de Juan Medina Figueredo, ambos títulos premiados en la edición 2010 del Concurso Literario Stefania Mosca (Fundarte). Además, también conversaremos sobre el poemario "Postal de Sequía" de Freddy Ñáñez, acreedor de la Bienal Ramos Sucre. Este jolgorio se realizará en la sede de Librerías del Sur Valencia el día sábado 26 de febrero de 2011, a las 10 am. Asiste, sólo la poesía y la magia de contar satisfacen.

LA ODISEA LÚDICA DE RICHARD MONTENEGRO. José Carlos De Nóbrega

2011-02-23T03:00:00.000-08:00

Richard Montenegro y Sherline Chirinos

LA ODISEA LÚDICA DE RICHARD MONTENEGRO
José Carlos De Nóbrega

En la ciudad de Valencia de San Simeón el estilita, encaramado nuestro patrón en el monolito de la Plaza Mayor, nos topamos con voces que profesan su devoción por la literatura y la mitología griega clásica: Teodoro Láscaris, por supuesto, heredero del trono de Grecia quien nos enseñó su gran filosofía en la U.C.; Alejandro Oliveros, por vía de su persistente trabajo poético y ensayístico; o Pedro Téllez, en sus comentarios añadidos y reseñas bibliográficas que tienen como pretexto conversar sobre la relectura placentera de los clásicos. Muy a pesar de las dificultades que suponen el trabajo editorial en América Latina, hallamos al fin en los estantes de Librerías del Sur Valencia, el pequeño volumen de cuentos 13 fábulas y otros relatos de Richard Montenegro.

Es un honor presentar este libro primerizo por partida triple: Es el primero de nuestro amigo Richard como autor; el primer título que inaugura la Imprenta Regional Carabobo; y mi primera experiencia como editor. Como dato curioso, presenta dos ediciones: la primera de agosto de 2007 equivalente, según reza la última página, a 500 ejemplares; la segunda de enero de 2008, corregida si se quiere, montante el tiraje en 250 ejemplares. Nos importa hablar de la obra y el autor, no de las peripecias relativas a la primera edición, dignas más bien de las disparatadas crónicas de Martín Romaña.

Las trece fábulas, a las que hace referencia el título, constituyen el motivo central de esta colección narrativa: Una aproximación lúdica y muy venezolana de la mitología griega, harto afortunada como se puede comprobar, distante de –por ejemplo- la pésima imitación de Rubén Darío atribuida a poetas pavosos y advenedizos –aquí los cisnes níveos mutan en pájaros de papel marché- o el desafortunado acercamiento de Marcel Camus al mito órfico y, peor aún, a la idiosincracia y la cultura de Brasil en el film Orfeo Negro. El tono funde la comedia, la poesía y la cita textual inteligente y oportuna: La apertura muestra la cornamenta de un Menelao escarnecido por el pueblo, en tanto desquite político del oprobio esclavista al que es sometido por la nomenclatura del clan guerrero de turno. Las verduras que la turba le arroja al cornudo monarca, nos retrotrae aquella escena de Novecento de Bernardo Bertolucci, en la que los campesinos le arrojan estiércol de caballo a los opresores. La quinta fábula nos refiere el suplicio y el despecho de Orfeo, sin importar que la locación sea un mercado de pulgas del libro auspiciado por una casa que hasta las sombras vende, pues como se sabe a esta academia se le fundieron los fusibles hace mucho tiempo. Entonces, la recreación poética del mito, equivalente a su multiplicidad de lecturas, no desdice la necesaria crítica cultural que ha de merecer un medio mezquino, tonto y definitivamente ágrafo como el nuestro (muy a pesar de los DTA en nuestras universidades e instituciones culturales): “Fue inútil, Eurídice y la cultura permanecen en el infierno”. Otra de las fábulas de nuestra preferencia se refiere a Odiseo o Ulises, viejo guerrero reconocido por su perro Argos sin importar la Jodisea que los separó durante años: “Había vuelto, él había vuelto. Con su mirada nublada busca los ojos de su amado y suspira por última vez. Y así Argos descansó por última vez en los brazos del rey de Ítaca”. El suspense implícito en esta séptima fábula pareciera remedar el Cantar de los Cantares de Salomón, las jarchas e, incluso, la relación paradójica entre perros y seres humanos –lindante con lo que llamamos el atajaperro- patente en la película Amores Perros de González Iñárritu. Por otra parte, Alejandro Oliveros nos refiere un Ulises que quiere arrojarse convulso a la mar, evadiendo así la mustia vida sedentaria en una Ítaca de oropel: “Cuánto no daría, sin embargo, por / hacerme de nuevo a la mar, alistar / el resbaloso leño y encontrarme / con el cuerpo desnudo de Calipso, / o, en la noche arenosa de Cumboto, / abrevar de Circe en sus blancos senos”. En ambos casos, sin importar las particularidades de cada quien, sólo nos resta compartir el influjo benévolo y placentero de Homero en nuestras lecturas y los garabatos que desparramamos en el papel o la pantalla de cristal líquido.

Se agregan al volumen tres relatos más: “Mediterráneo”, “Génesis” y “La Conejera”, los cuales no rompen con esta compulsiva profesión de contar y conmover al lector y al oidor (aconsejamos su lectura en voz alta). Nos complace “La Conejera”, una aproximación poética y nostálgica no sólo de la infancia, sino también del arte de narrar vinculado al goce y a la encrucijada de hablas que aún nos maravilla. Los cetáceos van a la par de la bitácora de Jasón y los Argonautas, en un periplo perpetuo en pos del Vellocino de Oro.

Valencia de San Desiderio, 19 y 21 de febrero de 2011.

AZUL FORTALEZA. ROSANA HERNÁNDEZ PASQUIER

2011-02-07T14:56:00.000-08:00

AZUL FORTALEZA

Rosana Hernández Pasquier

Sin miedo, lo malo se nos va volviendo bueno

Las calles se confunden con el cielo

Y nos hacemos aves, sobrevolando el suelo, así

Sin miedo, si quieres las estrellas vuelco el cielo

No hay sueños imposibles ni tan lejos

Si somos como niños
Sin miedo

Rosana

Es el nombre de una publicación de la amiga Marisol Pradas, excelente periodista, quien incursiona en el mundo de las letras con este su primer libro. Es, tal y como ella me dijera, una escritura autobiográfica.

Días antes de comenzar adentarme en esta lectura, había visitado a la también escritora y amiga Petruska Simne. En la conversación de ese día Petra había puesto sobre la mesa el tema de la historia personal. Mientras repasábamos momentos de nuestras vidas y retazos de las vidas otros, Petra afirmaba, palabras más, palabras menos, que parecía que ésta carecía de importancia, o que no se le prestaba la atención que verdaderamente merecía.

Pasaron los días pero había quedado inmersa en ese tema. Entonces llegó Marisol Pradas con su Azul Fortaleza para ratificar, por si existía alguna duda, que Petruska tenía toda la razón porque la historia personal es de una gran fuerza. Para contarla no se necesita ser renombrado, acreditado ni que tu nombre encabece la lista de los primeros en tal o cual cosa. Pues creemos que sólo los famosos gozan de la posibilidad de contar sus vidas. Lo verdaderamente imprescindible es tener valor. Porque de estas historias, las que habitan tras da porta, está hecha la urdimbre de las grandes tramas, esas que nos dejan con los ojos fijos en el techo como dos huevos fritos.

El libro trata, o parece tratar, sobre la fina daga de la tragedia. Ese filo que no sabemos de dónde sale, pero que nos alcanza y nos tasajea. Es la historia de una joven familia que lucha por lograr sus sueños, alcanzar las metas, mientras intentan mantenerse juntos. El esposo, un hombre amoroso, con éxito y conciente. Ella, la compañera, la esposa, la yunta, la que ampara, protege. El hijo, un pequeño, un ser inocente que quiere disfrutar más tiempo con el padre. Luchan por tenerse el uno al otro. Aspiran con esfuerzo lo mejor, trabajan para ello. En estos afanes se encuentran cuando llega la dama, la señora a la que no se puede renunciar: la muerte. Ella, con su guadaña como de luna nueva, todo lo hizo añicos.

A muerto Martín, el esposo de Marisol, en un aparatoso accidente de tránsito y la relación con la empresa transnacional para la cual trabajaba en un alto nivel gerencial, la relación con sus colegas, con esas personas con las que hasta hacía nada compartía su afecto y sus proyectos comienza a enlodarse. Truecan esas relaciones para dejar al desnudo las miserias humanas. Las ruindades enmascaradas sobre las que se pretende edificar. La empresa, empecinada en robarle, lo referente al seguro, esos cobres bien ganados, al difunto. Los compañeros en hacerse los de la vista gorda para no perder la desdichada condición de vivir a la sombra. Y así, sumando páginas, va calando una tristeza honda y una rabia de las buenas frente a la mezquindad y al dolor por el que atraviesa Marisol, y seguramente hay miles de Marisoles en el país y eso da más dolor o más iracundia. Porque Marisol en medio de la pérdida de este ser tan querido y con características tan claras y hermosas, tiene que sacar fuerzas para enfrentar a esta poderosa empresa y a la oscura conducta de quienes eran sus representantes.

Y ciertamente parece que de esto trata, pero no. Trata de cómo levantarse con decoro. Trata de quien, como bien lo dice el poeta José Joaquín Burgos, procede con un respeto irrestricto a la dignidad humana, a la vida, a los valores esenciales del espíritu. Y con un manejo inobjetable del oficio, una escritura limpia, precisa, y una lección de lenguaje reveladora de la densa formación intelectual de Marisol Pradas, de su inteligencia y de su serena belleza interior, escribe esta historia y ha construido con ese material su vida y la de su hijo.

La escritura, la confección del libro es de mucha valía. Es un libro elocuente, lleno de confianza y de dignidad. Su autora comienza a levantarse de este episodio trágico y topa con la muerte de su padre. Luego el deslave de Vargas arrasa con las vidas de su hermano y su cuñada. No queremos dar más detalles, aspiramos a encender la llama del interés para que lean, o relean quienes ya lo conocen, la Azul Fortaleza que edificó esta valerosa mujer venezolana, quien no tuvo miedo y no permitió que pisotearan sus convicciones apuntaladas en nobles valores de amor e inquebrantable esperanza.

Este libro que cuenta una historia personal, una historia además bien escrita, deja en sus lectores un poderoso conocimiento: existe la oscuridad, pero todos los días se hace la luz sobre la faz de la tierra. Podemos escoger. Marisol Pradas nos señala el camino de la luz que sale del corazón. En Azul Fortaleza, el amor todo lo puede. Amén.

PRESENTACIÓN DE "13 FÁBULAS Y OTROS RELATOS" DE RICHARD MONTENEGRO (LIBRERÍAS DEL SUR, 19/2/2011, 10 AM)

2011-02-07T05:52:00.000-08:00

Siete más siete de Cristóbal Ruiz

Estimados Amigos: El Grupo Li Po y el Grupo Literario Enriqueta Arvelo Larriva tienen el gusto de invitarlos a la presentación del libro 13 Fábulas y otros relatos (2007-2008) de Richard Montenegro. Este jolgorio se realizará en la sede de Librerías del Sur Valencia el día sábado 19 de febrero de 2011, a las 10 am. Asiste, sólo la mitología y la magia de contar satisfacen.

UNA MUESTRA POÉTICA Y PLÁSTICA DE CRISTÓBAL RUIZ (Y 7)

2011-02-06T05:22:00.000-08:00

Autorretrato (1998)

Cristo viene... huyamos!!!.

UNA MUESTRA POÉTICA Y PLÁSTICA DE CRISTÓBAL RUIZ (6)

2011-02-06T05:12:00.000-08:00

La Mona Lisa pide fiao

Puedes escribir dos hojas
que no me pertenecen

Ya todo es exquisito

Hay una cucaracha bonita
solitaria
que se esparce en la noche

No es amiga mía
Sin embargo me come la comida
el azúcar divina

UNA MUESTRA POÉTICA Y PLÁSTICA DE CRISTÓBAL RUIZ (5)

2011-02-06T05:06:00.000-08:00

Tomasa llora

Por el canso ganzo (sic)
ni violines ni llanto
de paraulatas cristalinas

Ya me cansas llanto

UNA MUESTRA POÉTICA Y PLÁSTICA DE CRISTÓBAL RUIZ (4)

2011-02-06T05:01:00.000-08:00

El Libertador

Las botas de mi hermano comunista
escondidas bajo la silla
silencio no me maten
gritaba

UNA MUESTRA POÉTICA Y PLÁSTICA DE CRISTÓBAL RUIZ (3)

2011-02-06T04:56:00.000-08:00

Los Caballos de La Luna

Me gusta el negro
lo negro es exacto
lo negro se encuentra
en la madera
en la flor
en la hoja

UNA MUESTRA POÉTICA Y PLÁSTICA DE CRISTÓBAL RUIZ (2)

2011-02-06T04:49:00.000-08:00

La Plaza (1989)

Ambiguamente el pueblo es digno
Ambiguamente el pueblo no es una nostalgia
Y uno lo quiere
Cuando hay un desarraigo total
como el mío

UNA MUESTRA POÉTICA Y PLÁSTICA DE CRISTÓBAL RUIZ (1)

2011-02-06T04:12:00.000-08:00

Mujer sentada

Martina era una amiga
que yo tenía en mi pueblo
Martina era una negra

hermosa y tierna

A Martina nunca la pude buscar
Yo no me casé en mi pueblo
Fui tan distraído
que quise ser intelectual

Nota del administrador del blog: La presente muestra poética y plástica de Cristóbal Ruiz pretende rendir un modesto y cariñoso homenaje a nuestro hombre de La Luna. Agradecemos, entre muchos de sus amigos, la presencia de Vielsi Arias, Aleja Ceballos, María José, María Fernanda, Radhamés, Richard Montenegro, Luis Cedeño y Freddy Ordaz, quienes nos acompañaron este fin de semana a festejar la partida física (5 de febrero) y el cumpleaños (6 de febrero) de Cristóbal. Los poemas fueron extraídos del blog del Grupo Li Po (el cual a su vez los tomó prestados de la Antología Poética Universitaria de La Universidad de Carabobo, Editorial Clepsidra-FCU UC-, cuya curaduría correspondió a los escritores Luis Cedeño, Slavko Zupcic y Gino González). Las pinturas tienen como fuente la página facebook Cristóbal Ruiz Pintor de La Luna (en este caso, las fotografías son de Orlando Baquero). José Carlos De Nóbrega.

HOMENAJE A CRISTÓBAL RUIZ: NUESTRO HOMBRE DE LA LUNA (SÁBADO 5/2/2011, 10 AM, LIBRERÍAS DEL SUR VALENCIA)

2011-01-31T10:26:00.000-08:00

Estimados amigos: El Grupo Li Po y el Grupo Literario Enriqueta Arvelo Larriva les invita al "Homenaje a Cristóbal Ruiz: Nuestro Hombre de La Luna", el cual estará coordinado por los escritores Richard Montenegro y José Carlos De Nóbrega. Este festejo poético y plástico se llevará a cabo en Librerías del Sur Valencia el sábado 5 de febrero de 2011, 10 am. El espíritu de Cristóbal Ruiz, artista y pintor selenita de nuestra ciudad, los espera para que todos participemos en el bochinche.

DEL DETAL Y SUS BALANCES (1) -SC16-.

2011-01-27T16:07:00.000-08:00

Salmos Compulsivos
DEL DETAL Y SUS BALANCES (1)
José Carlos De Nóbrega

Parafraseando al poeta brasileño Carlos Néjar, proponemos una síntesis de aspectos destacados durante el año 2010, por supuesto, en materia cultural. Por ahora, tenemos tres categorías: Lecturas, Películas y Acontecimientos. Nos limitaremos a suministrar las tres listas, pues en próximas entregas nos referiremos críticamente a cada nominación. Sí, luego de ensayar sobre lo positivo, construiremos sus correspondientes antilistas con los comentos añadidos. He aquí las tres listas en cuestión:

I.- LECTURAS:

1.- Huellas en el agua. Antología Poética 1956-2007 de Juan Gelman (Monte Ávila, 2010). Es una experiencia poética imprescindible dialogar con la poesía comprometida, rabiosa y experimental de este coloso de las letras latinoamericanas.

2.- Diario de la Gentepájaro de Wilfredo Machado (el perro y la rana, 2008). Esta impecable novela, acreedora de la más reciente edición del premio de literatura del Ministerio de la Cultura, nos permite reencontrarnos con uno de nuestros más apreciados narradores: Wilfredo Machado explora el alma humana en el dominio fantástico del género de la fábula.

3.- Poemas de Miguel Hernández (el perro y la rana, 2010). Felicitamos la reedición de esta selección magnífica y festiva del poeta Luis Alberto Angulo. Así la categoría celebración centenaria echa de sí efluvios pavosos y se hace poesía viva.

4.- Pasadizo. Poesía Reunida 1994-2006 de Luis Enrique Belmonte (Monte Ávila, 2009). Leída esta asombrosa colección poética, nos topamos con una de las voces jóvenes más sólidas del país.

5.- Los Difuntos de Vielsi Arias (el perro y la rana, imprenta regional Carabobo - Fundarte, 2010). Un poemario que juega con la crónica y la contemplación minimalista de un pueblo escondido entre el bullicio de Valencia y Puerto Cabello. Obtuvo la mención honorífica del premio Fundarte del año pasado.

6.- Por supuesto, Ocipucio (2010) de Argenis Salazar. Esta segunda incursión narrativa de Argenis Salazar, se nos antoja la persistencia de su oficio en lo lúdico, lo transgenérico y lo intertextual. Por supuesto, sin arrogancia ni poses de trasnochado postmodernismo.

Bonus Track: Cuestión de Énfasis de Susan Sontag (Alfaguara, 2007) y el relato El enano colorado -del volumen de cuentos El Urogallo- de Michel Tournier (Alfaguara, 2006).

II.- PELÍCULAS:

1.- Hermano de Marcel Rasquín. Una ópera prima realizada con inteligencia, talento y sensibilidad social.

2.- Un hombre serio de los hermanos Coen. Un film minimalista que considera la abulia, el despecho y la desesperanza de un personaje acosado y humillado por su prójimo. Es indudablemente una obra maestra.

3.- El secreto de tus ojos de J.J. Campanela. Su condición de thriller no condiciona negativamente ni la denuncia política de las dictaduras del Cono Sur, ni un discurso cinematográfico enclavado en la poesía de la imágenes en movimiento.

4.- Avatar de James Cameron. Esta no es una obra maestra. Sólo que su condición politicamente correcta, equívocamente ecologista y descaradamente copiona (plagia o "toma" decenas de referentes cinematográficos, literarios y plásticos), ha motivado polémicas que le escurren el bulto a lo estéril.

5.- Taita Boves de Luis Alberto Lamata. Magnífica degradación fotográfica del alma de este asturiano que aún aterroriza a los godos y neogodos de la Valencia de San Simeón el estilita.

Bonus Track: Andrei Rubliov de A. Tarkovski.

III.- ACONTECIMIENTOS:

1.- Exposición De Brujas y Curanderas de Oswaldo Vigas. Es una increíble selección que recorre todo el ciclo creativo de este artista plástico fundamental de Venezuela. Sólo que la ignorancia del gobernador Salas Feo boicoteó el cumpleaños de Vigas: Afirmar impunemente que su vasta obra pertenece al proceso de descentralización política. Otro tanto aporta un Wladimir Zabaleta que se ahoga en el océano del despropósito: La crispación imperial de María de Austria nos dice más que la exhuberancia de María Lionza (?!).

2.- II Jornadas de Creación Literaria, Voz Creativa, en homenaje a Teófilo Tortolero. Noviembre de 2010, CCEAS y Universidad de Carabobo. No nos deja de asombrar que unos simpáticos muchachos universitarios -e incluso liceístas- le rindan tributo y lecturas fervorosas a uno de los nuestros, Teófilo Tortolero. Agregamos la continuidad del Encuentro de Literatura Infantil y Juvenil organizado por la Letra Voladora de Laura Antillano.

3.- 6ta. FILVEN 2010. Más allá de la gran fiesta de la palabra en Caracas y el resto del país, el Gabinete Cultural de Carabobo rescató dignamente la Feria con su puesta en escena en el Ateneo de Valencia.

4.- Sistema de Imprentas Regionales (los pro). Si bien se han editado en Carabobo muchos más títulos que en los tres años anteriores, su distribución es harto deficiente (nos atascan y resecan los vericuetos burocráticos de siempre).

5.- Gestión Cultural en Carabobo (los pro). Pese al acercamiento (unas veces entusiasta y otras de temerosa desconfianza) del Gabinete Cultural con los creadores (en especial los escritores), nuestra ciudad sigue siendo una Vechia Signora iletrada. Por ejemplo, la Alcaldía de Valencia y su apéndice culturoso -Fundacultura- no ocultan su desvergonzada condición ágrafa: Considera la poesía venezolana en los insólitos predios de lo "posmo", para privilegiar la musicalidad idiota de Franco y Oscarcito o, igualmente, Chino y Nacho.

Sólo nos resta vuestra consideración y -en especial- vuestros comentarios, lo cual puede incluir la elaboración de vuestras propias listas.

TOMASA OCHOA (15 DE ENERO DE 1915-20 DE ENERO DE 2011)

2011-01-21T04:22:00.001-08:00

QUERELLAS A MI PUEBLO

Aquí me tienes

mi terroncito de tierra dura

vengo a contarte algunos recuentos

de mi desenvolvimiento.

No te pongas triste

si es que me ves llorar.

Es que hay algunas frases que zapatean

en lo agudo de mi garganta

sin poder brotar,

porque son duras

tienen espinas y suelen mi voz hincar.

Ay, si supieras cómo me han tropeado

las otras tierras.

Es que nunca has debido dejarme ir.

(Mi canto es el viento, 1981).

Tomado de "El Corazón de Venezuela / Patria y Poesía"(2008), Compiladores: Luis Alberto Angulo y Luis Ernesto Gómez.

15 de enero

a Montalbán

Pueblito mío

si algún día volviese a ver

¿Cuántas cosas sabrás?

aun distante sé como eres

y no escapas de mi alma

a oscuras te amo sin límite

gracias por recordarme

en mi cumpleaños.

Valencia, 15 de enero 2000/ hora 8:20 PM

Tomado de "Palabras de anunciación y de otras adyacencias. Antología plural en celebración de los 451 años de la fundación de la ciudad de Valencia" (2006), selección y prólogo: Néstor Rivera Urdaneta.

Eclipse '91

Vé y dile a Gabriel

que transité por un paraíso sin luz

y muchas veces fui quemada.

Ya me ves, escaleras arriba

doblada de cicatrices.

julio 11, '91

Tomado de "Viento de sequía sobre el arado" (1996).

Tomasa Ochoa Cordero. Nació en Montalbán, Carabobo, el 15 de enero de 1915. Falleció en Valencia de San Desiderio el día de ayer, jueves 20 de enero de 2011. Poeta y pintora. Publicó los siguientes volúmenes de poesía: Canto uno, Montalbán; Mi canto es del viento (Separata, 1981); Páginas en el espacio (Ediciones del Gobierno de Carabobo, 1991) y Viento de sequía sobre el arado (Ediciones del Gobierno de Carabobo, 1996). Participó en exposiciones artísticas llevadas a cabo en Carabobo y Aragua, destacando la admisión de sus obras en tres ediciones del Salón Michelena. El viento seguirá susurrándole versos sencillos e inmediatos y, con la vista recobrada, pintará estampas arraigadas en la tierra y el corazón.

VALENCIA DE SAN SIMEÓN EL ESTILITA: UNA CIUDAD ILETRADA (SC13). Colectivo Místico Anarquista ¡Rasputín Vive!

2011-01-06T04:39:00.000-08:00

SALMOS COMPULSIVOS
VALENCIA DE SAN SIMEÓN EL ESTILITA: UNA CIUDAD ILETRADA
Colectivo Místico Anarquista ¡Rasputín Vive!

He aquí uno de los primeros manifiestos de COMISARAVI (Colectivo Místico Anarquista ¡Rasputín Vive!), una extraña agrupación de fines inconfesables que pretende pervertir a la señorial ciudad de Valencia. No pretendo ser vocero de este brazo radical de la contracultura, antítesis de la Secretaría de Cultura del Gobierno de Carabobo y de Fundacultura, sino más bien poner en conocimiento del lector esta curiosidad sociológica. José Carlos De Nóbrega. P.S.: Confieso que de dicha organización tomé el calificativo de San Simeón el estilita, intentando inútilmente atrapar el estado mental de Valencia, la de Venezuela (Buñuel y Billy Joel dixit respectivamente).

Nuestra ciudad adolece no sólo de políticas editoriales –muy a pesar de ser enclave de magníficos poetas-, sino también de toda posible representación iconográfica, mítica y musical. Ha sido presa fácil de urbanistas ignorantes, mercaderes de feria y politiqueros de la más kitsch imaginación. Qué se puede esperar de una urbe huérfana de discurso arquitectónico. Además de la cuadrícula decadente que llamamos plaza Bolívar –si bien los zopilotes se birlaron una de las águilas del conjunto escultórico central y recién otro gallinazo la repuso cacareando su pírrico triunfo, San Simeón se mantiene aún en las alturas haciendo puñetas en dirección a Occidente-, no nos compadecen sus referencias más comerciales y fetichistas: El espejo estúpido que es la Torre Da Vinci, el juego de mesa apellidado Sambil en el remedo de un templo votivo de consumidores compulsivos, la escenografía distópica del Big Low Center; peor aún se combate la inseguridad poniendo entre rejas los pocos espacios abiertos que quedaban acá, las plazas y las calles (a tal respecto, es insufrible la Urbanización El Trigal, paradigma de un ámbito claustrofóbico presidido por la histeria de una clase media decadente). No en balde, el alcaparrado burgomaestre vive en el Parral y sus hijos concurren al Reencuentro de los ex-alumnos del Colegio San Gabriel Arcángel; mientras que su comisario culturoso -hoy radical plus- pernocta en casa tomada, acariciando en la modorra discursos pontificios dignos de la Santa Inquisición. Ya no se queman libros que importunen a la rancia Valencianidad: no es políticamente correcto, simplemente no se publican o, mejor aún, son destruidas las tripas por la incompetencia e indolencia de un funcionariato inculto embebido en la era de Acuario, la demagogia cultural (esto no es más que mero exhibicionismo) o el dar piruetas marciales ante un Buda fofo y soso sobrealimentado por las transnacionales del dinero y de la futilidad académica. O los volúmenes no se distribuyen y se consignan en casas muertas, para prevenir de una trombosis a la clase académica y política que no puede ver tanta letra junta. Añoramos la lengua y la iconoclastia de un Luis Augusto Núñez agarrando el culo de godos y arzobispos; no el guayoyo dulzón de José Napoleón alabando los dorados rulitos de una de las Maldonado, pues es virtud teologal agradecer su Doctorado Honoris Causa que es igualito al Oscar de la mercachifle Academia. La música es impuesta por Bonchona FM o los caprichos del gobernante de turno (ayer, cuadrar a martillazos una marcha en la cadencia monocorde de la gaita de furra y tambora, el estridente gillfest o el perreo del reaguetón en esos templos guturales del transporte público; hoy, el elogio a Fausto Papetti y la música bancaria que ameniza las veladas de los jueves en el Palacio de los Iturriza). Nos parece más válida la propuesta plástica de las camioneticas que vincula así nomás la ternura de los cariñositos y la esquizofrenia del monstruo de Tazmania, que el complaciente y acomodaticio discurso de Vladimir Zabaleta en la composición del retrato de la godarria valenciana; vindicamos a Cristóbal Ruiz y las sardinas fritas de la Guairita aliñadas con Polar, antes que esos horrendos caballos que galopan por la autopista en dirección a Guacara. De las efigies de los politicastros de hoy que se estampan en vallas, diarios, sillas de ruedas, muebles de plástico, dispensadores de agua, preferimos no hablar.

Definitivamente, nos queda rayar las paredes de los cagaderos como alternativa escritural libertaria.

Valencia de San Simeón el estilita, 1º de enero de 2011.

CONVERSACIONES CON TAXISTAS (2). PEDRO TÉLLEZ

2011-01-03T05:04:00.000-08:00

UN TAXISTA DE OCHENTA AÑOS

Un taxista de 80 años, el doble de mi vida. Tiene unos hijos que son profesionales y otros no, unos le ayudan y otros no, por eso sigue trabajando. Antes manejaba un camión pero se le dificultó con la edad, lo cambió por este carro. Al saberme médico me pregunto por el Viagra: “lo tomé con una carajita hoy, la llevé a comer y luego al motel, es una amiga mas joven, cincuenta añitos”. Su esposa es la misma desde su juventud. Lo peor que le ha pasado fue la muerte de su hijo a los trece años: “un joven hermoso”. Se infectó de tétanos: “hice todo pero en esa época…”. Su recuerdo más antiguo es de cuando vio a la Virgen: “La vi en el cielo, tenia yo 8 años o algo así, era hermosa, todavía la recuerdo azul, azul filtrado… no me dijo nada”.

SOY DE CAPACHO

“Esta es una crisis de las instituciones, no hay moral, uno a un fiscal de tránsito, a un policía, lo que le tiene es arrechera. Antes no era así, y no soy viejo, tengo cuarenta y tres, no se me ha caído, todavía echo siete sin sacarlo, y por eso le digo esta crisis moral es nueva. Soy de Capacho, hace poco fui para allá, ha crecido el turismo, las posadas. Cerca queda Periveca. En los Andes se dice: Ud. Esta loco, vamos a Periveca. Eso pasó a la historia, como aquí Bárbula: ¿va para Bárbula?”.

TRABAJAR BAJO LA LLUVIA

“Mire que es jodido trabajar con lluvia, un día malo, no sale la gente, los carros no frenan, y el agua trae clavos, vidrios, no se ven los huecos. Es igual que trabajar bajo la lluvia, todo va bien hasta que se le moje el culo a uno, eso si es jodido: trabajar con el culo mojado. Todo es más pesado si se tiene el culo mojado. Y dígame esas lluviecitas, llueve finito y uno cree que no se moja, y si después se entra a un sitio con aire acondicionado…”

YO YA NO ESTOY PARA ESO

“Yo ya no estoy para eso, y esas mujeres no quieren pagar la carrera, lo que ofrecen es una mamada de güevo. Todas las noches le maman el güevo al taxista que las lleva, pero yo prefiero que me paguen mi carrera. Además, si llegan tarde (muy temprano), el chulo que vive con ellas las baja del taxi a coñazos, y a lo mejor a uno también le dan. Yo ya no estoy para eso, yo no monto a mesoneras”.

LOTERÍA

Esto es una lotería. El tipo venía hablando bien conmigo, y me dijo que me metiera por una calle, y era ciega y habían unos tipos y me dije este me va a joder, y cuando me paré lo vi por el retrovisor y el otro tipo sacó la pistola y me la disparó en la cabeza pero se le encasquilló, y arranqué y al otro le daba y él me daba, y yo retrocedí, y él me dijo regresa que te doy un tiro y yo le decía que por qué me va a matar y que yo había hecho doscientos que en esa epoca era bastante y que se los daba, y en eso vi unos municipales de civil que conozco y me paré gritando me están atracando y lo agarraron, este no tenia pistola sino un peine y le dieron durísimo, y me dijeron que no lo podían detener porque no tenía nada pero que lo soltaban mañana y que lo agarrara en la calle pero yo no soy malandro, soy musico.

CONVERSACIONES CON TAXISTAS (1). PEDRO TÉLLEZ

2011-01-03T04:51:00.000-08:00

LOS TAXISTAS

Para los pasajeros que no sabemos conducir, el taxista es poseedor de un saber o técnica equivalente al del piloto de un avión o un barco, (avioneta y canoa), un saber que se filtra a otros saberes, tienen cosas que decir. Hace poco tomé un taxi, un viejo BMW, con un viejo piloto que fue taxista aéreo y me confesó que salvo el despegue y el aterrizaje que son más difíciles, el resto es mucho más sencillo que conducir un vehículo. Por cierto el señor iba volando. El taxista es un conductor que vende su fuerza de trabajo directamente al cliente o pasajero, o paga una tarifa al propietario del carro si él no lo es. El primero es un trabajador informal, liberal, como un artesano o un médico, que decide sobre su horario, las condiciones del servicio, y escoge y es escogido por el usuario. El segundo es un trabajador también informal, que paga una tarifa a expensas del sobre trabajo, se aproxima a un siervo de la gleba rodante, trabaja más de doce horas diarias, a veces las 24, no escoge a sus clientes y toma las rutas independientemente del riesgo personal. El usuario o pasajero no sabe de cuál taxista se trata, ni le interesa.

LOS TAXIS

Los taxis (así nos referimos tanto al vehículo como a su conductor) han proliferado desde hace más de una década, lo atribuimos a: la gasolina casi gratis, nomadismo, pésimo transporte colectivo, costo de los vehículos particulares, otros informales sin carro, inseguridad para caminar las calles (oscuras, sin aceras), aumento del parque automotor de carros regulados por préstamos blandos, desconfianza en los bancos, poca cultura del ahorro y se protege el dinero poniéndolo a trabajar de taxis, puestos de comida rápida y ventas ambulantes, vida nocturna, fusión en la noche de ciudades vecinas, mejoría en los ingresos de las clases necesitadas, y un trabajo que por sus características de ubicuidad permite la infidelidad, la masificación de los celulares que establecen con el taxi una relación similar a la de la orquídea y la avispa.

CLASIFICACIÓN

Según su vehículo: Propietario o no de este, legal o robado, (con papeles o sin papeles), de color blanco (patas blancas) o de varios colores (pintado o despintado), con placa amarilla o normal (o sin placa), nuevo o viejo (carcacha), con vidrios oscuros o traslúcidos (importante para las mujeres), con Aire o sin él, bueno o malo de tapicería, grande o pequeño, de cuatro o cinco puestos, con maletero o sin él, con periquitos y accesorios u original, con radio de onda corta o sin ella, con radio reproductor o sin música, con biblia para leer o sin fe, con caramelos sin burrúndanga.

Según el conductor: hombre o mujer, fresco o agotado, profesional universitario desempleado o trabajador manual, joven o con apariencia de viejo, educado o maleducado, que conduce alegre, moderado o lento, buena o mala cara, o inexpresivo, de la noche o diurno, que lo espera una familia o que vive prácticamente en el carro, taxista de oficio o matando tigre, honrado o violador según la ocasión y el pasajero, propensión a ser victima o victimario.

Según los vicios: adicto a substancias o abstemio total. Las substancias: nicotina, cafeína, alcohol (picante o cervecita), cocaína, canabis. Otra: estimulantes, sedativos, visionarios.

Según el derrotero: rutas urbanas o extraurbanas, alguna zona(norte o sur), o toda la ciudad.

Según comunicación: Habla o escucha, silenciosos.

Según precio: caros o baratos (no hay precio justo).

Según el modo: fijo u ocasional.

Según el llamado: en la calle (manitos) o telefónico.

Según la suspicacia del cliente: de línea o pirata.

Según ubicación y movimiento: parado o ruleteando.

REPÚBLICA SAHARAUI: TRES MIRADAS Y EL RITUAL DEL TÉ VERDE (SC12). José Carlos De Nóbrega

2010-12-12T05:38:00.000-08:00

La pareja del poeta Luis Alberto Angulo y su esposa Miriam apoyando la causa árabe saharaui en Madrid, noviembre de 2010.

REPÚBLICA SAHARAUI: TRES MIRADAS Y EL RITUAL DEL TÉ VERDE

José Carlos De Nóbrega

Este ojo que no puede verse a sí mismo sino como reflejo del otro

Esta férrea mano sobre mi cuello sacudiéndome

Ciega profunda hermana hazme fuerte

Casa de los desposeídos acógeme por siempre!

Gustavo Pereira.

Revisando Wikipedia, ese diccionario comercial en la red, leemos que el estatus de la República Árabe Saharaui reza lacónicamente: Soberanía discutida. Abriéndonos paso entre la abigarrada jungla de términos jurídicos y políticos que por desgracia contribuyen a levantar dobles discursos, sostenemos todo lo contrario: Soberanía indiscutible que ha sido entorpecida en los estertores del colonialismo y el imperialismo. Acompañamos de manera solidaria y entusiasta a Hach Ahmed, Ministro de la República Saharaui para América Latina y el Caribe, cuando nos dice sin cortapisas que "Queremos ser la parte latinoamericana en la orilla oriental del Atlántico y ser la parte africana y árabe en el hemisferio occidental". Parafraseando al poeta saharaui Limam Boicha, tan sólo un beso separa la boca de África de los labios de Europa y de América Latina. Por lo tanto, el sentimiento nacional saharaui no desdice su inserción en la comunidad internacional, esto es en la asunción propia de una ciudadanía universal. Recientemente, el poeta Luis Alberto Angulo nos comentaba que el pueblo español ha dado un respaldo a la causa árabe saharaui con sumo afecto, dados los vínculos idiomáticos y culturales con la Península Ibérica que exceden el colonialismo hispánico.

República Saharaui: Tres Miradas, cuaderno Nº 4 del Parlatino publicado en Venezuela, supone un aporte y soporte a la República Árabe Saharaui Democrática en la defensa de su derecho soberano de tener y vivir la patria en carísima paz, a plenitud, sorbiendo en una definitiva bocanada la inmensidad del Sáhara. Este precioso libro, prologado por Hach Ahmed, constituye un té para tres extensivo a los lectores: Mahfud Alí Beiba, Marisol Formoso y Gustavo Hernández nos invitan a conversar sobre el Sáhara Occidental y la República Árabe Saharaui, en un gentil y generoso ritual que emparenta a ambas naciones. Encontraremos en su discurso dialógico datos precisos que darán útil apoyatura al análisis histórico y político del tema, ello sin dar cuartel al fundamentalismo religioso, político o filosófico que pervierte toda conversación de sobremesa.

Mahfud Alí Beiba, fallecido hace pocos días, es una referencia política fundamental de África. Miembro constructor y Secretario General del Frente Polisario, ejerció con honestidad y compromiso diversas labores de gobierno que comprendieron la jefatura ejecutiva, diplomática y parlamentaria de la RASD. Su intervención en la 35º Conferencia Europea de Solidaridad y apoyo al Pueblo Saharaui (Barcelona, España, noviembre de 2009), recogida en este apretado volumen, conjuga la rigurosidad del análisis político y el apasionado estilo conversado de los ensayistas de buena cepa. Por ejemplo, nos describe de guisa magistral la tensión que supone la lucha árabe saharaui: la impaciencia y el desaliento que inspiran el sabotaje que es posponer constantemente el referéndum sobre la autodeterminación del país, por una parte, y el cumplimiento al cese al fuego como persistente actitud que facilite las negociaciones. Leámoslo ahora: Las dos visiones son los cuernos de un verdadero "dilema estratégico" que no puede prolongarse de manera indefinida. No podemos compadecer ese hórrido muro de más de dos mil kilómetros con el que Marruecos pretende partir el país y obstruir el afán libertario del pueblo saharaui. Sólo los gobiernos y los estados totalitarios anhelan acallar el día, para sumirnos en una impía noche y una alcahueta niebla que nieguen la esperanza de un mundo mejor. Son sus instituciones y aparatos los que practican el terrorismo -Israel, Estados Unidos y Marruecos-, no los pueblos que aún les oponen resistencia. Carteleras, carteles y holdings mediáticos -afincados en la vastedad de la mentira- se empecinan en hacernos creer lo contrario configurando el asfixiante marco del terror medieval digno de la Santa Inquisición. No en balde, Mahfud cierra filas con la Esperanza: Pero debemos convencernos de que es la otra Europa sin antecedentes coloniales ni compromisos o intereses creados en el conflicto contra la libertad del pueblo saharaui, la que podría desencadenar una dinámica de efectos benéficos inestimables. Esto es un síntoma inequívoco de su irrevocable sed de paz. Sabemos que más temprano que tarde beberemos con él el té verde, sí, al abrigo austero pero delicioso de su jaima. Tal velada no puede obviar la poesía saharaui en castellano, por ejemplo, la de la bien llamada Generación de la Amistad: "Tuve sed, y tus dedos / escanciaron el rocío. Tuve hambre, / de pan, de paz / y tus cantos me colmaron", nos canta la poeta Zhara El Hasnui.

Marisol Formoso, Vicepresidenta de la Asociación Venezolana de Solidaridad con el Sáhara, nos presenta un texto conmovedor sobre la denodada lucha de la mujer saharaui. En este caso, se funden en uno los géneros del ensayo y la poesía: Marisol establece un vínculo enclavado en la más tierna de las metáforas, la maternidad; su embarazo, el alumbramiento y el cuidado insomne de su hijo Said van a la par del proceso de formación de la patria saharaui y su corajudo pueblo. Con un verbo inmediato a la Poesía del Decir, poderoso y transparente, nos refiere su intensa experiencia por vía de la canción de cuna: Mi embarazo fue sumamente difícil. Desde el principio derramaba líquido de vida, dudas sobre el porvenir y ansiedad de poder lograr lo que por mucho tiempo había soñado. Mi bebé y yo nos organizamos para la resistencia. El amor maternal se hace patente también en la denuncia de la violación de los derechos de la mujer saharaui, de los más de 3.500 casos de desaparecidos y de los arrestos viciados de ilegalidad por parte de lo que ella misma denomina "fuerzas genocidas de Marruecos". Sin embargo, su tozudez vital le conduce a estos versos de la poeta libanesa Joumana Haddad: "Y aquí estoy retornando / aquí estoy retornando al amor / como el retorno de la leona a su esposo el león / ¿Así que quién me despojará del bosque ahora?". Destaca que en la comunidad árabe saharaui, la relación igualitaria entre hombres y mujeres descansa en un auténtico sentimiento de confianza, lo cual es garante de los derechos inalienables de la mujer al divorcio, la educación y a una mejor calidad de vida. El colofón de este hermoso discurso amoroso, no deja lugar a dudas de la pertinencia y trascendencia del combate del pueblo árabe saharaui contra las tiranías de hoy, vil remedo del despotismo colonial: Lo que si puedo decirles con toda seguridad es que es un niño libre, digno, feliz como el pueblo saharaui y que al igual que su pueblo, luchará día a día por no desaparecer, por seguir estando aquí... en este mundo, un mundo mejor que ya existe y que sólo tenemos que engrandecerlo, ponerle alas y volar con él.

Finalmente, el diputado Gustavo Hernández nos machaca impunemente su fe en la victoria de la causa árabe saharaui, amén de escribir una sentida y estupenda semblanza biográfica de Mahfud Alí Beiba, paladín de la República árabe Saharaui Democrática: Su reciente muerte es retorno al origen, a la ciudad capital y natal El Aaiún ocupada hoy por los sátrapas marroquíes, también Hégira o el viaje nocturno de Mahoma procedente de La Meca en dirección a Medina. Todo ello resume el apoyo de Venezuela a la RASD desde el inicio mismo de su gesta emancipadora, además de su ratificación indeclinable en el marco de una política exterior revolucionaria, solidaria e incluyente que se edifica en los nobles cimientos de la multipolaridad y la integración de los pueblos. Aprovechamos la ocasión para saludar y compartir el té verde con los escritores saharauíes que hacen un dignísimo uso de la lengua castellana. Deseamos conocer más en torno a su poesía performática que establece vasos comunicantes entre la música, la poesía oral y la danza. La mesa poética que nos convoca al ágape se sostiene en cuatro sólidas patas: Tradición oral condimentada con proverbios, enigmas, cánticos y cuentos; interiorización del paisaje del Sáhara Occidental; asimilación dialógica de la poesía española y, por supuesto, el espíritu libertario e independiente de su pueblo ardiente y luchador.

En Valencia de San Desiderio, hermanaza y comadre del pueblo árabe saharaui, sábado 11 de diciembre de 2010.

ADOLFO ARISTARAIN O DEL ARTE DE AMAR (SC11). José Carlos De Nóbrega

2010-12-07T05:43:00.000-08:00

Salmos Compulsivos
ADOLFO ARISTARAIN O DEL ARTE DE AMAR
José Carlos De Nóbrega

Hay un poco de mí en ti / pero es mucho más que lo poco de ti que hay en mí // Mi orgullo está en / saber que esta vez / he dado más de lo que recibo. Somari de Gustavo Pereira.

A Sherline Chirinos, este homenaje a su doctorado amatorio por partida doble: en poesía y música.

Adolfo Aristarain (1943, Buenos Aires) es uno de nuestros más grandes autores cinematográficos. He tenido la fortuna de toparme con cuatro de sus películas (muy a pesar del sonso acecho del cine hollywoodense): Tiempo de Revancha (1981), Un Lugar en el Mundo (1991), Martín (hache) de 1997 y Lugares Comunes (2002). A tal respecto, valga el agradecimiento a la Cinemateca del Aire de Rodolfo Izaguirre, la Televisión Española y el Cine Arte Patio Trigal de la U.C. fundado por Daniel Labarca. Tal cuarteto de Buenos Aires-Madrid tiene como nudo temático la problemática del Amor, sin almibaradas piruetas que la resequen y corrompan: el mismo Aristarain nos lo confiesa -llanto porteño interpuesto- cuando constata día a día lo difícil que es amar al Otro con sus virtudes y defectos. Se nos une Ingmar Bergman al advertirnos que debemos cuidarnos de los que nos aman, en la sabrosura del goce y en la fragilidad del dolor; Miguel Hernández nos lo canta también en un terceto magistral: “¡Oh la luz de mis ojos qué serena!: / ¡qué agraciado en su centro encontrarías / el desgraciado alrededor del llanto”. La galería de personajes de esos cuatro maravillosos largometrajes, protagonizados por el estupendo cómplice que es Federico Luppi, constituye el museo de cera en donde somos víctimas y victimarios de este porfiado e incendiario afán amoroso.

Tiempo de Revancha es un film político contundente, antítesis del panfleto realista-socialista: Pedro Bengoa, un desilusionado sindicalista de izquierda, busca estafar a una empresa minera depredadora de los hombres y el entorno, simulando la mudez producto de una explosión “accidental” en la mina. En ese proceso de robar a un grandísimo ladrón, su siglo de perdón transita del “medio palo verde” (500.000 $) a un reencuentro con su espíritu rebelde y militante. Tanto es así que, reunido con el soberbio patrón, renuncia a su botín para proseguir el litigio, pintándole una salvaje paloma en sus capitalistas barbas. El final es intensamente terrorista: Bengoa, ante el espejo, se corta la lengua en un acto de personal purificación revolucionaria. Se sugiere entonces una recreación del aterrado silencio al que fueron sometidos nuestros pueblos por cruentas dictaduras apátridas; se nos antoja una revisita a la Cólera Buey de Juan Gelman: “toda poesía es hostil al capitalismo / puede volverse seca y dura pero no / porque sea pobre sino / para no contribuir a la riqueza oficial”.

Un Lugar en el Mundo es una obra madura y harto conmovedora: Los personajes –destaca el inolvidable cuarteto actoral de Luppi, Cecilia Roth, José Sacristán y Leonor Benedetto- van en pos de un posible espacio redentor, lejos del mundanal ruido urbano, centrado en una comunidad de campesinos y pastores de ovejas. La familia integrada por Mario, Ana y su hijo Ernesto vive allí su exilio, provocado por la represión militar en la Argentina de los años 70: Ellos alientan una cooperativa de pequeños productores de lana que sería finalmente derrotada por los terratenientes y la empresa transnacional de turno; por lo cual Mario en un acto aglutinador de la clase trabajadora, o -peor aún- de desesperación anarquista, quema el inventario para no darle gusto al Gran Patrón. El bello paisaje será arrasado por TULSACO en la golosa extracción del excremento del diablo, el petróleo. Más allá de las implicaciones políticas y sociales, nos toca el vínculo dialéctico y amoroso entre sus personajes, de una bella humanidad que nos arrastra al tango o a la samba triste de sus vidas.

Martín (hache) es una crónica amarga de la educación sentimental de Martín Echenique: Se refiere al pánico que le inspira ejercer el amor, patente en los muros de Jericó que se construye para ser inaccesible a su país, su hijo Martín Hache y su amante Alicia (encarnada por una deliciosa Cecilia Roth). Nuestra mirada hambrienta se recreó en los senos al descubierto de Alicia, así como también nuestra tristeza flotó abrazada al cadáver de esa hermosa mujer en la piscina, hecatombe suicida a los terrores y titubeos amorosos de Martín padre.

Valga este final abierto: Lugares Comunes –transmitida por tves el pasado domingo- toma como pretexto la devastadora crisis económica argentina del patilludo y boludo Carlos Menem, para retomar el tema de nuestro lugar en el mundo, teniendo como marco el devenir amoroso y personal. En este caso, Fernando Robles –profesor jubilado a juro por la burocracia menemista- redescubre en el exilio vivido cortamente en su charca de Córdoba, la sirga amorosa con su mujer Liliana (confieso que me enamoré de ella y de la actriz Mercedes Sampietro) y la vida misma. La charca, bautizada con el nombre 1789, representa la materialización de sus sueños de libertad, igualdad y fraternidad que pretenden desbordar el desmadre que ha sido siempre el mundo. Lamentablemente, la muerte le impide disfrutar junto a Liliana esa comuna del amatorio corazón libertario. Sin embargo, esa dama de niebla (Gustavo Pereira dixit) acomete entusiasmada el majadero proyecto comunitario de su querido esposo.

En síntesis, Adolfo Aristarain es uno de los nuestros, pues tercamente chicotea la desilusión que nos provoca las miserias de este mundo en el cual se desparraman nuestros estragos, pero también el amor materializado en las locas empresas que seguimos realizando. No nos importa seguir combatiendo sin cuartel a TULSACO, bien sea empresa minera, petrolera, mediática o inmobiliaria. Indudablemente, vale la pena seguir expulsados de tales paraísos artificiales que execran al amor.

En Valencia de San Simeón el estilita, martes 7 de diciembre de 2010.

PRESENTACIÓN DEL CUADERNO Nº 4 DEL PARLATINO: "REPÚBLICA SAHARAUI: TRES MIRADAS". LIBRERÍAS DEL SUR VALENCIA, SÁBADO 11 DE DICIEMBRE DE 2010

2010-12-01T02:51:00.000-08:00

El Parlatino, el grupo Li Po y el grupo literario Enriqueta Arvelo Larriva tienen el honor de presentar el Cuaderno Nº 4 del Parlamento Latinoamericano "República Saharaui: Tres Miradas", en solidaridad con este pueblo del Sáhara Occidental. La cita es el sábado 11 de diciembre de 2010, 10 am, en Librerías del Sur Valencia y se contará con la intervención del embajador de la República Saharaui, el diputado Gustavo Hernández y el ensayista José Carlos De Nóbrega. No faltes, acude a este evento de contristación con el pueblo saharaui.

¡EL GRUPO LI PO VIVE! (SC9). José Carlos De Nóbrega

2010-11-24T05:42:00.000-08:00

Salmos Compulsivos
¡EL GRUPO LI PO VIVE!
José Carlos De Nóbrega

Fotografía de Luis Alberto Angulo

Fue de suma complacencia la invitación que nos extendió Laura Antillano para participar en el V Encuentro de Literatura Infantil y Juvenil en Valencia, la de Venezuela como le gusta recalcar al escritor José Rafael Pocaterra. El jueves 11 de noviembre de 2010, conversamos sobre el Grupo de Incursiones Culturales y Científicas Li Po en el marco del Ciclo Descubriendo Lectores y Escritores. Agradecemos la generosa y traviesa presentación de nuestro amigo y escritor Gustavo Fernández Colón, quien calificó mi compulsiva pluma de temible para algunos y apreciada por otros, camaradas entrañables. En primer lugar, les transcribo la ficha técnica de nuestro colectivo, terco por demás: El Grupo de Incursiones Culturales y Científicas Li Po nació hace seis años (2004) en la ciudad de Valencia de San Desiderio o San Simeón el estilita. No nos mueven los subsidios ni las prebendas burocráticas –aunque no nos disgustan los aportes espontáneos en metálico de amigos, camaradas o simpatizantes-, tan sólo la consolidación de un diáfano espacio de conversación, discusión y debate de ideas en torno al elástico y escurridizo magma en que han embadurnado al mundo de la cultura. Podemos decir, con suma fortuna, que nuestro teatro de operaciones favorito es la sede de las Librerías del Sur (Kuai Mare, como la apodamos con afecto) de Valencia, locación en la que desarrollamos la mayor parte de nuestras actividades, los sábados en la mañana (es nuestra sinagoga lúdica y desinhibida). Gracias totales a nuestros amigos Norma Agatón, María Fernanda Chacón y Radhamés Serrano por la generosidad de la cual hacen gala. Pueden contactarnos a través de nuestra página blog http://grupolipo.blogspot.com y nuestros buzones electrónicos grupolipo@hotmail.com y grupolipo@gmail.com.

En un principio el grupo estuvo integrado por Andrés Cerceau, Orlando Oliveros, Yilly Arana, Guillermo Cerceau, Richard Montenegro y José Carlos De Nóbrega (los dos últimos coordinan hoy la página blog y la planificación de los eventos respectivamente). Entre nuestras actividades más exitosas tenemos los Ciclos de Charlas tales como Septiembre Diabólico, homenaje al Diablo que convocó por igual a ateos, legionarios de María y evangélicos pentecostales; Lecturas Cinematográficas, en el que se disertó con gusto sobre la obra de Pasolini (la trilogía de la vida), Bergman, Ridley Scott, entre otros; Mes de la Fotografía: Una parada del dolor, motivo para la celebración de las imágenes inolvidables de Diane Arbus, Robert Capa y Lewis Carrol, amén del maravilloso trabajo ensayístico de Susan Sontag sobre el Mauser que las detiene en la amorosa memoria; la accidentadísima pero estupenda exposición Afiches Equívocos de Guillermo Cerceau y Luis Mavilla, indagación crítica en torno a dicho formato comunicacional; y nuestra ecléctica participación en la III FILVEN CARABOBO 2007, la cual comprendió la atenta consideración de la obra literaria de Héctor Murena, la reivindicación de la poesía de Teófilo Tortolero o la revisita del cómic y la contracultura a la luz del trabajo del norteamericano Robert Crumb y el argentino H.G.Oesterheld. También el grupo ha desarrollado un trabajo editorial en alianza con otras organizaciones –generosa en unos casos, tensa y contradictoria en otros-: El Elefante Muere (2007) de Guillermo Cerceau; 13 fábulas y otros relatos (2007 y 2008) de Richard Montenegro; Antología Terrorista del Grupo Li Po (2008) y Para machucar mi corazón: Una antología poética de Brasil (2010) bajo mi curaduría.

En la actualidad, nuestro colectivo cuenta con la participación y cariñosa complicidad de muchos amigos: Luis Alberto Angulo, Leonardo Alezones, Raquel Santeliz, Sherline Chirinos, Julio Rafael Silva, Pedro Téllez, Oswaldo González, Manuel Da Silva y el Gallo Mujica, entre otros. Hemos celebrado en Librerías del Sur y luego en el bar La Guairita, acompañados del grupo literario Enriqueta Arvelo Larriva y el Colectivo Místico Anarquista Rasputín Vive! (a la manera de brazo de choque), el Cumplesiglo de nuestro pastor cara de papa Miguel Hernández. A contracorriente de nuestros adversarios de variopinta ralea, que van desde la adecopeyanidad a la nomenclatura pseudoizquierdista, no nos declaramos becerros del arte y la cultura, sino sus más entusiastas arrieros que llevan incrustadas la ciudad y el llano en la sien.

En Valencia de San Desiderio, prima hermana de la Loca de la Casa, 24 de noviembre de 2010.

CONVERSATORIO SOBRE LA CANCIÓN NECESARIA LATINOAMERICANA, UNIVERSIDAD DE CARABOBO, 26/11/2010, 9 AM

2010-11-24T02:34:00.000-08:00

Sherline y Daniel Viglietti: ¡Vengan pa'que los vean!

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El Grupo Li Po y el grupo literario Enriqueta Arvelo Larriva tiene el gusto de invitarlos al Conversatorio "La Canción Necesaria en la Tradición Cultural de la Izquierda Latinoamericana", a cargo de nuestra amiga y poeta Sherline Chirinos. El evento se realizará el viernes 26 de noviembre de 2010 en el pabellón 6, Facultad de Ciencias de la Salud de la Universidad de Carabobo, a partir de las 9 am. Asiste, sólo la poesía y la música satisfacen.

CONVERSATORIO: "MIGUEL HERNÁNDEZ: NUESTRO PASTOR CARA DE PAPA". VALENCIA, 26 DE NOVIEMBRE, 4 PM; SAN CARLOS, 27 DE NOVIEMBRE, 10 AM

2010-11-21T15:59:00.000-08:00

Estimados Amigos: El Grupo Li Po, el grupo literario Enriqueta Arvelo Larriva y el Ministerio de la Cultura (Gabinetes de Carabobo y Cojedes) invitan al Conversatorio "Miguel Hernández: Nuestro Pastor Cara de Papa", a cargo del ensayista José Carlos De Nóbrega. Además, De Nóbrega presentará su compilación Para machucar mi corazón: Una antología poética de Brasil. En Carabobo, la actividad se realizará el viernes 26 de noviembre de 2010 en el Ateneo de Valencia a partir de las 4 pm. En Cojedes, se llevará a cabo en la Cinemateca Nacional de San Carlos el sábado 27 a partir de las 10 am. Asiste, sólo la poesía y el compromiso con la humanidad satisfacen. P.S.: Avísenle a la burocracia cultural desprevenida que podrán enterarse de quién demonios es Miguel Hernández, alto pana, poeta y combatiente. P.S.2: Nos acompañará el amigo y ensayista Julio Rafael Silva, quien acaba de obtener la mención honorífica en el Concurso de Ensayo Miguel Hernández auspiciado por la Universidad Nacional Experimental Yaracuy.

UN JUSTO HOMENAJE A DOS DE LOS NUESTROS: ANA ENRIQUETA TERÁN Y GILBERTO MORA MUÑOZ.TEATRO MUNICIPAL DE VALENCIA, 9/11/2010

2010-11-06T17:56:00.000-07:00

Nos sumamos al homenaje que el Concejo Municipal Bolivariano de Valencia le tributará a dos de los nuestros: Ana Enriqueta Terán, una voz poética fundamental del país, y Gilberto Mora Muñoz, militante socialista y periodista de postín. El evento se llevará a cabo en el Teatro Municipal, el día martes 9 de noviembre de 2010 a las 10 am. Acude, sólo el compromiso con la poesía y las causas populares satisfacen. P.S.: Esta invitación tiene una implicación afectiva y artística, nada qué ver con darle un espaldarazo a la pésima gestión estadal y municipal de nuestra desafortunadísima ciudad.

UN REDTRATO DE LUIS ALBERTO ANGULO Y DOS POEMAS DE MANUEL DA SILVA

2010-11-02T16:57:00.000-07:00

He aquí cinco invitados al cumplesiglo de Miguel Hernández, de abajo hacia arriba y de izquierda a derecha: Xiomara Ortega, Sherline Chirinos, Richard Montenegro; Orlando Zabaleta y José Carlos De Nóbrega

DOS POEMAS DE MANUEL DA SILVA

miguel hernández

el tiempo a veces es una brisa como la de miguel
ya son cien años justos de él
perseguido
eterno
sabedor
de los tiempos
de cosecha
de cárcel
de libertad y
de sangre
aún así cien años no son nada
y son todos

la compulsión de josé carlos de nóbrega

sus lentes distantes,
las manos extrañas aferradas a la botella de ron,
la entrañable compañera de aquellas horas
de eremita lector de libros
y oficiante de este culto de sombras y papel,
un olor a lluvia paseando
cerca de ese cuento de un viejo luchador,
fallecido hace tanto tiempo
que los relojes, negados a seguir su marcha,
ríen otra vez frente al ron

DOS TEXTOS EN HOMENAJE A MIGUEL HERNÁNDEZ

2010-10-31T16:07:00.000-07:00

30 de Octubre 2010, 00h. Ni más ni menos

Argenis Salazar

Hoy, para ahorrarnos tiempo y energía (dinero), en Europa retrasaremos nuestros relojes una hora menos. Ni más ni menos. Hoy, nada más y nada menos, se cumplen 100 años del nacimiento del poeta Miguel Hernández: Clásico, moderno; entero. Los más que los menos, retrasan su lento minutero, en medio de millones de segunderos (Lichtenberg: Maquinador, maquinista, maquinero). Un año ni más ni menos, adelantaron sus hipócritas homenajes patrioteros. En América Latina, España, y hasta en el cielo. El amigo, el camarada, el traidor, el infame y hasta el clero. En academias, burdeles, senados, plazas y escuelas (cárceles con maderos). En telediarios, periódicos, blogs, chats: la red social de los embusteros. Hablaremos, escribiremos y le cantaremos; con sincero e impotente oportunismo de ciego. Lo que importa es lo que importa, su poema justo y certero. La Poesía como motor del tiempo y el poeta como relojero. O como de Lautréamont se escribiera “…el escritor como voluntad del número cero.”.

Madrid, sábado 30 de octubre de 2010.

EL AJO PARA LOS ESPEJOS

Leonardo Alezones

/A Miguel Hernández

Miguel
Cerrarse como una cebolla
Como un ajo
Cuando el todo alabó lo que hablabas
Amaste el ser
Incluso en los dolores
El sexo en una vela encendida
Barrotes y castigo
Por nada más que amor
Ahora iluminas la tierra
Desde un verso un pedazo de papel
Allí títere del destino
Haz sangrar el nylon
Hasta ver a la mañana atarlos

/30-10-2010

SOSPECHOSOS HABITUALES DE COJEDES (SC6). José Carlos De Nóbrega

2010-10-31T12:40:00.000-07:00

Salmos Compulsivos
SOSPECHOSOS HABITUALES DE COJEDES
José Carlos De Nóbrega

Es preferible / beberse / el día / que vivirlo. Isaías Medina López.

La foto que ilustra este compulsivo escrito, se nos antoja el retrato festivo de una escuadra del infierno. De izquierda a derecha se disponen estos poetas del estado Cojedes: Eduardo Mariño, Isaías Medina López, Willian Ramírez y Johnny Figueroa. Ellos, gracias a la modorra de las estructuras de poder, se han apoderado de la ciudad de San Carlos de Austria como el vampiro ebrio que bebe lascivo de las tetas voluptuosas de una hermosa (y nada candorosa) guaricha. Cada vez que tengo el privilegio de contactarlos, la poesía, la irreverencia y el veneno etílico sazonan nuestra conversación despiadada y comunitaria. Eduardo Mariño ha publicado libros de poesía y prosa que cuentan con nuestra entera complicidad lectora: La colección poética A la salida del fastuoso recital (Monte Ávila, 2009) que reúne los poemarios Por si los dioses mueren (1995), La vida profana de Evaristo Jiménez (2002) y Nocturno del espeso mediodía, el cual se encontraba inédito; La Salvación por el Hastío (2006), colección de cuentos que configuran una aproximación sentida y conmovedora a la mujer, quizá en el ejercicio de la memoria que trae consigo una educación sentimental propia y auténtica. La poesía de Eduardo, polimórfica en el formato, comprende el cuidadoso cultivo del poema breve, la prosa poética y el aforismo en tanto instrumentos que despellejan salvajemente al mundo. Al igual que Manuel Bandeira, está hasta la coronilla del “lirismo funcionario público con libro de punto expediente protocolo y manifestaciones de aprecio al sr. Director”, militando en la teoría del poeta sórdido: aquél en cuyo discurso tenemos el estigma sucio de la vida, el camión que nos salpica de barro nuestra ropa blanca y bien planchada. No hay santo bastardo ni rituales desencaminados que queden sin decapitar: “Lo he oído alguna vez: SON EL DOLOR ABRASADOR QUE SE PEGA A LA ESPALDA DE LOS HOMBRES” (IV, 13). Isaías Medina López escribe una poesía bohemia en un homenaje permanente a la vida, tal como lo comprueban dos de sus libros: De bares y mujeres con intención precisa (1995) e Isaura: de la medianoche a la repentina ausencia (2003). El discurso poético de Isaías despide despojamiento formal, ironía y una musicalidad tierna muy cercana a la guaracha, el bolero y otros géneros adosados a nuestras queridas rocolas. En la búsqueda desesperada de Isaura, otra sensual guaricha que se nos cruza en la vida, la voz poética casi llega a mutar en ánima en pena como aquellos conmovedores fantasmas lánguidos de Juan Rulfo: “Sumamos una jauría de acecho / que anuda su rabia en la esperanza”. Willian Ramírez se confiesa antiacadémico en el claustro mismo de la Academia: Su primer título, Metamorfo (2007), constituye una burla cuasi quijotesca –incluso afortunadamente cantiflérica- de las formas literarias y discursivas que estercolan la vida y el pensamiento de los hombres. Los formatos seleccionados por Willian aparecen diseccionados en toda su mustia fragilidad, al igual que las desafortunadas ranas con el tripero afuera y a merced de púberes malcriados y docentes indolentes: sean chispeantes anuncios clasificados, catálogos variopintos de mujeres buenas, sugerencias que desencaminan al igual que los libros de autoayuda o credos y plegarias a la inversa. En síntesis, se liba golosamente “toda la clorofila del mundo” en los ojos poéticos de una mujer (tercera guaricha que aturde nuestros sentidos sin piedad). Finalmente, el gordo Johnny Figueroa disfruta su exilio en una llanura cercana a los amores: “plus / calor espeso / de San Carlos / ventilador difusor / apenas”. Los telegramas, las cartas y las postales de su primer libro, Selección Aleatoria (2009), representan la deliciosa bitácora vital de un viajero de estirpe homérica: No se regodea en la universal oposición campo / ciudad; por el contrario, su discurso del Decir interioriza y se apropia del paisaje en tanto cálida experiencia poética. Por ejemplo, el sol que calienta a Caracas es creación de Jesús Soto, no del dios que justifica el vil boato de curas y arzobispos depredadores de la fe. Valga este comentario entusiasta y afectivo por nuestro cuarteto diabólico de San Carlos de Austria. Valencia Hernandiana, 31/10/2010.

MIGUEL HERNÁNDEZ CUMPLE CIEN AÑOS (SC5). José Carlos De Nóbrega

2010-10-24T10:07:00.000-07:00

Salmos Compulsivos
MIGUEL HERNÁNDEZ CUMPLE CIEN AÑOS
José Carlos De Nóbrega

Los poetas somos el viento del pueblo: nacemos para pasar soplando a través de sus poros y conducir sus ojos y sus sentimientos hacia las cumbres más hermosas. Miguel Hernández.

Para beneplácito de los lectores, disgusto de los fascistas e indiferencia de los funcionarios culturales, nuestro poeta Miguel Hernández cumple cien años en el marco generoso de la vigencia y la pertinencia de su maravillosa obra poética. Encontramos en el corpus de su poesía la convergencia de lo clásico y lo renovador: Nos retrotrae la poesía y la prosa de los gigantes del Siglo de Oro Español, amén de erigirse en testigo y partícipe despiadado de su tiempo histórico, colindante con la Guerra Civil Española y el ascenso del totalitarismo en Europa (Hitler, Mussolini y Stalin –el dispensador de derrotas, según un visionario Trotsky, que contribuyó decisivamente a la caída de la República Española-). Miguel, nuestro pastor cara de papa, abrevó en la poesía barroca de Góngora y Quevedo sin que se viera afectado el vínculo y el compromiso de su propia obra con la cultura popular, lo cual sumó calidad expresiva a su denodado rol profético en la denuncia de la injusticia que es la opresión de los más pobres. Por eso afirmamos que Miguel Hernández es el padre de la Poesía del Decir: aquella que se concibe desde imágenes poderosas que recreen al mundo, en la ausencia de viles dispositivos retóricos; esto es compulsión por la vida que conversa con el Otro y, por ende, consigo misma. El discurso poético cobra una transparencia sin par, antítesis irreconciliable de grises veladuras neblinosas que extravíen a hacedores y lectores en una daltónica comparsa. Luis Alberto Angulo, poeta inequívoco del Decir, publicó en 2005 (bajo el sello editorial el perro y la rana) una conmovedora antología del pastor de Orihuela, la cual comprende los poemarios Imagen de tu huella (1934), El silbo vulnerado (1934), El Rayo que no cesa (1934-35), Otros poemas (1935-36), Viento del pueblo (1937), El hombre acecha (1937) y el libro póstumo Canciones y romanceros de ausencias (1958), amén de dos poemas sueltos. Esta cariñosa colección incita una primera y reveladora lectura por parte de los más jóvenes y, a la vez, una revisita placentera y necesaria de ojos más viejos y no menos asombrados. Luis Alberto nos presenta a uno de los más grandiosos sonetistas de la lengua española, de la estirpe poética de Quevedo, Góngora y Garcilaso (permítasenos agregar a dos sonetistas de lengua portuguesa: Luis de Camoens y Lêdo Ivo), amén de la precisión expresiva y conceptual de Gracián. Para muestra, valga esta inigualable estrofa: Gozar y no morirse de contento, / sufrir y no vencerse en el sollozo: / ¡Oh, qué ejemplar severidad del gozo / y qué serenidad del sufrimiento! También esta afortunada selección clava en las rugosas paredes del corazón textos elegíacos de honda belleza como el dedicado a Ramón Sijé: Yo quiero ser llorando el hortelano / de la tierra que ocupas y estercolas, / compañero del alma, tan temprano. No es contradictorio el influjo surrealista en el poema Sino sangriento o las Odas dedicadas a Aleixandre y a Neruda, si lo confrontamos con el persistente realismo contundente de textos como Sentado sobre los muertos y El tren de los heridos: La inmediatez de la imagen poética es perfectamente válida sin perderse en los vericuetos de los estilos o las escuelas literarias, lo cual no es comprendido por los críticos, empecinados siempre en colocar la carreta antes que los caballos. Por supuesto, la bella complejidad inmediata de la poesía de Miguel Hernández no es territorio de repetidores de slogans mustios, ni de onanistas personalidades culturosas que anteponen las carreras de carritos con rolineras a estrofas amorosas como esta: Morena de altas torres, alta luz y ojos altos, / esposa de mi piel, gran trago de mi vida, / tus pechos locos crecen hacia mí dando saltos / de cierva concebida. Valga la invitación, amigo lector, a la celebración del Cumplesiglo de Miguel Hernández el sábado 30 de octubre de 2010, 9:30 am, en la sede de Librerías del Sur Valencia. Acude cantando Para la libertad, sólo la poesía nos colma y satisface.

GRAFITIS. Yuri Valecillo, texto e imágenes

2010-10-20T04:32:00.000-07:00

GRAFITIS
Yuri Valecillo, texto e imágenes

INTROITO

La primera vez que escuché de grafitis o “pintas” como le decían en Venezuela hasta bien entrada la década de los 80's, fue en mi casa, con un cuento que más que eso era la pequeña historia de una tragedia.

Corría la década del 60, mi mamá era entonces apoyo o retaguardia del Partido Comunista y mi papá era un militante conocido y vicepresidente de la Central Unida de Trabajadores de Venezuela Seccional Carabobo (CUTEC), o sea, de mi Estado.

En mi casa, mi papá que era un hombre del aparato militar del Movimiento de Izquierda Revolucionaria (MIR) y mi mamá, retaguardia o apoyo permanente de los ñángaras o comunistas -gente de izquierda que ilegalizados y perseguidos se fueron a la montaña mientras otros se quedaban en el combate urbano-, hacían o fabricaban en casa unos lápices o lapizotes como les llamaban en esos años, de manera artesanal en una olla grande con parafina, kerosén, negro humo (pigmento para pintar muebles), semillas de aguacate finamente molidas y secadas luego al sol y bastante azufre; todo lo cual tomaba forma después de ser derretido y homogenizado, luego se enfriaba en un tubo de papel higiénico. Pues bien, a principios de los años 60's cuando egresaba la primera promoción de abogados de la Universidad de mi Estado, un muchacho debía buscar esos “lapizotes” para hacer gritar la ciudad, como decía papá, o sea, pintar y pintar, esta vez por la libertad de los presos políticos y militares nacionalistas detenidos. Jiménez Beiza, otro joven que también estaba en el acto de promoción de abogados, debía llegar a mi casa, a El Palotal, un barrio obrero de Valencia, en Venezuela. Un juego de beisbol se iniciaba en la calle, como a las cuatro de la tarde, al punto se detuvo frente a mi hogar un pequeño VW Sedán y bajan de éste un par de muchachos, en busca de los instrumentos “de terror visual y gráfico”. Ya se marchaban cuando suenan tres disparos: un agente de la temible Digepol, el viejo Hernández, en medio de la calle acciona su arma tres veces a unos 20 metros de distancia de los muchachos; los disparos impactan a Humberto Méndez Figueredo y hieren levemente a Jiménez Beiza. Un acto reflejo hace que Humberto pise el acelerador y el auto estando en reversa va a caer a un antiguo canal de riego, hoy avenida Enrique Tejera. Mi mamá escucha las detonaciones y se da cuenta de lo ocurrido. Su amigo, camarada y gran amigo de mi casa, estaba muerto. Se acercó al acompañante Jiménez Beiza, que estaba inconsciente, producto del impacto, para decirle “véte de aquí, yo limpio todo”. La vieja Carmen recoge entonces lapizotes y más lapizotes, y con una frialdad inaudita los volvió a fundir y enceró el piso de toda la casa, así el enemigo no tendría prueba alguna, no quedaría evidencia. Mi papá y mi mamá siguieron haciendo del peligro político su vida, mientras mis hermanos y yo, con algo más de 10 años de edad, debíamos colocar en las plazas de mi pueblo o ciudad “una panfletaria” o paquetes de volantes atados a una pequeña carga de pólvora que al estallar lanzaba los volantes al espacio cercano, algunos en la Plaza Santa Rosa, otros en Plaza Sucre, o en el cementerio, para que el enemigo dispersara sus fuerzas y le dieran suspiro a los guerrilleros de Falcón y de Oriente. En tanto, mi papá y algunos hombres y mujeres del MIR y el PCV hacían gritar en la ciudad “vivan las FALN".

Años después, recién entrados los 70's, se funda el MAS y en un local que mi papá regaló a ese partido por 20 años, se diseñaba y se enseñaba agitación y propaganda. Jacobo Borges, Pedro Léon Zapata, Luis Luksik, Jacobo Rogeles dictaban esos cursos. A algunos nos gustaban mucho y junto con estas clases asistíamos a talleres del grupo “un paso al frente”, cuya cátedra de pintura la dirigía Quintín Hernández y en la Escuela de Bellas Artes las clases las recibíamos de Rubén Colombo. La red de los que habían participado en lo de los “lapizotes” y las panfletarias era más extensa de lo que yo imaginaba. También participaban Freddy Ordaz y Freddy Armas, poetas como Luis Alberto Angulo, entre cientos de jóvenes valientes e ilustrados que hacían “gritar la ciudad”. Mi pequeña y quizás minúscula historia debe ser igual a la de muchísimos habitantes de este continente. Mi inicio y mis primeras oídas de lo que es un grafiti. Mi historia quizás no es la más creativa, ni la más temeraria, pero creo que es un inicio de lo que representa “una pinta”, un esténcil, un grafiti en la pared de cualquier ciudad. Es siempre un acto de rebeldía, de inconformidad, de asumir el riesgo, la imagen y la adrenalina como coctel permanente. Pintan las paredes jóvenes sin paga, a contracorriente de un mundo neoliberal donde a todo se le trata de imponer un precio, asumiendo el riesgo sin la fórmula del debe y el haber. Sólo queda un saldo que impacta, que se hace público y que se apropia por instantes de nuestra atención, tensión y mirada y pone algo más de emoción en un camino, una calle, una pared que antes estuvo vacía, llena de silencios.

Los grafitis hacen gritar las paredes, debemos escucharlos, ya las pintas del pasado con su carga de rebeldía revolucionaria evolucionaron como del fax al correo electrónico, ya no son dos tonos que contrastan fondo y línea, van más allá, los grafiteros en Valencia (la de Venezuela) o México, trasladan su ingenio a nuevos códigos y aunque la imagen es impactante, ya no es la simple lectura del ABC político, ya no es el “vivan las FALN”. La construcción, esta vez gráfica, no termina con el punto final, como tampoco conserva reglas de ortografía o puntuación, no es un mensaje exacto pero tampoco relativo.

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Es ante todo, la creación de nuevos códigos y nuevas formas de organización, más vitales, más placenteras, más libres. Los grupos, colectivos o individuos que estructuran, organizan, proponen, realizan o imponen en una pared antes desnuda, abandonada, autista, sorda u opaca, establecen una relación que se organiza, crea y conforma grupos que son efímeros en actividad, pero no perecederos en cuanto a la discusión para desarrollar una propuesta que transformará esa pared antes desvestida en un muro que propone, inspira, critica, impacta u ofende. Los grafitis, grafos, pintas son unos actos de creación que tratan de impactar y la mayor parte de las veces lo logran, pero aunque son vistos por un gran público que está obligado a verlos, sus creadores son cuasi clandestinos y esconden para la gran mayoría sus identidades, seudónimos, nombres de batalla o apodos que son utilizados y sólo son conocidos por los iniciados, en esta propuesta que aparece y desaparece de una calle, avenida, boulevard o casa. Aunque algunos grupos empresariales proveen y aportan aerosoles, “herramienta fundamental”, e intentan captar o encerrar al grafiti en el discurso dominante, discurso que puede ir desde un mundial de fútbol o un campeonato electoral, o una elección de fútbol o un mundial electoral, siempre la creatividad y la adrenalina hacen de las suyas, colocan, pintan y dibujan símbolos y signos que violan la censura impuesta por los dueños del dinero y un discurso radical aparece como fantasma. En México, Venezuela o cualquier país de nuestro continente rebelde, el grafiti sigue haciendo de las suyas, contestando cuando no hay preguntas, llenando de gritos gráficos el silencio de lo unicolor. Los grafiteros tienen sus campos de práctica sin límites, en una batalla que trata de darle ilusión a la mirada, por el momento son grupos insobornables, con un modelo de ética insolente ante el agravio de lo cotidiano. Los grafitis aparecen en las calles, avenidas, autopistas, veredas y caminos, las ciudades están tomadas por un nuevo lenguaje nada subterráneo, que está allí frente a nosotros impactando nuestra vida y nuestro andar.